EL VUELO Y SUS CONSECUENCIAS

Flight (El Vuelo) es la nueva película de Robert Zemeckis, que podría reportar a Denzel Washington su tercer Oscar tras Tiempos de Gloria y Training Day. Washington parece abocado a repetir una y otra vez las premisas de sus personajes, en esta ocasión, el piloto dipsómano y drogadicto Whit Whitaker se parece sospechosamente en el caracter del detective Alonzo Harris de Training Day, de Antoine Fuqua.

La película se dividide en dos: el accidente de aviación en sí y las consecuencias del mismo. El accidente es un tour-de-force adrenalínico del mejor y más trepidante cine de acción de catástrofes de los 70. Después la película se centra en el drama personal de la adicción del protagonista, incapaz de mantenerse sobrio y de dejar de lado la adicción que será su ruina. El personaje de Washington no es un ser agradable ni simpático y al espectador le cuesta mucho identificarse con él e incluso con la lucha por salir del infierno del alcohol y las drogas. En este sentido, el proceso sería similar a lo que ocurría a Nicolas Cage en Leaving Las Vegas, de Mike Figgis. En este caso también se retrata a un ser amoral con poca consciencia del daño que ha causado su terrible error.

Esta segunda parte se centra en la investigación del Comité de aviación y en las consecuencias que el accidente tendrá para Whitaker, así como de las personas que intentarán ayudarlo, entre ellas Harling Mays, un John Goodman genial, que nos recuerda al Sr. Lobo de Pulp Fiction por su capacidad de resolución de los asuntos más turbios. 

El principal problema de la cinta es que necesitaría recortar algunas escenas para agilizar el conjunto. No obstante, es una buena y entretenida película sobre las adicciones que pueden estropear una vida y una carrera, así como sobre la redención personal y las segundas oportunidades.

Aunque Zemeckis no ha hecho una obra memorable, merece la pena ser vista, sobre todo por las excelentes interpretaciones de Washington y Goodman, quien se perfila como uno de los secundarios de lujo de Hollywood tras su paso triunfal por Argo.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Si bebes, no vueles.

UNA COMEDIETA CON PICASSO Y SUS AMIGOS INTELECTUALES

La Banda Picasso es la nueva película de Fernando Colomo, una comedieta ligera ambientada en París de principios de s.XX, momento en que confluyeron grandes artistas como Pablo Picasso, Guillaume Apollinaire, Henry Matisse, Georges Braque o Gertrude Stein. 

La trama que tiene como macguffin (pretexto argumental) el robo de la Gioconda en el Museo del Louvre, en realidad ofrece pinceladas de la vida de Picasso (Ignacio Mateos) y de los artistas que le rodeaban, de sus amistades, como el crítico literario Apollinaire (Pierre Bénézit) o Braque (Stanley Weber) de su amante, Fernande Olivier (Raphäelle Agogué) e incluso de los pintores que rivalizaban con él, como Henry Matisse (Tony Gaultier). La película está más interesada en sus conversaciones intelectuales y mundanas, que en hacer un thriller o decantarse claramente por la comedia.

Aunque pueda parecer Midnight in Paris, por los personajes que en ésta aparecen o por la ligereza de la propuesta, no nos dejemos engañar. Esto no es la película parisina de Woody Allen, pues no funciona tan bien como aquella. Aquejada de ritmo y tensión dramática, ni tampoco de vis cómica, la película transita por tierra de nadie, convirtiéndose en la tibia narración de una época dorada del París de principios de siglo. La propuesta carece de la pasión y de la fuerza de aquellos pintores, literarios y del fervor de su intelectualidad para tener verdadero interés. Se queda en todo momento en la superfície. Una lástima.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Picasso y su "banda" de amigos intelectuales en el Louvre.

SENTIR LA MÚSICA A CUALQUIER EDAD

Dustin Hoffman emocionó durante la 60ª edición del Festival de San Sebastián, donde fue a recoger el Premio Donostia a toda una carrera y aprovechó para presentar su ópera prima, El Cuarteto, una comedia con la ópera de Verdi como melodía de fondo.

Con 75 años, Hoffman debuta con una historia centrada en la tercera edad, que nos podría recordar a La última primavera, de Charles Dance; y a El exótico hotel Marigold, de John Madden, incluso Maggie Smith es el nexo común entre las tres cintas. En esta ocasión, Hoffman ambienta la acción en una exclusiva residencia de músicos retirados (tanto instrumentistas como cantantes de Ópera) donde, además de jugar a las cartas, al críquet, pasear o desayunar, se escucha y se practica música. Reggie, Wilf y Sissy están ensayando para participar en la gala benéfica anual en conmemoración del aniversario de Verdi. Entonces Jean Horton, gran diva de la ópera ya retirada, aparece para pasar el resto de sus días en la clínica. Jean y Reggie estuvieron casados en su juventud y existen unas rencillas entre ellos...

Una de las grandes bazas de la película es su reparto de veteranos ilustres: Tom Cuortenay, Billy Connolly, Maggie Smith, Pauline Collins y Michael Gambon están estupendos en sus roles, llenos de matices. La comicidad y complicidad entre los personajes, sus salidas de tono, sus alegrías y sus desaires son lo mejor de una comedia agradable y simpática de ver, aunque también bastante previsible en su desarrollo.

Se agradece que se hable de la vejez no sólo para mostrar las pérdidas de memoria y algún que otro achaque de los personajes, sinó para reflejar una alegría de vivir de sentir la música chispeante y contagiosa, así como el sentido de la amistad y el sentimiento de amor no importando la edad. Por todo ello, pensamos que no hace falta ser mayor como sus protagonistas para disfrutar de una cinta amable, divertida y con buen rollo, que nos hará salir del cine con una sonrisa en el rostro. Atención: si os quedáis a los créditos finales podréis,además de seguir disfrutando de la gran banda sonora de Darío Marianelli, encontraros otras gratas sorpresas.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Reggie y Jean, odios y amores de un ex-matrimonio.

UN SHAKESPEARE GUERRERO Y ACTUALIZADO

Coriolanus es la ópera prima de Ralph Fiennes, un reconocido amante de Shakespeare, al cuál ja interpretado infinidad de veces en la Royal Shakespeare Company. Por ello, no nos ha de extrañar que escoja una obra del gran dramaturgo inglés para hacer su debut. Una obra nada sencilla de adaptar y que, además, cuenta con el añadido de la traslación del texto a la época actual. La película se estrenará simultáneamente este viernes en 6 plataformas:Yomvi, Wuaki TV, Ono, Imagenio, Nubeox y Filmin, así como en DVD y cine sólo en versión original. 

Cayo Marcio es un soldado que ha luchado por Roma, su patria y va a ser nombrado cónsul. Pero toda su disciplina y maneras militares no hacen que sea un político querido por el pueblo, sinó todo lo contrario, y se ve obligado al exilio forzoso. Tullius Aufidius, cabecilla de los volscos, la guerrilla de resistencia contra Roma, puede pasar de enemigo a aliado. Mientras, su madre (Vanessa Redgrave), su esposa (Jessica Chastain) y su hijo serán los únicos pilares que pueden enderezar el camino del desterrado y vengativo Coriolanus.

Con estas premisas, la película se divide en dos partes. En una, conocemos a Cayo Marcio soldado, a su nombramiento como cónsul Coriolanus y a las tensiones populares que se desatan a su alrededor. La segunda parte se centra en su exilio y en la búsqueda de apoyo para llevar a cabo una venganza contra Roma. 

Las luchas por el poder entre la cúpula política y el pueblo, la traición a la patria, el honor, el orgullo, la fuerza de la familia y los deseos de venganza son los temas esenciales que vertebran Coriolanus que, a ratos es una cinta apasionante, mientras que otras escenas se hacen demasiado difíciles para el espectador. 

Cabe destacar el magnífico cast del que se rodea Ralph Fiennes, un Coriolanus que pasa de momentos muy medidos a otros más sobreactuados: Gerard Butler, Brian Cox, James Nesbitt, Jessica Chastain y Vanessa Redgrave arropan a este personaje. Especialmente intenso es el rol de Redgrave, como una madre de carácter fuerte y decidido, cuya maternidad va más allá de su hijo, sinó que se extiende a toda la madre patria. Sus escenas son absolutamente memorables y ya, por verla a ella, merece la pena pagar la entrada de cine. 

Todo ello, adaptando el texto clásico de Shakespeare a la modernidad actual, cosa que no funciona a la perfección durante todo el rato, pues creemos que algunas escenas deberían ser recortadas para agilizar el conjunto. No obstante, hemos de aplaudir el esfuerzo de Fiennes por el riesgo y el atrevimiento de la propuesta que, por su densa complejidad, no será apta para todo tipo de paladares. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Madre e hijo tendrán diferentes visiones del poder.

VIDAS DISFUNCIONALES

Cada año en los Oscar hay alguna pequeña película, normalmente de corte independiente que salta primer plano de la actualidad y que se convierte en la revelación de la temporada. Si hace unos años sucedió con El indomable Will Hunting y Mejor imposible y más recientemente con Juno y Pequeña Miss Sunshine, este año El lado bueno de las cosas (Silver Linings Playbook) ha entrado pisando fuerte en la carrera de los Oscar, son suyas 8 nominaciones en las principales categorías. Además, ha pulverizado un récord, hacia 31 años que no ocurría que en una misma cinta los cuatro actores posibles, dos principales (Jennifer Lawrence, Bradley Cooper) y dos secundarios (Jackie Weaver y Robert de Niro) estuviesen todos nominados.

¿Pero qué es El lado bueno de las cosas? Es una feel-good-movie que, en forma de rom-com dramática, subvierte las reglas del subgénero al presentar otro tipo de personajes mucho más complejos a la par que menos convencionales. En este caso, Pat (Cooper) acaba de salir de una institución mental, pues encontró a su esposa con otro hombre, al que atacó, y aún se siente trastornado y con muchas ganas de recuperarla y de rehacer su vida junto a ella. Un día conoce a Tiffany (Lawrence), una joven viuda que ha perdido el trabajo a causa de una curiosa y desproporcionada manera de enfrentarse al duelo por la muerte de su marido.

Ambos seres, incompletos e incapaces de superar por sí mismo las dificultades que les ha puesto la vida en su camino, encontrarán en una actividad común algo donde agarrarse. Y hasta ahí podemos explicar para no desvelar detalles importantes de la trama. Jackie Weaver y Robert de Niro interpretan a los padres de Pat, un matrimonio que habrá de hacer frente a esta nueva etapa de su hijo, de nuevo en la casa paterna. 

Así pues, la película habla, desde el corazón y de manera muy mesurada (y para nada sensiblera) de la dificultad de superar un duelo o una pérdida y de afrontar un trastorno poniendo hincapié en el entorno y en las relaciones personales (familiares, amistosas, etc). Los grandes aciertos de la cinta de David O. Russell son un guión muy equilibrado entre drama personal y comedia romántica y unos actores en estado de gracia. Lawrence y Cooper se desnudan emocionalmente frente al espectador, de manera sensible y delicada, componiendo dos "locos" entrañables y llenos de humanidad. Además, la química entre ambos, a pesar de los 16 años que les separan (ella tiene 22 y él 38) es rabiosamente chispeante.

¿Puede dar la sorpresa en los Oscar? No lo sabemos. De lo que estamos convencidos es que el espectador se va a alegrar, va a sufrir, a reír y a emocionarse con la película y que, tras 2 horas, se va a ir del cine con la sonrisa grabada en el rostro, saliendo muy optimista y con la sensación de saberle a poco. 

SONIA BARROSO.-

UN PRESIDENTE PARA LA HISTORIA

Con Lincoln, Steven Spielberg vuelve a las películas históricas del calibre de La lista de Schindler y Salvar al soldado Ryan al retratar al 16º presidente de los EEUU, conocido por la abolición de la esclavitud. Para ello realiza un grandioso fresco del personaje y de la época histórica de dos horas y media de duración, que ha obtenido 12 candidaturas a los Oscar, partiendo como la gran favorita de esta edición.

Apasionado en sus discursos, hombre de anécdotas jugosas y hábil con sus adversarios políticos, la película se centra entre 1860 y 1865, en dos esferas esencialmente: la parte política, con todo los intríngulis entre demócratas y republicanos y su lucha para conseguir erradicar para siempre la esclavitud. Viendo según qué escenas, uno se imagina dónde se iniciaron aquellos roles no siempre éticamente irreprochables de los protagonistas de la contemporánea El Ala Oeste de la Casa Blanca, pues Lincoln no dudó en entrar a menudo en el juego sucio de la política para lograr sus fines.

También está omnipresente  la esfera personal, con la dolorosa pérdida de uno de sus hijos y la posibilidad que Robert, su hijo mayor y universitario de Harvard, se aliste en la Guerra de Secesión. 

Spielberg se sirve del mejor Lincoln posible: un Daniel Day-Lewis perfectamenente caracterizado, que realiza un magnífico e imponente trabajo, con una gran dicción y retórica trasformándose (y de qué modo) en el presidente republicano. No en vano el actor pidió a Spielberg un año para preparar su camaléonica y veraz transmutación en Lincoln. Así como bien arropado por secundarios como Sally Field, que interpreta a su esposa, Mary Todd, y Tommy Lee-Jones, como el republicano Thaddeus Stevens, que acabaría siendo vice-presidente. La terna de actores está muy merecidamente nominada al Oscar.

Sorprende el arriesgado montaje a base de primeros planos (como ya ocurría en Los Miserables). Su función es tratar de acercar al espectador el personaje, su pensamiento y su retórica. Es por ello que la cinta es lenta, pues pausado es el transcurrir de la historia y más aún cuando, de manera indirecta, se pretende adoctrinar a los espectadores.

Aunque esta vez, Spielberg no consiga emocionar, como en parte de su filmografía hace, quizás los norteamericanos si vean en ella, la emoción de un hombre que se puso el país en el bolsillo en su memorable discurso de Gettysburg y que sentó las bases para la futura y moderna nación estadounidense. Es como si la historia hubiera estado esperando todo este tiempo a que el rey Midas de Hollywood retratara a Lincoln.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Lincoln y su esposa, Mary Todd, la siempre difícil conciliación entre la esfera pública y privada.

EL HONRADO ABRAHAM

¿Por qué es tan importante el honrado Abraham para la cinematografía? Hasta este momento a Lincoln se le menciona o se le ve en más de 200 películas, y algunas de ellas son clásicos del cine; pero si retrocedemos hasta el tiempo en el que vivió descubriremos porque es tan recurrente para los directores de cine.

Abraham Lincoln (1809 –1865) llegó a ser el décimosexto presidente de los EEUU y tal vez el más admirado para unos, y el más maldecido para otro por abolir la esclavitud de su país; todo esto es muy conocido por el gran público pero nunca nos podremos meter en su mente cuando decidió actuar para conseguir un mundo mejor.

Ahora que he acercado este personaje histórico a mis lectores; tengo que mencionar la película de Steven Spielberg, sobre los últimos años de vida de Lincoln. Con Daniel Day-Lewis en el papel principal, y que se estrena en España el 18 de Enero. Como pretexto voy a analizar dos filmes que reflejan como era su verdadero carácter.

La primera de ellas es, quizás el Lincoln cinematográfico mejor logrado hasta la fecha, por su carácter humano aunque con algunas inexactitudes históricas, Abraham Lincoln, (1930) una de las dos únicas películas sonoras de David W Griffith, en la que podemos ver todas y cada una de las pequeñas manías de este gran hombre; pero también nos enseña los hechos que marcaron su vida (privados y públicos) y que da pie a un colosal mito que merece la pena revisar una y otra vez.

Griffith nos presenta así a Walter Huston en el papel del presidente en una interpretación soberbia, que enlaza a la perfección con la leyenda y con la historia verdadera creando así varios interrogantes y afirmaciones que el espectador se encarga de resolver o justificar según va avanzando la película hacia su final.

Pero con este discurso cinematográfico, que además fue la primera película totalmente hablada de su director, nos enseña el espíritu que desde tiempos de Lincoln no para de rondar su época, lo que llamamos hoy igualdad racial y nos obliga a eligir entre ser racista o no serlo; pese a que el propio Griffith fue acusado de este delito durante toda su vida.

Al final de esta obra nos enseña que no importa ser negro o blanco porque nuestra sangre es del mismo color aunque la historia parece repetirse una y otra vez pero con diferentes situaciones y problemas; y también nos damos cuenta que hay siempre personas valientes que tienen esa pizca de coraje que se necesita para cambiar la forma de vida y hacer de este planeta más habitable.

Es la 1,20h perfecta para conocer en profundidad a uno de los políticos más recordados de toda la Historia de la humanidad que entendió la política para mejorar la sociedad y para conseguirlo tuvo que defender sus ideales para que se hicieran realidad.

El Lincoln más recordado de la historia del cine tal vez sea el que interpretó Henry Fonda en: El joven Lincoln, (1939) de John Ford; este trabajo es original porque no cuenta los hechos históricos del presidente, sinço qie nos narra sus comienzos como abogado de los derechos de la gente humilde. De esta manera, esta película nos mete de lleno en la formación profesional y humana de nuestro protagonista en un ambiente de pobreza. El director de este filme consiguió contar en imágenes un suceso sin repercusiones universales pero que forjó a Lincoln en los ideales que algunas décadas después defendió como presidente.

En el plano técnico está impregnado de poesía, tanto en su fotografía como el argumento y los personajes, también es interesante porque podemos percibir aquello que marcó su vida presidencial antes de que ocurriera.Lo verdaderamente importante es que huye del patriotismo americano en un clima donde lo esencial era no olvidarse del lugar del mundo donde se desarrolla la injusticia que narra este clásico.

Dentro de la filmografía de Ford El joven Lincoln es una de sus obras menos conocidas. El buen cinéfilo siempre recordará a un Fonda trajeado en la piel de un Lincoln de 23 años que todavía está por descubrir su mundo y lo que puede aportar en él.

En conclusión, que para entender la figura de este hombre es una parada obligada degustar esta obra y saber de qué manera se formó una de las personalidades del siglo XIX.

 Seguramente en un futuro habrá nuevas interpretaciones del honrado Abraham que sembrarán esa leyenda de político generoso y combativo y que serán, para el que lo quiera ver, una lección de cómo dedicarse a la política y no ser corrupto ni racista ni nada que se le parezca; tal vez el ejemplo de Abraham Lincoln sea el de una clase de personas de las que carecemos hoy en día en la política global y que seguramente harían de este presente un mundo mejor para toda la humanidad, porque enriquecerse de la política no es ser un buen político ¡Señores!.

JORGE GIRBAU BUSTOS.-

Pie de foto: Henry Fonda fue "El joven Lincoln".

DJANGO: DE ESCLAVO A LEYENDA

Quentin Tarantino vuelve a comportarse como un maldito bastardo, reinventando y bebiendo de las fuentes del spaghetti-western, con especial influencia de la divertida Django, de Sergio Corbucci (1966) y de otras piezas del género como Le llamaban trinidad o las cintas de Sergio Leone (Como un puñado de dólares, El bueno, el feo y el malo, etc). 

Aunque en esta ocasión la trama se centra en la relación entre dos hombres hacia 1865: un cazarrecompensas de origen alemán, ex-dentista, el Dr.King Schultz (Christoph Waltz), que consigue que el negro Django (Jamie Foxx) se convierta no sólo de esclavo a hombre libre, sinó que se asocie con él para detener a una banda de peligrosos hermanos, los Brittle. Django sueña con liberar a su esposa, Broomhilda (Kerry Washington) y para ello, necesitará la ayuda del Dr.Schultz. En su camino se encontrarán con numerosos peligrosos, como Calvin Candie (Leonardo Di Caprio), un poderoso terrateniente sin escrúpulos, dueño de una de las mayores plantaciones de algodón de Misissipi. 

La película no sería lo mismo sin Christoph Waltz -quien tras conseguir un Oscar por su Hans Landa en Malditos Bastados- vuelve a estar inmenso, confirmando que es uno de los mejores secundarios que existen en la actualidad. Así mismo, se nota la implicación de Di Caprio, Foxx y Samuel L.Jackson, quienes dan lo mejor de sí mismos al servicio de esta historia de un hombre negro y esclavo que no sólo llegó a ser libre, sinó que se convirtió en una leyenda.

Con bastantes puntos en común con Malditos Bastardos, Django Desencadenado es la historia de una venganza, si en aquella era la de la judía Shosanna (Mélanie Laurent) contra los asesinos de su famia y, por ende, contra el nazismo, en este caso es el sangriento ajuste de cuentas que llevará a cabo Django para salvar a su esposa y para devolverle a ella y a sí mismo, la libertad y la dignidad personal perdidas por culpa de la esclavitud. 

Con reminiscencias, aparte del spaghetti, de otras cintas como Lo que el viento se llevó, de Víctor Fleming (1939); Nevada Smith y Valor de Ley, ambas de Henry Hathaway (1966 y 1969, respectivamente), Tarantino deja su sello. La D de Django no sólo emmudece ante los interminables, a veces exasperantes, a menudo divertidos y otras tantas anticipatorios diálogos, sinó también en la planificación de las escenas de violencia (los flashbacks de las torturas, las escenas fuera de plano del ataque de los perros a un esclavo y las "explosivas" carnicerías de la parte final, etc).

Como viene siendo habitual en Tarantino nos encontramos con una banda sonora potente y muy pegadiza, con grandes temas del spaghetti-western, -de Ennio Morricone o "Trinity", de Le llamaban Trinidad-, a otros compuestos expresamente para la película, como la preciosa "Ancora Qui"; baladas soul como "Who did that to you", de John Legend y algunas canciones "raperas". Así como con una contrastada fotografía, que recuerda a las películas de los 60. Todos estos elementos confluyen en una cinta que contentará a los fans de Tarantino, pues es un festival de principio a fin, consiguiendo que no decaiga la fiesta en sus dos horas y tres cuartos de duración. 

SONIA BARROSO.-

EL UNIVERSO NOIR Y ULTRAVIOLENTO DE TARANTINO

Tarantino es un gran cineasta que hizo una valiosísima aportación al universo noir en los años 90. Según los autores Alain Silver y James Ursini en los primeros 5 años de la década de los noventa se produjeron tantos films como en el periodo comprendido entre los años 1967 y 1989. Es un dato que hay que tenerlo muy en cuenta. Tarantino irrumpió como un auténtico huracán en el panorama cinematográfico mundial con Reservoir Dogs (1992) y Pulp Fiction (1994). El fenómeno Tarantino trascendió el ámbito estrictamente cinematográfico para convertirse en un fenómeno cultural. Nicholas Winding Refn, autor de la aclamada Drive, sigue los mismos pasos de Tarantino. Y ha habido otros que han querido imitar su manera de hacer cine, pero sin éxito. El gran acierto del de Knoxville fue que fusionara con maestría e ingenio el cine de entretenimiento y el cine de autor. Para muchos eran dos maneras de entender el cine totalmente contrarias y se excluían mutuamente, pero Tarantino demostró que el cine no entiende de barreras ni de prejuicios.

Reservoir Dogs trataba sobre unos delincuentes que iban a robar un banco (hasta ahí todo bien), pero en vez de mostrar el atraco (que sería lo más lógico), prefirió centrarse en otras cosas. Tarantino sorprendió con su innovadora propuesta, ya que, él decidió lo que era importante y lo que no. Y para el asombro de muchos el gran momento del atraco no era tan interesante como podía ser una conversación cualquiera entre los mafiosos. Tarantino juega con las expectativas del espectador y, como ha admitido muchas veces, le encanta subvertir las convenciones del género. Y con Pulp Fiction fue mucho más allá. La estructura narrativa que ideó para la ocasión fue aún más compleja que la de su anterior obra. Pero su estilo no sufrió ningún cambio. Los ingeniosos diálogos y los tiempos muertos no habían perdido ni un ápice de protagonismo. Y la violencia podía estallar en cualquier instante, por ello, la tensión y el desconcierto aumentaban cada vez que nos hacía partícipes de más conversaciones “banales”.

ICONOS

Pulp Fiction es quizás la película más incónica de su director. Un reparto coral inspirado, una suma de historias, la recuperación de una vieja gloria denostada, como John Travolta, se unen a una definición del universo violento y salvaje, con escenas impactantes, que ya explotó en Reservoir Dogs mezclados con unos diálogos de una verborrea impresionante, con un sentido del humor muy negro. También supondría el inicio de su fructífera colaboración de actores como Uma Thurman y Samuel L. Jackson. Una película que le puso en el panorama cinematográfico mundial y que le otorgó un Oscar al mejor guión y una Palma de Oro en Cannes.

Jackie Brown fue una vuelta de tuerca al universo pulp y ultraviolento de Tarantino. Una película mucho más reposada, tranquila y calmada en la que filmaba, por primera vez y dándole una relevancia muy grande, una historia de amor en los bajos fondos, entre dos estrellas también venidas a menos: Pam Grier -star de la blaxplotation de los 70- y Robert Forster. Ésta es su obra más clásica y menos impactante, con la menor acogida entre sus acólitos.

En cambio, con el díptico Kill Bill y la venganza de su Novia Sangrienta ( de nuevo Uma Thurman se convierte en incono), Tarantino planteó un festival de hemoglobina, cuerpos desmembrados y ultraviolencia desmedida, muy cercana al gore, para deleite de sus fans que con Jackie Brown, se habían quedado ávidos de la parte más salvaje del director.

Death Proof fue bastante incomprendida, a pesar de ser un homenaje al cine de los 70 y a películas como El diablo sobre ruedas (de Steven Spielberg) y pasó de puntillas por las salas, siendo una de sus obras menores menos consideradas.

RECUPERANDO EL PRESTIGIO

En cambio, recuperó el prestigio con Malditos Bastardos, una cinta que mezclaba el clasicismo de las historias de nazis de toda la vida con las explosiones de violencia y diálogos agresivos made in Tarantino. Con un reparto impresionante de actores de todas las nacionalidades: el americano Brad Pitt, la francesa Melanie Laurent, los alemanes Daniel Brühl, Michael Fassbender y Diane Krueger. La película supuso el descubrimiento de un actor de enorme talento en un personaje francamente carismático a la par que desagradable, el del coronel Hans Landa. El austríaco Christoph Waltz fue el primer de sus prestigiosos actores en ganar el Oscar. La película, a caballo entre el clasicismo y la modernidad, supone el precedente que sentaría las bases para Django Desencadenado. 

En Django Desencadenado, Tarantino homenajea a los spaghetti-westerns de Sergio Leone. El director italiano ralentizaba la acción, mostrando el juego de miradas, cosa que se convirtió en la seña de identidad de su estilo. Tarantino tomó muy buena nota de ese recurso aunque, en vez del silencio y las miradas (que mantenían al espectador intrigado), el director de Knoxville emplea la palabra, es decir, conversaciones que no vienen a cuento para jugar con la paciencia del espectador. La acción se detiene de repente y empiezan a hablar de cualquier tontería, pero luego cuando menos te lo esperas estalla la violencia y empieza la fiesta. Y eso es, Django Desencadenado, un festival para los fans del director.

BEÑAT EIZAGIRRE INDO y SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Pulp Fiction es la película más icónica de Tarantino.

JACKMAN, HATHAWAY Y ARGO DAN EL CANTE EN LOS GLOBOS DE ORO

Esta madrugada (hora española) se han entregado en Los Ángeles los Globos de Oro, los premios que otorga la Asociación de la Prensa Extranjera en Hollywood para premias los mejores trabajos en cine y TV del año y que son considerados para la mayoría la antesala de los Oscars, como mínimo, un indicativo de lo que puede pasar la noche del 27 de febrero. Antes de repasar la lista de premios nos gustaría hacer algunas valoraciones. Desde Faceosnthebox estamos muy satisfechos con Argo, pues es una de las mejores películas del año. Lástima que Affleck no volverá a subir a recoger estatuilla, pues incomprensiblemente no esta nominado como director en los Oscar y no podrá dedicar a todo el mundo un Argofuckyourself bien alto y bien claro. Los Miserables ha triunfado en la categoría de mejor comedia o musical, nunguneando a El lado bueno de las cosas, que sólo ha conseguido Jennifer Lawrence su Globo a mejor actriz de comedia (y porque Hathaway estaba nominada como secundaria, claro está). El resto de los premios, muy repartidos, Django Desencadenado se ha tenido que conformar con el premio al mejor guión para Tarantino y al mejor secundario para Waltz. Daniel Day-Lewis y Jessica Chastain se perfilan, con sus galardones, como muy posicionados de cara a los Oscars. En televisión, nos alegramos por los tres premios de Homeland: mejor serie dramática, actor para Damien Lewis y actriz para Claire Danes. 

Globos de Oro en cine:

Mejor Película Comedia o Musical: Los Miserables
Mejor Director: Ben Affleck, Argo
Mejor Actor en Drama: Daniel Day-Lewis, Lincoln
Mejor Actriz en Drama: Jessica Chastain, La Noche más Oscura
Mejor Actor en Comedia o Musical: Hugh Jackman,Los Miserables
Mejor Actriz en Comedia o Musical: Jennifer Lawrence, El Lado Bueno de las Cosas
Mejor Actor Secundario: Christoph Waltz,Django Desencadenado
Mejor Actriz Secundaria: Anne Hatthaway, Los Miserables
Mejor Guión: Quentin Tarantino, Django Desencadenado
Mejor Película de Animación: Brave
Mejor película de habla no inglesa: Amour (Austria)
Mejor Banda Sonora: Michael Dana, La Vida de Pi
Mejor Canción: Skyfall, de Adèle, Skyfall

Globos de oro en televisión:

Mejor Serie Dramática: Homeland
Mejor Serie Comedia: Girls
Mejor Miniserie o TV Movie: Game Change
Mejor Actor en Drama: Damian Lewis,Homeland
Mejor Actor en Comedia: Don Cheadle,House of Lies
Mejor Actriz en Drama: Claire Danes,Homeland
Mejor Actriz en Serie: Lena Dunham,Girls
Mejor Actor en Miniserie o TV Movie: Kevin Costner,Hatfield And McCoys
Mejor Actriz en Miniserie o TV Movie: Julianne Moore, Game Change
Mejor Actor Secundario: Ed Harris,Game Change
Mejor Actriz Secundaria: Maggie Smith,Downton Abbey

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Ben Affleck posiciona su Argo de cara a los Oscar. ¿Logrará al menos la estatuilla dorada como mejor película?

AND THE NOMINATIONS ARE...

Lincoln, con 12 nominaciones, seguida por La vida de Pi con 11 y El lado bueno de las cosas con 8 parten como favoritas en los próximos Oscar. También Argo, Los Miserables (con 7 cada una), así como Django Desencadenado y La noche más oscura (con 5) tienen muchas posibilidades de premio. Las grandes ausencias, como Ben Affleck y Kathryn Bigelow en la dirección; John Hawkes como mejor actor o Di Caprio como mejor actor de reparto son compensadas con algunas sorpresas, como la inclusión de Jackie Wever y De Niro como secundarios, del director Behn Zeitlin y la niña de Bestias del Sur Salvaje. Precisamente Qvenzane Wallis, con 9 años, es la actriz más jovencita nominada (aún más que la Anne Paquin de El Piano, que con sólo 11 años se llevó el gato al agua), mientras que la octogenaria Emmanuelle Riva es, con 85, la actriz más veterana que lo lograría. Amour ha sido una agradable sorpresa, al conseguir 5 nominaciones en las principales categorías, incluyendo mejor película (y no sólo de habla no inglesa) y director. La respuesta: el 27 de febrero.

MEJOR PELÍCULA
Bestias del sur salvaje
El lado bueno de las cosas
La noche más oscura
Lincoln
Los Miserables
La vida de Pi
Amor
Django desencadenado
Argo

MEJOR DIRECTOR

 
- David O. Russell, El lado bueno de las cosas
- Ang Lee, La vida de Pi
- Steven Spielberg, Lincoln
- Michael Haneke, Amour
- Behn Zeitlin, Bestias del sur salvaje

MEJOR ACTOR

 
- Daniel Day Lewis, Lincoln
- Denzel Washington, El vuelo
- Hugh Jackman, Los Miserables
- Bradley Cooper, El lado bueno de las cosas
- Joaquin Phoenix, The Master

MEJOR ACTRIZ

 
- Naomi Watts, Lo imposible
- Jessica Chastain, La noche más oscura’

- Jennifer Lawrence, El lado bueno de las cosas
- Emmanuelle Riva, Amour
- Quvenzhane Wallis, Bestias del sur salvaje

MEJOR ACTOR DE REPARTO

 
- Christoph Waltz, Django desencadenado
- Philip Seymour Hoffman, The Master
- Robert De Niro, El lado bueno de las cosas

- Alan Arkin, Argo
- Tommy Lee Jones, Lincoln

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
- Sally Field, Lincoln
- Anne Hathaway, Los Miserables
- Jacki Weaver, El lado bueno de las cosas
- Helen Hunt, Las sesiones
- Amy Adams, The Master

MEJOR PELÍCULA ANIMADA

 
- Frankenweenie
- El alucinante mundo de Norman
- Brave
- ¡Piratas!
- ¡Rompe Ralph!

MEJOR GUIÓN ORIGINAL
- El vuelo
- La noche más oscura
- Django desencadenado
- Amor’
- Moonrise Kingdom

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
- Bestias del sur salvaje
- Argo
- Lincoln
- El lado bueno de las cosas
- La vida de Pi

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA
- Amour, Austria
- No, Chile
- War Witch, Canadá
- A Royal Affair, Dinamarca
- Kon Tiki, Noruega

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA
- Anna Karenina
- El Hobbit: Un viaje inesperado
- Los Miserables
- La vida de Pi
- Lincoln

MEJOR FOTOGRAFÍA
- Anna Karenina
- Django desencadenado
- La vida de Pi
- Lincoln
- Skyfall

MEJOR VESTUARIO
- Anna Karenina
- Los Miserables
- Lincoln
- Blancanieves (Mirror Mirror)
- Blancanieves y la leyenda del cazador

MEJOR MONTAJE
- Argo
- La vide de Pi
- Lincoln
- El lado bueno de las cosas
- La noche más oscura

MEJOR EFECTOS VISUALES
- El Hobbit: Un viaje inesperado
- La vida de Pi
- Los Vengadores
- Prometheus
- Blancanieves y la leyenda del cazador

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
- Hitchcock
- El Hobbit: Un viaje inesperado
- Los Miserables

MEJOR EDICIÓN DE SONIDO
- Argo
- Django desencadenado
- La vida de Pi
- Skyfall
- La noche más oscura

MEJOR MEZCLA DE SONIDO
- Argo
- Los Miserables
- La vida de Pi
- Lincoln
- Skyfall

MEJOR BANDA SONORA
- Anna Karenina
- Argo
- La vida de Pi
- Lincoln
- Skyfall

MEJOR CANCIÓN
- Before My Time, ’Chasing Ice’
- Pi’s Lullaby, ’La vida de Pi’
- Suddenly, ’Los Miserables’
- Everybody Needs a Best Friend, ’Ted’
- Skyfall, ’Skyfall’

MEJOR DOCUMENTAL
- 5 Broken Cameras
- The Gatekeepers
- How to Survive a Plague
- The Invisible War
- Searching for Sugar Man

MEJOR CORTOMETRAJE
- Asad
- Buzkashi Boys
- Curfew
- Death of a Shadow (Dood Van Een Schaduw)
- Henry

MEJOR CORTO DOCUMENTAL
- Inocente
- Kings Point
- Mondays at Racine
- Open Heart

- Redemption

MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO
- Adam and Dog
- Fresh Guacamole
- Head Over Heels
- Maggie Simpson in The Longest Daycare
- Paperman

SONIA BARROSO.-

EUROPA SE RINDE A HANEKE

Michael Haneke es uno de los directores europeos más prestigiosos y reconocidos del panorama cinematográfico actual. El austríaco ha tomado el relevo de los grandes cineastas europeos, aquellos que con valentía e ímpetu lograron plasmar las contradicciones y anhelos de épocas pasadas erigiendo un universo y estilo propios. Como su querido Michelangelo Antonioni Haneke ha encontrado en Francia sus más acérrimos seguidores y no sólo eso, ya que, se ha convertido en el mejor embajador del país galo. Ha querido rendir homenaje al cine francés filmando varias de sus obras en francés y con actores de la talla de Isabelle Huppert, Benoit Magimel, Emmanuelle Riva y Jean-Louis Trintignant.

Se puede decir que Haneke ha logrado lo que muchos políticos no han conseguido hacer. Representa los valores europeos. El cine de Haneke logra derribar todas las barreras culturales. Es cine en estado puro.Usando una analogía culinaria se puede decir que se trata de un cine hecho a fuego lento, pero para poder saborearlo se necesita tiempo y dedicación. El espectador tiene que dejar todo lo que estaba haciendo para poder disfrutar de la experiencia estética y sobre todo, emocional que nos brinda cada vez que presenta una nueva obra. Es un cine delicioso, aunque eso no quita que sea violento y perturbador. En un mundo donde la tecnología influye en todos los aspectos de nuestras vidas hay algunas cosas que deberíamos conservar.

La obra de Haneke bebe de la tradición del cine europeo, ese cine que muchos lo tildan de pretencioso y adulador, pero que en estos tiempos que corren resulta realmente necesario.Un cine que quiere llegar a la verdad, un cine que prescinde de artificios y ornamentos baratos y prefabricados, un cine que con su buen hacer desnuda el alma humana. Un cine que se puede considerarse anacrónico, ya que, no es posmoderno ni esteticista, pero que de todas formas, resulta impactante e inquietante por las sensaciones que provoca en el público. Y sobre todo, un cine que plantea preguntas incómodas, que nos hace preguntarnos sobre la naturaleza humana. Un cine que quiere atacar nuestra (falsa) tranquilidad y serenidad sacando a relucir nuestros miedos más terroríficos e inconfesables. Un cine que no hace otra cosa que desatar nuestros mayores temores.

Un cine que no entiende de barreras lingüísticas ni culturales, un cine que llega directo al corazón. Un cine con vocación universal, que logra atravesar todas las barreras que puedan separarnos como especie, un cine hecho de sentimientos. Porque los sentimientos nunca mienten y el autor austríaco siempre golpea donde más duele. Como diría Lacan, el camino de la verdad es doloroso, y bien lo sabe Haneke. Nos golpea y nos hiere, nos hace partícipes de la tragedia y la sin razón humana. Se ensaña con el espectador, pero lo hace de una manera elegante y sobria. Resulta sugerente. Haneke no es Tarantino, ni tampoco es Miike, es un autor de la vieja escuela, que hace las cosas con detenimiento y seriedad. Se trata de un cine hecho con amor, con paciencia, y sobre todo, con honestidad y franqueza. Por ello no es de extrañar que su cine se haya convertido en objeto de culto y de estudio. Con cada obra su leyenda no hace más que crecer.

Después de su paso por el festival de cine de San Sebastián y el Festival de Cine Europeo de Sevilla por fin llega a nuestras salas su último trabajo Amour, en opinión del autor la más tierna de sus obras. Ganadora del máximo galardón en Cannes y la gran triunfadora de las European Film Awards se puede afirmar que es la mejor película europea del año para la gran mayoría de los críticos. Además, se acaba de llevar 5 nominaciones a los Oscar: mejor película, director, película extranjera, guión y actriz para Emmanuelle Riva. Es una cinta lenta que puede resultar excesivamente larga y aburrida, pero Haneke siempre cumple con su cometido, que es, emocionar e incomodar al espectador.

Su cine puede resultar frustrante y tedioso, pero nunca nos decepciona. Se toma su tiempo para que los sentimientos florezcan, para que el espectador tome conciencia de lo que está viendo (y sintiendo). ¿Qué es lo que nos hace humanos?, nos pregunta insistentemente ante la incredulidad y perplejidad del público. Los sentimientos tardan en florecer, y por ello su cine va haciendo mella poco a poco, sin prisa, pero sin pausa. Su cine no es apto para espectadores ansiosos y embrutecidos que desean recibir un chute de adrenalina cuanto antes. Las cosas buenas se hacen esperar. El espectador tiene que poner algo de su parte, si no es imposible. Sería un fracaso. Es como hacer el amor, los que quieran desfogarse no van a disfrutar con el cine del austríaco, porque hacer el amor es cosa de dos. Y para ello se necesita complicidad, comprensión, paciencia y querer entregarse en cuerpo y alma a la otra persona. Está claro que Brandon (el protagonista de Shame) no disfrutaría con el cine del austríaco, porque no sabe lo que es el amor. No está dispuesto a hacer ningún esfuerzo para ello. Haneke nos deleita con su buen hacer, se puede afirmar que es el mejor amante que podamos tener. Ama a la vida y ama al cine, y por eso su cine es tan sórdido y tan desconcertante.

Haneke disecciona la sociedad en la que nos ha tocado vivir con frialdad y con suma sobriedad y los sentimientos y sensaciones que genera su obra son crepusculares. En eso se parece a Antonioni. No le interesa retratar lo superficial, su cine es un canto a la vida y a la muerte. Su cine extremadamente sobrio y verdaderamente estremecedor ha logrado inquietar y desconcertar al público más exigente. Además sólo unos pocos pueden decir que han ganado la Palma de Oro en dos ocasiones. Le han proclamado rey de Francia. Gracias a Haneke el legado del cine europeo sigue vivo. Ha logrado conquistar Europa. Y el próximo mes sabremos si logra conquistar Hollywood.    

BEÑAT EIZAGIRRE INDO.-

INFINITA TRISTEZA COMO COMPAÑERA DE LOS ÚLTIMOS COMPASES DE UNA VIDA

De Funny Games a La Cinta Blanca, pasando por La pianista, Michael Haneke se había caracterizado por hacer un tipo de cine, donde la crueldad y la violencia estaban muy presentes. Con Amour, el cineasta austríaco cambia totalmente de tercio al presentar un amor en un matrimonio de profesores de música en la tercera edad que se pondrá a prueba al sufrir ella una terrible enfermedad degenerativa. 

Cabe destacar que Amour es la última Palma de Oro de Cannes, que se ha llevado 4 premios del Cine Europeo y que está nominada a los Globos de Oro y a los Bafta, siendo seguramente la rival a batir en los Oscar como mejor película extranjera.

Amour no sería lo que es gracias a la pareja de actores que la protagoniza, un Jean-Louis Trintignan y una Emmanuelle Riva que dotan a sus personajes de carne, hueso y alma, acercándolos al espectador que sufre con ellos, como si se tratara de sus abuelos, sus padres, sus tíos o algún ser querido cercano. Aunque quizás es más complicado el rol de enferma que el de cuidador, ambos dotan a sus personajes de infinita credibilidad.

Desde el dolor del padecimiento y de la degeneración, Riva dota a su enferma de gran dignidad, sin buscar la gratuita autocompasión en el espectador. Así como, Trintignan hace suyo el rol más paciente, servicial y cariñoso, cuya aceptación de la enfermedad de su esposa pasa por hacer todo lo que está en su mano sin quejarse ni tampoco resignarse.Isabelle Huppert es el tercer vértice de la historia, al representar a la hija del matrimonio que vive, desde la distancia, la progresiva degradación de su madre y cuyas reacciones no pueden ser más distintas a las de su padre.

Es admirable la manera que Haneke plantea este amor en circunstancias difíciles explicando, desde la cotidianidad del día a día, cómo puede afrontarse una enfermedad con la mayor calma y aceptación posibles. Aunque no hay estridencias en el relato, pues el ritmo es más pausado y cadencioso que una bagatela de Schubert, sí que es cierto que habrá alguna que otra sorpresa, que no conviene desvelar. El inicio y el final fundiéndose a negro y sin banda sonora nos hacen ponernos en nuestro lugar, en este réquiem del amor, la tristeza infinita va a ser la necesaria compañera de este viaje por los últimos compases de una vida.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Georges y Anne, una enfermedad les pondrá a prueba.

NOMINACIONES A LOS GOYA

Las nominaciones a los Premios Goya nos han deparado pocas sorpresas, pues las películas que han acaparado más nominaciones son Blancanives, con 18, seguida sorprendentemente por Grupo 7 con 16, Lo imposible con 14 y El artista y la modelo con 13. Nos alegramos las nominaciones de Tadeo Jones, lo que demuestra que la animación sigue con mucha fuerza y nos extraña mucho que sólo Candela Peña opte a nominación en el excelente reparto de Una pistola en cada mano. Tampoco entendemos la ausencia de Rec 3 de las nominaciones. Los Goya se estregarán el próximo 17 de febrero en una gala presentada por Eva Hache. 

MEJOR PELÍCULA: Blancanieves, El artista y la modelo, Grupo 7, Lo Imposible., 

MEJOR DIRECTOR: Pablo Berger; Fernando Trueba, Alberto Rodríguez, J.A. Bayona.

MEJOR DIRECTOR NOVEL: Paco León; Oriol Paulo; Isabel de Ocampo; Enrique Gato.

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA: Daniel Jiménez Cacho; Jean Rochefort; José Sacristán; Antonio de la Torre.

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA: Maribel Verdú; Aida Folch; Naomi Watts; Penélope Cruz.

MEJOR ACTOR DE REPARTO: José Maria Pou; Juan Villagrán; Antonio de la Torre; Ewan McGregor.

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Ángela Molina; María León; Chus Lampreave; Candela Peña.

MEJOR ACTOR REVELACIÓN: Emilio Badira; Àlex Monner; Joaquín Núñez; Tom Holland.

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN: Macarena García; Carmina Barrios; Kati Solibellas; Estefanía de los Santos.

MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA: 7 cajas; Después de Lucía; Infancia clandestinaJuan de los muertos.

MEJOR PELÍCULA EUROPEA: De óxido y hueso; En la casa; Intocable; Shame.

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: El corazón del roble; Las aventuras de Tadeo Jones; O Apostolo; The Wish Fish

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCI.ÓN: Blancanieves; El artista y la modelo; Grupo 7; Lo Imposible

MEJOR GUION ORIGINAL:Blancanieves; El artista y la modelo; Grupo 7;Lo Imposible

MEJOR GUION ADAPTADO:Fin; Invasor; Las aventuras de Tadeo Jones; Tengo ganas de ti;Todo es silencio.

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL: Contra el tiempo; Hijos de las nubes; Los mundos sutiles; Mapa.

MEJOR MÚSICA ORIGINAL: Blancanieves; Grupo 7; Las aventuras de Tadeo Jones; Lo imposible.

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL: Blancanieves; Los niños salvajes; La banda Picasso; Las aventuras de Tadeo Jones.

MEJOR FOTOGRAFÍA; Blancanieves; El artista y la modelo; Grupo 7; Lo Imposible.

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA; Blancanieves; El artista y la modelo; Grupo 7Lo Imposible.

MEJOR MONTAJE: Blancanieves; El artista y la modelo; grupo 7; Invasor;Lo imposible.

MEJOR SONIDO: El artista y la modelo; Grupo 7; Invasor; Lo imposible.

MEJORES EFECTOS ESPECIALES: Blancanieves; Grupo 7; Invasor; Lo imposible.

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO: Blancanieves; El artista y la modelo; Grupo 7;La banda Picasso.

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: Blancanieves; El artista y la modelo; Grupo 7; Lo Imposible.

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN: Aquél no era yo; La boda; Ojos que no ven; Voice over.

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN: Alfred y Ana; El vendedor de humo; La mano de Nefertiti; ¿Por qué desaparecieron los dinosaurios?

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL: A story for the Modlins; El violinista de Auschwitz; Las viudas de Ifni; Un cineasta en la Codorniz.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Blancanieves y sus enanitos.

ENTRE LA RAZÓN Y LA LOCURA, LA LIBERTAD Y LA OPRESIÓN ESTÁ LA FE

The Master, la nueva película de Paul Thomas Anderson, es una sugerente aproximación a uno de los líderes de la Cienciología, que en la película se llama Lancaster Dodd (en la realidad está inspirado en L.Ron Hubbard, fundador de la Cienciología) y a su relación con un paciente bastante perturbado, Freddie Quell (Joaquin Phoenix). Dos personajes tan enigmáticos, como crípticos y bastante primitivos en su manera de actuar.

Esta película es compleja, fascinante e hipnótica, pues en ningún momento se habla de la Cienciología de forma explícita, sinó que se refiere a ella como "La Causa". La película parte del personaje de Freddie Quell, de sus excéntricas ambigüedades, de su obsesión por el sexo, de su carácter difícil y de sus contínuas pérdidas de trabajo hasta que aparece un día en el barco de Lancaster Dodd, entablando una relación médico-paciente, Maestro-discípulo, que se convierte en el núcleo central de la trama. 

Paul Thomas Anderson parte de algunas anécdotas inspiradas en la vida de Dodd , tales como su manera de trabajar, las auditoría e hipnosis con sus pacientes llenas de preguntas, sus reuniones secretas, su afición por los barcos o por las motos, sus múltiples esposas e hijos, para construir un relato sobre la fina línea que separa la cordura de la razón, la libertad de la opresión, todo ello desde un ámbito más espiritual que racional.

Anderson, además, dota a la historia de un innegable poder visual con imágenes y situaciones que se pegan a la retina y al pensamiento del espectador con fuerza. Estos fotogramas no serían lo mismo sin la disonante e inquietante banda sonora de Jonny Greenwood de Radiohead, un complemento ideal a los múltiples recovecos del relato.

La interpretación de Philip Seymour Hoffman, de Amy Adams (que interpreta a Peggy, su esposa) y especialmente de Joaquin Phoenix están llenas de intensidad y de matices, dotando a sus personajes de gran expresividad. Phoenix, que deambula entre la lucidez y la locura, no resulta en ningún momento ridículo ni sobreactuado, sinó que ofrece un personaje multicapa muy interesante e impredecible. Un personaje que, si se hiciese justicia, debería llevar al actor a ganar su primer Oscar (tras dos intentos fallidos por Gladiator y En la cuerda floja).

La complejidad de esta obra reside en que sugiere más que muestra, que lo que se explica de forma explícita está abierto a múltiples interpretaciones, es una cinta que hay que completar, revisar y pensar, que requiere que el espectador encaje las piezas del puzle después de ver la película. Incluso la inquietud que produce pide hacer que busque bibliografía para tratar de comprender a los personajes y la historia. En definitiva, estamos ante un ejercicio de cine fascinante, que pide que el público se implique y reflexione más allá de las imágenes y de la historia que se le cuenta. 

SONIA BARROSO.-

JESSICA BIEL, MADRE CORAJE

Pascal Laugier conmocionó el subgénero de terror más extremo en 2009 con Martyrs, una vuelta de tuerca a las películas de atrocidades de base real, que fue todo un éxito en los circuitos del género, llevándose el Méliès de Oro a la mejor película fantástica europea, entre otros galardones.Su nuevo film es El hombre de las sombras, un cuento basado en el terror real, con toques de thriller psicológico y de drama familiar.

La trama es la siguiente: en un pequeño pueblo del condado de Washington comienzan a desaparecer niños pequeños. Estas misteriosas desapariciones se asocian a la Leyenda de “Tall Man”. Cuando el hijo de Julia (Jessica Biel) también desaparece, ésta decidirá tomar cartas en el asunto...

 Esta cinta supone el regreso de Biel al género de terror, después de sobresalir en la nueva Matanza de Texas (en 2003). Gracias a los esfuerzos de esta madre coraje tan luchadora la película consigue remontar el vuelo en muchos momentos. De hecho, ella es una de las razones que sustentan este thriller.

Entretenida y de buen pulso narrativo, no tiene la brillantez ni las atmósferas malsanas de su anterior trabajo, pues hay es una ejercicio más mecánico y en cierto punto, bastante previsible, a pesar de las vueltas de tuerca del guión. Los amantes del cine de Laugier, no obstante, se quedarán con sed de más, de mucho más.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: El personaje de Jessica Biel esconde más de una sorpresa.

 

ACE ATTORNEY: UNA BROMA DE MAL GUSTO

El director japonés Takashi Miike nunca deja de sorprendernos. Puede ofrecernos una obra maestra que nos deje boquiabiertos de la misma manera que puede hacernos partícipes de un espectáculo realmente lamentable. Ace Attorney (Gyakuten saiban, 2012) ha sido editado directamente en DVD después de su estreno en el festival de Sitges y después de su paso por la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián. Ace Attorney es de esas películas que junto a Yakuza Demon o Big Bang Love, Juvenile A pertenecen al segundo grupo antes mencionado. Hay algunas obras de Miike que es mejor olvidarlas cuanto antes y por desgracia ésta es una de ellas. Estamos ante una cinta totalmente prescindible.

Miike es un director verdaderamente prolífico que puede llegar a rodar hasta 5 películas en un solo año y por ello no es de extrañar que sus obras sean irregulares. Tomando como referencia este dato es lógico que nos defraude en muchas ocasiones, pero las alegrías que nos brinda tampoco tienen baladí. Su cine extraño, provocador, extremo siempre va más allá y subvierte todas las normas y convenciones que pueda haber. Miike disfruta haciéndonos ver lo fino que puede ser el límite que separa la cotidianeidad de la monstruosidad. La barbarie y la civilización son dos caras de la misma moneda y con el autor de Yao (Osaka) pasamos de un estado a otro sin que nos demos ni cuenta. Las fronteras que nos hacen sentir seguros pueden ser borrados con una sola acción y esa sensación de malestar es lo que quiere que sintamos cada vez que nos sentamos a ver alguna de sus películas. Su cine es verdaderamente desconcertante.

Su provocativo estilo resulta aterrador y a la vez cómico porque lo utiliza para remover consciencias, no sólo para entretener al público que desea un rato de diversión y jolgorio. A estas alturas de su carrera una cosa es segura: no deja indiferente a nadie. Su capacidad para asombrar al espectador no conoce límites y siempre nos tiene preparado escenas realmente increíbles y fascinantes. Las escenas dónde se tortura a algún desgraciado son simplemente brillantes. Posee una imaginación que muchos ya quisieran, y lo que es más importante no le gusta la autocensura. En la exitosa serie de terror estadounidense Masters of Horror censuraron su capítulo titulado Imprint porque aparecían fetos en ella (los puritanos no deberían ver sus películas). Está claro que nunca ha sido moderado ni recatado. La irreverencia es parte de su demencial y sugerente obra. Pero el sadismo de Miike no es gratuito, como ya he señalado antes su objetivo es mostrar la violencia y el sin sentido que padece la sociedad actual. Quiere hacernos reflexionar sobre las acciones más delirantes que puede llevar a cabo una persona cualquiera.

Ace Attorney es una cinta ridícula, que no logra despertar el interés del espectador, y que no tiene la rigurosidad que debería tener dada sus características. Además, carece de seriedad alguna. Se trata de una patochada que no merece ni la más mínima atención. Se trata de un drama judicial que se basa en un videojuego desarrollado por la empresa japonesa Capcom (la misma que está detrás del proyecto) y parece que Miike quiere denunciar el espectáculo y el circo que se han convertido los juzgados. Pero el resultado no es nada convincente, al contrario, resulta inverosímil y bochornoso. Es realmente patético. Parece que estamos observando los sucesos de un patio de colegio; la gente habla cuando quiere y hace lo que le da la gana.

Al parecer los guionistas se permiten todo tipo de licencias con tal de no trabajar. La historia que se nos cuenta carece de toda trascendencia y de emoción, no logra enganchar al espectador, ni siquiera consigue suscitar ningún tipo de interés. No es una cinta seria, puesto que, parece que no hay reglas que valgan. Que todo está permitido. Las pruebas que son fundamentales para incriminar al acusado o para desestimar lo ya dicho no tienen ningún fundamento, y parece que todo esté justificado. Sacan las pruebas de la manga si se tratara de un truco de magia, y eso no le aporta nada. La verosimilitud del relato acaba resintiéndose de mala manera. No resulta creíble y por ello la cinta se convierte en una broma de mal gusto. Con juicios como los que podemos ver en Ace Attorney, no habría ningún asesino en la calle. Una película decepcionante.        

BEÑAT EIZAGIRRE INDO.-

Pie de foto: Dos protagonistas de videojuego para una cinta prescindible.

LAS CHICAS PIDEN GUERRA

Despedida de soltera, de la guionista y directora Leslye Headland, es la enésima vuelta de tuerca a la rom-com gamberra, consagrada con Resacón en Las Vegas y en Tailandia (en su versión masculina) y con La boda de mi mejor amiga (en su versión femenina). 

La fórmula es sencilla: un grupo de amigas de la novia, cada una con sus peculiaridades se reúne antes de la boda de una de ellas para celebrarlo por todo lo alto, pero está celebración se les va de las manos perjudicando a la novia y a todos los que se cruzan en su camino.

En este caso, las féminas están capitaneadas por Kirsten Dunst e Isla Fischer, que encabezan un reparto formado por "la novia", interpretada por Rebel Wilson (ya presente en otras películas del subgénero como Una boda de muerte y La boda de mi mejor amigo); Lizzy Caplan y Paul Corning, entre otros.

Así pues, en esta ocasión la cinta no es tan divertida y gamberra como sus ilustres predecesoras, pues uno sabe de antemano lo que va a ocurrir y los gags no son tan pasados de vueltas como para producir carcajadas contínuas en el espectador. En definitiva, una comedia romántica con toques gamberros y escatológicos que contentará a los fans de la nueva rom-com americana actual, pero que no aporta nada nuevo a este subgénero, fácil y entretenida de ver, pero poco más.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Las tres amigas de la novia han de deshacer lo que han hecho.

A LA CAZA Y CAPTURA DEL ENEMIGO PÚBLICO NÚMERO 1

Kathryn Bigelow es una directora que se ha caracterizado por un tipo de cine "masculino", con mucha acción y con un gran pulso narrativo. La realizadora ya nos sorprendió gratamente con Le llaman Bodhi, Días Extraños y sobre todo, con esa radiografía de los militares desactiva-explosivos que era En Tierra Hostil (que consiguíó 4 Oscars en 2009, entre ellos mejor película y directora). 

En esta ocasión vuelve a "en tierra hostil"  junto a su guionista, Mark Boal,para retratar la obsesión de Maya, una implacable agente de la CIA, interpretada por Jessica Chastain, por dar caza al terrorista más buscado del planeta: Osama Bin Laden. La película se estructura en tres partes. En la primera conocemos los métodos expeditivos de interrogatorios y tortura de prisioneros implicados en el 11-S; en la segunda comienza toda la investigación por parte de la CIA de búsqueda de los enlaces de Bin Laden (sus correos de confianza) para llegar hasta éste, mientras que la tercera (y mucho más trepidante e interesante) se centra en la caza y captura de Laden (con asalto militar a la casa donde se hayaba escondido en Pakistán). 

La película se focaliza en la lucha sin tregua de Maya, una agente de la CIA que existió en la realidad, pero de la que apenas se conoce nada aparte de su búsqueda obsesiva de Bin Laden, pues se encuentra protegida por el gobierno estadounidense. Esta mujer, Maya, apodada "la fiera" fue el cerebro de una exhaustiva investigación para localizar el paradero del enemigo número uno de los EEUU y del mundo occidental. Su obsesión por su trabajo, es decir, según ella "por su misión y su única razón de seguir aún viva" le llevó a desplegar una exhaustiva investigación y cerco a Bin Laden que se extendió durante una década. 

Así pues, la cinta va de menos a más, implicándose el espectador cada vez más en la lucha de Maya que, por ende, fue la lucha de toda la civilización occidental para volver a restablecer la paz y la seguridad perdidas el 11-S. No obstante, la película no es un panfleto patriótico, ni las escenas de torturas son tan escabrosas como para taparse los ojos, sinó que es una muestra de cine político que acaba a ritmo de thriller trepidante, resuelto con la maestría a la que Bigelow ya nos tiene acostumbrados. 

Con 4 nominaciones a los Globos de Oro, entre los que se encuentran película, directora y actriz protagonista, la película se ha llevado numerosos premios de las asociaciones de críticos estadounidenses y es clara favorita de cara los Oscar. En EEUU ha sido acogida de forma entusiasta colocándose número 1 en su estreno. Así pues, un thriller político-militar con fondo.

SONIA BARROSO.-

JEAN VALJEAN ENTRE EL PENTAGRAMA

Hoy en día sigue siendo complicado adaptar al cine Los miserables, de Víctor Hugo porque para llegar al corazón del espectador con esta historia hace falta sentir los personajes muy de cerca, a un paso de nosotros; lo complicado es cómo contar algo al público que sea nuevo y fresco de una historia por todos ya conocida. Esta novedosa versión que ahora está en cartelera Los miserables, de Tom Hooper, adaptación del musical estrenado en la década de los 80 del siglo pasado, del compositor Claude-Michel Schönberg, nos quiere enseñar hasta donde puede llegar a modernizarse este clásico para llegar a un público de todas las edades.

Esta revisión se ha valido para llenar las salas de cine de actores reconocidos en todo el mundo como Hugh Jackman en el papel del eterno Jean Valjean, héroe de está terrible película que tiene pequeños destellos de luminosidad y de alegría visual, pese a no ser igual de trepidante que el libro…Tiene su espíritu, que se deja impregnar en todos y cada uno de sus personajes, así pues, en las dos horas y media de proyección vemos todos los sentimientos que flotan en el ambiente con las melodías, lo que hace un poco más cercano el filme.

Aunque está obra no es perfecta como la literaria porque se comen varios sucesos del libro y las canciones al final agotan un poco, es una lectura interesante ya que es una aproximación a la época de la revolución francesa muy inspirada estéticamente en las pinturas de aquel momento histórico. Los actores están creíbles en sus papeles dentro de un ambiente de absoluta miseria que la película refleja perfectamente, especialmente Anne Hathaway como Fantine, Eddie Redmayne como Marius y Samantha Barks como Éponine.

El ritmo del hilo argumental se encuentra en la persecución del policía Javert interpretado por Russell Crowe, que persigue obsesionadamente y durante años al protagonista de Los miserables, dando pie a un estudio muy observador de protagonista y antagonista que no se pierde nunca en la narración y que hace pensar sobre la libertad, la obsesión, la injusticia, etc. tan presente en nuestra sociedad.

Toda la crudeza está viva en está epopeya sobre un siglo que ya empieza estar un poco lejos, pero es algo curioso porque aunque sea lejano hay temas actuales que se pueden compararse con nuestra Era.Por esa razón Los miserables llama siempre la atención, tanto del gran público como de los artistas en general que recurren a ella cuando quieren contar algo referente a la miseria del ser humano.

Tal vez está narración esté algo trillada, pero siempre se puede sacar algo más de jugo vitamínico de sus inolvidables personajes, que se hacen más grandes con el paso de los capítulos y las narraciones fílmicas.

La versión actual es un acercamiento muy próximo a la obra de Víctor Hugo y es interesante conocer lo que pasa ahora en nuestro mundo con una historia basada en el siglo de las revoluciones y la Ilustración. Éste puede ser el objetivo alcanzado de esta película, donde la realidad está muy presente y donde se puede ver reflejado el público en lo que sienten sus personajes.

Los miserables de Tom Hooper puede significar para el cine una revolución estética y para el mundo, esta madura recreación de la vida de Jean Valjean, puede guiarnos a ser un poco más solidarios dentro de la crisis que aún tenemos el reto de superar.

JORGE GIRBAU BUSTOS.-

Pie de foto: Jean Valjean, benefactor de la desdichada Fantine.