DESPERTAR SEXUAL Y AFECTIVO

Las sesiones, de Ben Lewin, guarda algunas similitudes temáticas por lo que se refiere en cómo vivir con una discapacidad con Intocable, de Eric Toledano y Olivier Nakache y de la reciente Hasta la vista, de Geoffrey Enthoven, aunque va más allá. La historia real de Mark O´Brien, un poeta y escritor con la polio, que vivió hasta los 49 años, la mayor parte de su tiempo dentro de un pulmón de acero, no sería apreciable sin una peculiaridad. Decidió tomar lecciones para hacer el amor por parte de una terapeuta sexual, un oficio hasta ahora totalmente desconocido para la gran mayoría de público.

Pero si nos pensamos que Las Sesiones es un drama sobre el día a día de este discapacitado y sobre su inducido despertar sexual,estamos muy equivocados. Sí que es cierto que la película se centra en su núcleo central en la relación que estableció con Cheryl, su terapeuta. No obstante, también conocemos otros aspectos de su personalidad: como su afición a la poesía, su sentimiento religioso -que le lleva a tener un gran sentido de la culpa, debida a su formación católica- en las conversaciones con el padre Brendan y la búsqueda del amor, más allá de sus limitaciones físicas.

El gran acierto de esta película es su reparto, especialmente su pareja protagonista (ambos nominados a los Globos de Oro): John Hawkes da en el clavo a la hora de interpretar la polifacética personalidad de O´Brien, mientras que Helen Hunt está espléndida como Cheryl -suya es una de las escenas más conmovedoras del relato-. Así pues, Hawkes y Hunt hacen creíbles sus roles en los que se desnudan física y emocionalmente sin ningún tipo de complejo. Tampoco se queda atrás William H. Macy, como sacerdote, en el papel que introduce algunas de las conversaciones más divertidas e hilarantes de la función.

Las sesiones gustará por su original tratamiento de la sexualidad en los discapacitados y por acercarnos una profesión desconocida: la de los terapeutas sexuales, así como por el humor que impregna el personaje de Hawkes, que se toma con filosofía su descapacidad. No obstante, algunas decisiones de guión son poco arriesgadas, es decir, que se repiten varias veces y de modo muy similar algunos momentos del relato. A pesar de ello, Las sesiones es una película que, en sólo hora y media, induce a la reflexión, a la vez que es disfrutable y conmovedora. ¿Se le podía pedir más?

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Mark y Cheryl en plena sesión.

ACTUACIONES PARA EL RECUERDO

Héroes o villanos, ángeles o demonios, víctimas o verdugos, sean como sean hay un puñado de buenos actores y actrices que nos han cautivado este 2012. Si empezamos la semana con las 10 pelis más recordadas del año y seguimos ayer con nuestro Top 5 musical en Facebook, hoy acabamos los resumenes del año con los actores/actrices que para nosotros han supuesto una revelación, sean o no noveles en el arte de la interpretación. Con ellos hemos disfrutado, nos hemos emocionado o, simplemente, su actuación nos ha llegado.

Tom Hardy: Después de aparecer en El Topo como un espía escondido y enamorado, Hardy se ha enfrentado al reto de hacernos olvidar al gran villano que fue el Joker en The Dark Knight. En TDKR, Hardy -habitual del cine de Nolan- dota a su malvado Bane de una personalidad llena de matices y recovecos oscuros. Ya tenemos ganas de verle en Lawless, de John Hillcoat junto a Shia LaBeouf y Jessica Chastain.

Rooney Mara: En La Red Social dio la réplica en una memorable escena de pareja a Jesse Eisemberg, pero no fue hasta Millenium, de David Fincher, en el a que la hacker intensamente interpretada por Noomi Rapace en la trilogía homóloga sueca le salió una competidora igual de salvajemete despiadada y vulnerable al mismo tiempo.Se mereció la nominación al Oscar. Ahora está rodando junto a Terrence Malick con un cast que quita el hipo: Natalie Portman, Ryan Gosling y Michael Fassbender.

Tom Holland: Se sacó las zapatillas de ballet del musical de Billy Elliot para hacer una de las interpretaciones más emotivas a la vez que esperanzadoras del año: la de Lucas, el hijo mayor de María Belón en Lo imposible. La relación madre e hijo con Naomi Watts es tan creíble y real que parece traspasar la pantalla. Le veremos en How I live now, de Kevin McDonald junto a Saoirse Ronin.

Macarena García: Habitual en series de televisión como Amar en tiempos revueltos o Luna, el misterio de Caléndula la joven actriz dio el salto al cine por la puerta grande: su Carmen, joven torera con una historia marcada por la tragedia, es de lo mejor de Blancanieves, de Pablo Berger. Por ello, recogió merecidamente la Concha de Plata a la mejor actriz en San Sebastián y el elogio de crítica y público.

Ernst Umhauer: Inolvidable Claude, magnífico tête-à-tête, profesor-alumno con Fabrice Luchini, este joven germano-francés nos regaló una intensa y matizada interpretación en Dans la maison, apoyada por una mirada tan vouyeur como perversamente magnética en la obra magna de François Ozon.

Kara Hayward: ¿Qué clase de pájaro eres tú? Uno de enamorado y decidido, la Suzy, de Moonrise Kingdom, en su debut en el cine formando una de las parejas más extrañas y encantadoras junto a Jared Gilman. La veremos en un cambio de registro en The Sisterhood of night, de Caryn Waechter. 

Aniello Arena: Este convicto condenado a cadena perpetua por ser un sicario de la camorra napolitana nos regala una de las interpretaciones más sorprendentes del año: Luciano, el pescatero de Reality, de Matteo Garrone, un hombre con sueña obsesivamente en ser tan famoso como los que salen en Gran Hermano.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Tom Holland, su interpretación en Lo imposible nos sobrecogió.

Nota: Sólo incluimos actores que aparecen en películas estrenadas hasta el 14 de diciembre de 2012.

HAY BELLEZA Y AMOR TRAS LA ENFERMEDAD

Amor es todo lo que necesitas es la nueva película de Susanne Bier, que supone un giro hacia la comedia más luminosa de la directora danesa de Hermanos, Después de la boda y En un mundo mejor. En esta ocasión nos cuenta la historia de Ida (Trine Dyrholm, quien ya protagonizó Después de la boda), una mujer con cáncer y en proceso de quimioterapia que es engañada por su marido quien ha de viajar a Italia para asistir a la boda de su hija. En este viaje conocerá a Philip (Pierce Brosnan), su futuro consuegro, un atractivo hombre de negocios de carácter un tanto hosco y solitario, que aún no ha superado la pérdida de su esposa. 

Aunque la película se acerca a la comedia de situación, con momentos realmente muy vodevilescos (el descubrimiento del engaño marital, los distintos personajes y situaciones antes y durante la boda) y es mucho más luminosa y optimista que trabajos anteriors de Bier, también es un drama. El drama personal de una mujer que lucha con todas sus fuerzas por superar un cáncer, con miedo a la recaída y a no sentirse amada ni reconocida a causa de su enfermedad y el drama de un hombre refugiado única y exclusivamente en su trabajo. quien pensaba que toda su vida afectiva había terminado. En este sentido, la película contrapone estos dos seres dolidos quienes, en el fondo no son tan diferentes, pero que de carácter y de manera de afrontar las ciurcunstancias adversas de la vida, no pueden ser más opuestos.

La bella, cálida, alegre y luminosa Italia, en este caso representada por los idílicos paisajes de Sorrento (costa Amalfitana) al ritmo del romántico tema musical"That´s amore", de Dean Martin, se convierten en el perfecto telón de fondo donde sucede la mayor parte de la acción y donde los personajes se relacionan, ríen, se enamoran y, como no, también sufren.

Aunque pueda tener puntos en contacto con Mamma Mía, de Phyllida Lloyd, Bier acierta más a la hora de construir una historia y unos personajes muy humanos quienes, por encima de todo, luchan para salir adelante. Además, esa bella historia de amor que nos cuenta hace que todas las mujeres que tiene o han tenido cáncer puedan pensar que aún se puede ser bonita y deseable, a pesar de la enfermedad, lo que hace que la película sea muy recomendable. Así pues, estamos ante una comedia dramática alegre y vitalista mucho más disfrutable de lo que el "azucarado" título nos parece. Que este título no os induzca a confusión: vale la pena, y mucho.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Ida y Philip, dos consuegros que comienzan con mal pie...

TAKESHI KITANO HA VUELTO

En octubre se estrenó en las salas españolas Outrage (2010) de Takeshi Kitano, a la vez que se estrenaba Outrage Beyond (2012) en el festival de Sitges después de su paso por Venecia. Pero por desgracia como pasa con tantas películas no llegó a estrenarse en ciudades como San Sebastián y gracias al cineclub Kresala hemos podido disfrutar de la última película del aclamado director sin demasiada demora. Kitano ha sido el director japonés más laureado de los últimos tiempos, pero aunque sus últimas películas se hayan estrenado en Cannes o Venecia en España le perdimos la pista hace ya tiempo. Zatoichi (2003) la sangrienta historia del samurái ciego fue un gran éxito comercial, pero después de eso empezó a experimentar en la línea de su admirado Fellini y su Ocho y medio (1963) y las distribuidoras españolas le dieron la espalda.

De un día para otro había desaparecido del mapa sin dejar rastro. Desde entonces los seguidores de Kitano han tenido que refugiarse en los cineclubs. Aquiles y la tortuga (2008) ni siquiera llegó a estrenarse en nuestro país. Takeshi Kitano ha vuelto, pero está claro que Outrage no ha tenido mucha repercusión. Ha pasado sin pena ni gloria por las carteleras y mucha gente ni siquiera se ha enterado del gran acontecimiento.

OUTRAGE

Takeshi Kitano ha vuelto al género que lo encumbró, y lo ha hecho con una película dura. Algunas escenas son demasiado explícitas y pueden resultar desagradables para muchos espectadores, pero está claro que ha querido mostrar la guerra entre las diferentes familias del mismo clan sin ningún tipo de tapujos. La violencia no tiene fin. No se trata de una violencia estilizada, lo muestra con toda su contundencia y sequedad. Algunos críticos le han reprochado que sea demasiado gratuita, pero no estoy de acuerdo con tal afirmación. Es una película que quiere contar una historia lo más realista posible.

Podemos imaginar que el autor ya se ha hartado de experimentar y jugar con las formas, ya que, se trata de una cinta de corte clásico. Eso significa que el espectador ya sabe a qué atenerse; domina la lógica de la causalidad en todo momento y la violencia sirve de nexo de unión entre las diferentes secuencias. Toda acción tiene sus consecuencias, y por ello, las acciones se suceden detrás de otra. Además las conversaciones de los protagonistas nos informan de lo que pueda pasar a continuación. Es como el efecto domino, después del primer enfrentamiento todo va rodado. Todo sucede como lo previsto. Van cayendo como moscas, pero la intriga no cae ni un ápice, ya que, los amigos y los enemigos se confunden con demasiada facilidad.

En la tradición clásica siempre se nos informa de lo que pasará a continuación, así el espectador ya tiene expectativas y se plantea diferentes hipótesis. Por poner un ejemplo, Ikemoto le pide a su subordinado Otomo (interpretado por Beat Takeshi) que se deshaga de su hermano Murase y a continuación vemos al pistolero llevar a cabo la misión que le ha sido asignado en la escena anterior. Después de escuchar la orden dada por Ikemoto la única duda que puede albergar el espectador es cómo de violenta será la muerte de Murase. Sin embargo, aunque sea una cinta clásica logra mantener el interés a lo largo del film y no sólo eso, sino que también habrá sorpresas y giros inesperados.

GÉNERO DE YAKUZAS

No se puede comparar con sus películas más famosas como son Sonatine y Hana-bi. No es nada poético ni hay sitio para la comedia. Además Kitano siempre le ha dado relevancia a las esperas y a los tiempos muertos, pero Outrage es una propuesta diferente. Se parece más a Violent Cop (su primera película rodada en 1989) o a la exitosa Zatoichi. Por otro lado, en aquellas películas los yakuza hacían más cosas a parte de matarse a unos a otros, también había sitio para el amor y la ternura. Había escenas realmente bellas que detenían el desenfreno de la muerte para regalarnos un momento de alegría y regocijo. Nos regalaba amor entre estallidos de violencia. Y la diversión era una parte indisociable en esas películas protagonizadas siempre por yakuzas.

En El verano de Kikujiro, por ejemplo, el yakuza se hacía cargo de un niño y ofrecía unas escenas verdaderamente entrañables e inolvidables. Kitano quería mostrar la humanidad del mafioso. Pero Outrage no tiene ninguna otra pretensión que no sea la de ofrecer acción y violencia a raudales. Eso es lo único que quiere ofrecer, así que, es mejor aceptarlo cuanto antes si se quiere disfrutar del visionado.

En Cannes no gustó demasiado, pero a Kitano le trae sin cuidado, puesto que, va a seguir haciendo lo que él desea.Y ya sabemos que después de Outrage viene Outrage Beyond. Resumiendo, se trata de una película dura y violenta, donde las diferentes familias intentarán hacerse con el poder.Y la violencia genera más violencia. Así de simple. Los que no han podido verla podrán adquirirla en dvd a partir de hoy 19 de diciembre.

BEÑAT EIZAGIRRE INDO.-

EL NUEVO THRILLER PSICOLÓGICO ESPAÑOL

Como viene siendo habitual estos últimos años, el Festival de Sitges se ha inauguró con una película de producción catalana. Si hace dos años fue Los ojos de Julia, de Guillem Morales -también con Belén Rueda de protagonista- y el año pasado con Eva, de Kike Maíllo, este año ha sido el turno de otra ópera prima, en este caso de Oriol Paolo: El cuerpo.

Rodada en buena parte en el Hospital del Tórax de Terrassa, la película, a ritmo de thriller psicológico, proporciona algunos giros de guión interesantes, flashbacks que resultan muy prescindibles -incluso Belén Rueda está un tanto exagerada y ridícula en algunos momentos- y un final sorpresa que no está mal.

Las interpretaciones de Hugo Silva, Aura Garrido y José Coronado son otro de los alicientes de este film de suspense psicológico. Para ser una ópera prima se deja ver, pero le falta la intensidad y la intriga necesarias para sustentar la trama que sí que lo hace gracias a algunas secuencias de atmósfera que están bien construidas y, sobre todo, a la buena labor de su reparto.

No obstante, no tiene la construcción psicológica de una película de Bayona, ni de los hermanos Pastor, sinó que quiere acercarse a la manera de tratar las historias de Hollywood y ello le hace perder personalidad. Paolo debería haber dejado un sello más propio y reconocible. A pesar de ello, es un producto de suspense digno, que entretiene y que proporciona un final que bien compensa algunas de sus carencias. Recomendables para amantes del nuevo thriller psocológico español.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Belén Rueda y Hugo Silva, en la salud y en la enfermedad, hasta que la muerte les separe.

BRILLANTES REPARTOS, CÁIDA DE HÉROES Y DECADENCIA DE VALORES

Acabamos un año cinematográfico en el que han brillado grandes repartos, donde los héroes se han visto amenazos por temibles villanos y los antihéroes han pululado buscando su lugar en una sociedad en decadencia. Como ya es tradición, hemos confeccionado una lista con las que, para nosotros, han sido las películas más recordadas o que, por un motivo u otro nos han dejado más poso o las que aún debatimos...Creemos que es lo mejor de 2012, ya que presentan puntos de interés que queremos compartir con tod@s vosotros.  

Dans la maison: La flamante Concha de Oro y premio al mejor guión en el festival de San Sebastián nos ha cautivado por su inteligente narrativa y porque en una misma película se habla de cine, teatro, arte y literatura. En definitiva, sobre la vida. François Ozon, se ha convertido en un narrador selecto, intrigante y seductor. Un director imprescindible para una película tan sugerente como magnética. 

Los descendientes: El eclectismo de la filmografía de Alexander Payne eclosiona en esta obra mayor: Un canto a la vida, desde el patetismo de una pareja en crisis y de una familia que se tendrá que unir ante las circunstancias adversas.Y a pesar de que con esta historia podría ser un soporífero telefilm de sobremesa, Payne le da la vuelta, y de qué modo, con la ayuda de un gran Clooney y de un inspirado reparto en general.

Holy Motors: La película más sensorial y, a la vez, más misteriosa de año por sus múltiples interpretaciones. Encumbrada como mejor película en el Festival de Sitges (porque en Cannes no se atrevieron a premiarla). Las múltiples vidas de Monsieur Oscar, gracias a Léos Carax, son las vidas que problamente no vivamos ni nos atrevamos a vivir. 

Moonrise Kingdom: Transportados por la bella canción Le temps de l’amour de Françoise Hardy, esta melancólica historia de amor preadolescente y explicada de modo tan particular por Wes Anderson, nos conduce a aquellos maravillosos veranos de la infancia y a la magia del primer amor.

El capital:Nunca la realidad financiera del S.XXI se ha visto tan bien reflejada como en este trepidante thriller de Costa Gavras. Hace comprensible a los ajenos la economía de cátedra y los conceptos financieros y, por otra parte, enseña que todos somos humanos y a veces más ambiciosos de lo que deberíamos.

Lo imposible: El fenómeno español del año es esta película donde la emoción está tan a flor de piel que tienes que ser verdaderamente insensible para no salir en estado de shock, como si hubieses sido golpeado, damnificado por el tsunami desde las entrañas hasta el corazón.Bayona demuestra un gran talento a la vez que Naomi Watts,Tom Holland e Ewan McGregor conmueven a la platea (y de qué modo).

Argo:Es la reconfirmación que Ben Affleck es mucho mejor director que actor. Después de salir de su lumpeniano Boston natal, el bueno de Affleck recrea una historia real con gran pulso narrativo y toques de comedia que encierran una velada crítica al stablishment de Hollywood. Y si no gusta...Argo, fuck yourself!

Mátalos suavemente: Andrew Dominick fusiona Quentin Tarantino con Guy Ritchie para facturar un thriller con unos personajes cuya moral corrompida reflejan la decadencia actual de los valores de occidente. La estética es tan cool como su protagonista, un sicario encarnado por Brad Pitt a la antigua usanza, es decir, que mata sin despeinarse mientras el mundo se hunda a su alrededor. 

The Dark Knight Rises: La trilogía del Batman de Christopher Nolan llega a su culminación con la tercera parte, un ejemplo de película de casi tres horas sin aburrir, combinando intimismo y espectáculo, reflexión y acción. El descubrimiento de que Tom Hardy es un gran villano y que se podrían hacer dos spin-off de los personajes de Anne Hathaway y Joseph Gordon-Levitt. Para nosotros, sin dudarlo, el mejor blockbuster del año.

Los mercenarios II: Para aquellos que dicen que cualquier tiempo pasado fue mejor, es que no han visto la última de Stallone y Cía. Haciendo lo que mejor saben, entretener al público sin complicaciones de ningún tipo. Porque no siempre que entramos en la sala de cine queremos que se nos haga replantear la existencia ni contarnos convulsos dramas. Esperamos más entregas.

SONIA BARROSO Y DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: Fabrice Luchini-Ernst Umhauer, inquietante tête-à-tête en Dans la maison, de François Ozon.

UN VIAJE ESPERADO

Si hace nueve años, en 2003, los fans de la trilogía de El señor de los anillos, de Peter Jackson nos despedimos con tristeza y lágrimas en los ojos, pensando que todo había terminado, tras casi 10 horas de uno de los viajes fantásticos más maravillosos, épicos e increibles que podíamos haber soñado, ahora estamos de enhorabuena. Hoy se estrena El Hobbit, la primera de las tres partes sobre el libro-epílogo de J.R.R.Tolkien, un libro cuya acción se sitúa 60 años antes que El señor de los anillos y que se convirtió para muchos de nosotros en una lectura de verano durante la adolescencia.

Cuando de una película se tienen expectativas tan altas, si no se cumplen, pueden desmontar todas las ilusiones previamente concebidas. No diré que es lo que me ha pasado con El Hobbit, pero realmente no tal y es cómo me esperaba, o como mínimo, fantaseaba con algo tan grande y tan especial, que no me lo ha parecido. Ahora voy a daros mis razones.

La película va claramente de menos a más, como sucedía en la primera de la trilogía:La comunidad del anillo, donde la primera parte de la historia es claramente un epílogo y descripción de personajes, en El Hobbit se nos introduce a Bilbo Bolsón (tío de Frodo), así como su primer encuentro con Galdalf y con trece enanos sin reino y sin hogar capitaneados por Thorin. Estamos ante la parte más pueril, aburrida y lenta de la historia. La trama se comienza a animar cuando emprenden ese "viaje inesperado" que es el subtítulo de la primera parte.

Aunque la fiesta para los fans de la trilogía comienza con la aparición de personajes de aquellas tres películas: los elfos Elrond y Galadriel (que nos regala uno de los momentos más hermosos y de las conversaciones más emotivas con Gandalf), así como la aparición de Gollum -que nos parece mucho más siniestro que anteriomente-. La secuencia de Bilbo, Gollum y sus acertijos es una de los momentos cumbre de la película que entronca directamente con la trilogía de manera muy acertada, a Bilbo le ocurrió lo mismo que a Frodo, y no digamos más...

Hablando de Bilbo y de Gollum, Martin Freeman es todo un acierto, así como la aparición de Andy Serkis quien le da una entidad increíble a Gollum, de nuevo. En cambio, nos quedamos con las ganas de un héroe tan carismático como lo era Aragorn, pues ni Thorin ni los enanos serán tan recordados ni aclamados por los fans. 

Otro de los puntos fuertes es que la estética de la cinta se beneficia del influjo de Guillermo del Toro, quien en principio iba a ser el director de El Hobbit. Su imaginería fantástica está muy presente, sobre todo en esos orcos que parecen sacados de El laberinto del fauno. A pesar de ello, Peter Jackson no renuncia a dejar su huella visual en todos y cada uno de los fotogramas. El principal problema es que, al competir contra sí mismo y su magna trilogía, topa contra un muro: quiere hacerlo tan bonito, tan espectacular como antes, pero es incapaz de superarse a sí mismo, de aportar algo nuevo, de ir aún más allá. Todo suena a dejà vu. El 3D no ayuda en absoluto a mejorar la historia, es más, quizás es un elemento que juegue en contra y todo. En cambio, la potente partitura de Howard Shore refuerza y de qué modo la evolución de la trama. El tema Over the misty mountains cold es uno de los momentos más emblemáticos y emocionantes de la película.

Así pues, a pesar de nuestros contras, no significa que no sea una cinta disfrutable y entretenida, sobre todo cuando la aventura se vuelve épica, la película se pone intensa. Seguramente contentará a los fans de El señor de los anillos, pero el que se haya quedado con ganas de un espectáculo mucho más redondo e innovador, no va a encontrarlo. No obstante, estamos esperando a la segunda y tercera parte de la nueva trilogía (previstas para diciembre de 2013 y diciembre de 2014, respectivamente) para ver si nos enganchamos como deseábamos. 

SONIA BARROSO.-

CAMINANDO POR LA TIERRA MEDIA

A principios de este siglo, el planeta entero conoció una trilogía en imágenes que hoy ya están en la memoria del cine de aventuras... Aunque El Señor de los anillos no nació como una trilogía de películas fue primero un universo de novelas escritas por el filólogo J. R. R. Tolkien, en la década de los 50 del siglo pasado, queriendo realizar un fresco fantástico sobre la Segunda Guerra Mundial y el nazismo. En ellas se distingue perfectamente el motivo por el que empezó la contienda y también se puede leer entre líneas cual es el pensamiento de la ideología nazi.

Entre 2001 y 2003 el director de cine neozelandés Peter Jackson estreno su colosal El Señor de los anillos y devolvió al mundo está mítica historia y a sus personajes; así fue como surgió el discurso cinematográfico más grande de lo que llevamos de siglo; Peter Jackson no sólo quería hacer algo de ciencia-ficción sino que él utilizó los textos de Tolkien para estar más cerca de la actualidad… Pero, fue además medio visionario porque sin darse cuenta se adelantó a los acontecimientos: En esos años el mundo cayó en una espiral de miedo y de violencia que aún hoy en día sigue latente.

Situándonos en la trilogía cinematográfica, que es la que voy a analizar, lo primero que vemos es que es un fresco argumental (presentación, nudo y desenlace) ¡algo clásico! pero la innovación fue la manera de introducir este hilo argumental dentro de su obra, así la primera película: La comunidad del anillo, (2001) es la presentación, Las dos torres, (2002) es el nudo y la última, El retorno del rey (2003) es el desenlace.

La comunidad del anillo tal vez fue la más difícil de hacer de toda la trilogía porque el público no estaba acostumbrado a ese Nuevo Mundo cinematográfico; ahí nos encontramos con las tremendas dudas de su personaje principal el hobbit Frodo Bolsón, quien se tiene que internar en un largo viaje lleno de peligros y de trampas lo cuál, visto desde un plano de vista psicológico, puede ser un camino interior hacia lo desconocido. En está primera película nos presentan a los personajes que van a poblar la vida en la Tierra Media y la angustia del planeta entero durante nuestros primeros pasos en el siglo XXI porque el influjo de esta epopeya fantástica fue en paralelo a la caída en picado del orden mundial dando paso a una Nueva Era de pánico y horror.

A Las dos torres, segunda parte de la trilogía, casi le cambian su título por los atentados del 11-S, pero al final tuvieron cordura lo respetaron el original; en ella nos adentramos en el nudo de la obra. Sus protagonistas están muy definidos y son reconocibles para el espectador porque ya formaban parte de la memoria colectiva. Tiene un ritmo trepidante que no nos deja movernos de la butaca del cine, también tengo que destacar su brillante fotografía y su acierto en la unión con la primera parte. Pero está película fue mucho más que una continuación, en ella respiramos el conflicto universal entre dos formas de pensar para gobernar, es una comparación del conflicto cristiano contra el mundo musulmán que empezaba a golpear con fuerza en esos años, y puede que una vuelta al régimen dictatorial del nazismo porque desde aquel 11S nuestra tierra se vio en un auténtico peligro de otra Guerra Mundial y eso lo supo reflejar muy bien su director.

Y se cierra está trilogía emotivamente con El retorno del Rey tal vez la película más reconocida y premiada de la saga donde los personajes se despiden con un final entre triste y feliz, pero la misión ya se ha cumplido y después de este adiós toca vivir recordando a los habitantes de esa Tierra Media.En está tercera entrega se termina de ver la metáfora comparativa a la que llega El Señor de los anillos, pero ésta no es sólo de un conflicto bélico, sinó que se puede extender a todos y cada uno de los conflictos que han pasado a lo largo de la Historia y que seguramente pasarán porque el anillo de poder llegará a corromper a la gente.

Después de nueve largos años el director Peter Jackson se ha atrevido ha contarnos la vida de otro hobbit llamado Bilbo Bolsón y ha rodado una nueva trilogía que se desarrolla en la Tierra Media, y que sucede 60 años antes de lo relatado en El Señor de los anillos, titulada: El hobbit. Será interesante volver a enlazar, (presentación, nudo y desenlace), con las historias de esas criaturas diminutas en busca siempre de una felicidad que parece muy lejana de conseguir porque la corrupción no se escapa de la Tierra Media ni de este mundo real.

JORGE GIRBAU BUSTOS.-

 

 

DRAMA SOBRE LA GUERRA CIVIL Y EXTRATERRESTRES

El bosc, de Oscar Aibar, basado en la novela de Albert Sánchez-Piñol (La pell freda) se presentó en la Sección Oficial de Sitges 2012, donde tuvo una buena acogida. La película, que fusiona el drama sobre la guerra civil con las cintas de extraterrestres y otras dimensiones, está rodada en catalán en un dialecto de la zona de Matarraña (Bajo Aragón). 

La trama es la siguiente: Ramón (Álex Brendemühl) y su familia viven en una masia del Matarraña, donde esconden un secreto, su pequeño bosque es en realidad la puerta de entrada a una nueva dimensión. Cuando estalla la Guerra Civil, Ramón decide huir de los anarquistas por esta puerta y comenzar a vivir entre dos realidades paralelas.  

La película, aparte de tener referencias a la época de la Guerra Civil, es una sabia combinación de drama personal y thriller con elementos fantásticos, tal y como ocurría en otras cintas de género en las que El bosc se inspira, tales como El espinazo del diablo, de Guillermo del Toro o Señales, de Night Shymalan.

La historia va de más a menos, aunque en todo momento, gracias al buen hacer de sus actores (Álex Brendemühl, Maria Molins, Pere Ponce) y de su historia que parte de la anécdota real e histórica para introducirnos en un relato de corte fantástico, se sigue con bastante interés. Quizás la aparición del extraterrestre, el Sr. Besugot, es técnicamente hablando, lo menos impecable, pero sí lo más curioso.

Así pues, es una propuesta que gustará a todos aquellos amantes del nuevo fantástico español, que ya disfrutaron con Extraterrestre o con propuestas anteriores del director, como la celebrada Platillos Volantes.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Ramón, a través de las misteriosas luces, se introduce en una nueva dimensión.

UNA HISTORIA DE SUPERACIÓN Y DOLOR DESDE LAS ENTRAÑAS

De rouille et d´os (De óxido y hueso), de Jacques Audiard, nos recupera la visceralidad y los personajes intensos y dramáticos en la línea de sus interesantes trabajos anteriores: De latir, mi corazón se ha parado y Un profeta. En este caso, va un poco más allá pues, por primera vez en su filmografía, nos regala un personaje femenino de gran fuerza y personalidad, interpretado con brío por Marion Cotillard, junto al actor belga Matthias Schoenaerts, que ganó el Premio de Interpretación masculina en la Seminci vallisoletana (al igual que su director, Audiard).

La historia se centra en el personaje de Ali (Schoenaerts), un belga que llega a Niza a casa de su hermana, sin trabajo fijo, que comienza a hacer de guardia de seguridad, con un hijo de cinco años de una desordenada relación anterior. Ali se dedicará a hacer combates ilegales de boxeo. Éste posee un carácter primitivo, bruto y que va mucho a la suya, sin preocuparse de nadie más que de sí mismo. Un día, en la discoteca que vigila conoce a Stéphanie, una bella mujer que resulta ser entrenadora de orcas y que sufrirá un dramático accidente.

La película refleja la relación entre estos dos seres humanos, de manera nada autocomplaciente ni autocompasiva: son dos personas marcadas por sus circunstancias que buscan la libertad de sus actos, una libertad que ella ha visto mermada al perder parte de sus piernas en el accidente pero que, gracias a él, comenzará a sentir y tener ganas de seguir adelante. Aunque digamos esto no se trata de una relación amorosa al uso, sinó que es una relación mucho más compleja, con múltiples capas, dos amigos "con derecho a roce" que van mucho más allá, explorando a lo largo de la trama y, de manera un tanto descarnada, la amistad, el sexo y el dolor.

Hay momentos de gran belleza visual, que contrastan con la brutalidad de lo que está ocurriendo en sus vidas, lo que produce en muchas situaciones un shock. El espectador queda noqueado (como su protagonista masculino) por las reacciones y las situaciones de sus personajes. Son dos personas un tanto al límite, que evolucionan a lo largo de la historia. No es una trama previsible ni complaciente. A Audiard no le tiembla el pulso a la hora de demostrar toda su visceralidad de nuevo en una historia de superación personal (que no de autoayuda, no nos equivoquemos) y de segundas oportunidades, que no dejará a nadie indiferente.

Ésta no hubiese funcionado sin la intensidad que Cotillard y Schoenarts imprimen a dos personajes complejos y de numerosos contrastes, que se desnudan no sólo física, sinó emocionalmente. Ellos son el alma de la película, en especial la siempre radiante actriz francesa que vuelve a demostrar, no sólo que es la mejor intérprete de su generación y que no sólo se merece el César, sinó también el Oscar. 

Así pues, Audiard nos vuelve a regalar un cine hecho desde las entrañas para que el espectador se de cuenta de que la vida cuesta, se sufre y duele, a veces demasiado.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Ali y Stéphanie, una relación marcada por el dolor.

AQUELLA IDÍLICA ETAPA UNIVERSITARIA

Amor y letras es la nueva película de Josh Radnor tras la agridulce Happythankyoumoreplease. En esta ocasión, el chico de Cómo conocí a vuestra madre ha crecido y propone una interesante reflexión sobre la madurez a partir de la nostalgia de la vida universitaria de un hombre de treintaitantos con el síndrome de Peter Pan.

Jesse (Radnor) está desencantado con la vida que lleva, un buen día es invitado a su antigua universidad a la cena de despedida de su profesor preferido, Peter Hoberg (Richard Jenkins). Al volver conoce a una joven estudiante muy vitalista, Zibby (Elisabeth Olsen), con la que entablará una bonita amistad.

Si la semana pasada Damsels in distress suponía una visión anclada en el pasado y demodé de la vida universitaria americana, Radnor tiene un prisma también nostálgico, como dando a entender que cualquier tiempo pasado fue mejor y, por consiguiente, que la Universidad, la vida estudiantil, fue la mejor época de su vida. Con una mirada a medio camino entre Beautiful Girls, de Johnatan Demme, y Young Adult, de Jason Reitman, Radnor nos propone una vuelta al campus, a la juventud a partir del desencanto de la vida adulta y de las reticencias a afrontar la madurez y la vida adulta con todos los sacrificios y problemas que ella conlleva.

Especialmente brillantes están las dos féminas del relato: Elisabeth Olsen y Allison Jenney, mucho más lúcidas y más chispeantes en su manera de entender la vida que sus desorientados partenaires masculinos, que pierden el norte con un sentido de la existencia muy anclado en el pasado y en los sinsabores del presente.

Así pues, el film, con una apariencia de comedia ligera nos está haciendo pensar sobre algo más profundo como es la profunda insatisfacción del ser humano, abocado al pasado, incapaz de afrontar el presente y mucho menos, el futuro.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Josh Radnor y Elisabeth Olsen, dos maneras de afrontar la etapa muniversitaria y la vida en general.

RADIOGRAFÍA DE LAS RELACIONES HUMANAS ENTRE URBANITAS DE CLASE MEDIA

Una pistola en cada mano, de Cesc Gay, vuelve sobre el tema recurrente en la filmografía del director de En la ciudad: las relaciones personales y la siempre difícil relación entre hombres y mujeres. Todo ello con un reparto coral espectacular, que reúne lo bueno y mejor del cine español (y argentino): Leonardo Sbaraglia, Eduard Fernández, Javier Cámara, Clara Segura, Ricardo Darín, Luís Tosar, Candela Peña, Eduardo Noriega, Leonor Watling, Alberto San Juan, Jordi Mollá y Cayetana Guillén-Cuervo. 

Con Barcelona como telón de fondo, la trama se divide en seis historias en las que interaccionan distintos personajes: dos amigos que se reencuentran, uno con depresión y el otro abandonado por su mujer y con la economía resentida; dos ex con distintas visiones sobre el futuro de su relación; un "cornudo" que espía a su mujer para acabar dialogando con su amante; dos compañeros de trabajo que "aparentemente" van a tener un lío y dos parejas que se encuentran con el marido del otro y de la otra para acabarse de confesar sus intimidades. 

Todas estas historias tienen un denominador común: ser una radiografía de los hombres y mujeres de treitaitantos a cuarentaitantos años. Son seres que viven su felicidad e infelicidad, que pasan por las distintas fases de las relaciones amorosas (el engaño, la ruptura, la pérdida, el ligue, las dificultades de la intimidad en pareja...) enfrentándose con humor, con resignación, con patetismo o con ilusión a las distintas pruebas que les pone la vida.

Son tiempos difíciles, tiempos de crisis en los que los protagonistas hacen frente, mediante la palabra, en diálogos muy chispeantes a la vez que reveladores, conciliadores e íntimos, a la cotidianidad de las relaciones. En esta radiografía son los hombres quien salen peor parados que las mujeres, a menudo con más recursos y más inteligencia emocional para hacer frente a los avatares de la vida en pareja.

Así pues, Cesc Gay conjuga estas seis historias con un guión elaborado y unos intérpretes que aportan solvencia y credibilidad a un relato que busca la empatía con el espectador quien, en alguna de las situaciones planteadas seguro que se siente cercano. Para interesados en la complejidad de las relaciones humanas entre urbanitas de clase media.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Luis Tosar, Javier Cámara y Alberto San Juan, confusos y desorientados. 

SOMOS LA POLICIA

David Ayer está especializado en películas sobre policías, suyos son los scripts de S.W.A.T. y Training Day, además de dirigir Los Dueños de la calle. En esta ocasión, se vuelve a poner tras las cámaras para realizar Sin tregua (End of watch), que podría ser la enésima revisión sobre el estamento policial, en parte sí que lo es, pero va un poco más allá, sobresaliendo por encima de la media de este tipo de producciones.

En primer lugar, por su realización nerviosa, cámara al hombro, para explicarnos, de manera subjetiva, el día a día de dos jóvenes policías de uno de los barrios más conflictivos del sur de Los Ángeles. Taylor (Jake Gyllenhaal) y Zavala (Michael Peña) son dos compañeros de patrulla que son mucho más que amigos, son como hermanos, que darían la vida el uno por el otro sin pensárselo. Sus simpáticas confidencias y jocosas conversaciones son de lo mejor, pues quizás sorprende en una buddy movie policia como ésta, encontrar estos diálogos llenos de complicidad y que suenen tan auténticos. Así como, merece la pena destacar la relación con sus parejas, interpretadas por Ana Hendrick y por Natalie Martínez, que son algo más que floreros, sinó que pasan a ser, piezas claves en la vida de estos dos hombres de la ley, interpretados de manera muy convincente por Gyllenhaal y Peña, cuya labor le ha reportado una nominación como mejor actor secundario en los Independent Spirit Awards. 

Asimismo, la trama recorre la cotidianidad del trabajo policial por los barrios más chungos de L.A., en los cuáles los chicanos han substituido a los afroamericanos como los amos del cotarro y donde el tráfico de personas humanas y el trapicheo de drogas y armas está a la orden del día. En una de las múltiples redadas, se verán envueltos en una espiral de violencia de la que difícilmente podrán escapar...

Cuando uno se acostumbra a la rápida y subjetiva realización y se adentra en la historia, el espectador se ve atrapado en la tensión dramática, en la acción pura y dura -sin escatimar escenas de bastante crudeza, algo macabras y de un impacto visual que el espectador no se espera-. En este "drama-bromance" policial, uno acaba por sentirse identificado con sus protagonistas y comprendiendo que, aunque a veces se lo tomen a broma, su labor es más dura y necesaria de lo que podría parecer desde fuera. 

En definitiva, una cinta trepidante y adenalínica, salpicada por toques de comedia y de drama brutal, donde podemos pasar de la sonrisa a quedársenos congelado el semblante. Con vocación comercial, quizás no sea el nuevo Training Day, pero es bastante recomendable por la implicación que el espectador toma con la historia y sus protagonistas.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Taylor y Zavala en uno de sus múltiples registros policiales.

¿CREES EN LOS GUARDIANES?

La nueva apuesta de los estudios de animación DreamWorks El origen de los guardianes es mucho más que una película sobre la navidad en época navideña porque trata de ser una respuesta sobre una esperanza que perdemos cuando dejamos de ser niños: ¿existe Santa Claus o pertenece a la fantasía colectiva de nuestra infancia?

 Este filme basado en los relatos infantiles de William Joyce, es una historia sobre las criaturas fantásticas que hacían de nuestra niñez un lugar mágico, porque todos nosotros hemos tachado con ilusión los días en un calendario, en algún momento de nuestras vidas, en espera de algún obsequio siempre de un lugar lejano.

Su argumento es muy original aunque cae en el tópico de personajes honrados (Jack Escarcha, el hada de los dientes, el conejo de Pascua…) que quieren liberar al mundo de las garras de una sombra que oscurece a los sueños de los niños impregnándolos de un gran temor; está contada de una forma divertida tanto por su audaz guión como por la lucidez de sus escenas dando pie a creer que las criaturas encantadoras, que pueblan el universo infantil, también tienen su genio para defender a sus leyendas.

Así nos topamos con otra lectura, un poco más de nuestro tiempo, que deja a un lado al niño esperando los regalos del día de Navidad para ver a unas criaturas cercanas a nosotros pero desconocidas en su faceta de luchadores; es una lectura muy interesante que puede dejar en la memoria infantil su granito de arena.

El origen de los guardianes puede ser una nueva incursión en el universo de la animación en 3D. La lectura es para todos los públicos: a los niños les gusta porque esas criaturas les hacen felices en Navidad y los adultos empiezan a creer otra vez en los guardianes de los sueños.

En resumidas cuentas, hay que viajar para comprender El origen de los guardianes donde dejamos nuestra mirada de niño y- esta obra nos invita a ello- ya que no es sólo recordar con una sonrisa aquella ilusión de creer en la magia sino volver a esa ilusión para ayudar a vivir a los que esperan regalos en las noches fantásticas donde se juntan los deseos con la realidad.

Yo recomiendo está película navideña porque no va a dejar de endulzar los corazones de los espectadores; para volver a descubrir la fe de las fiestas navideñas; y por último, porque dentro de su género festivo trata de educar con sentimientos de nobleza en una sociedad en la que se está perdiendo hasta la nobleza. 

JORGE GIRBAU BUSTOS.-

SEÑORITAS DE OTRA ÉPOCA

Whit Stillman vuelve tras 13 años de ausencia. Su último film fue allá 1998, The Last Days of Disco. El director de Barcelona y Metropolis reaparece con una comedia extraña y pasada de moda: Damsels in distress, una pequeña rareza indie protagonizada por Greta Gerwin (A Roma con amor).

La trama se ambienta en una universidad de la costa Este de EEUU, donde unas cuantas estudiantes forman un grupo de ayuda para prevenir suicidios. Mientras tanto, la protagonista empieza a tener problemas con su novio...

La película resulta un tanto excéntrica para los tiempos que vivimos, al carecer del ritmo y la factura habitual en este tipo de producciones destinados a un público femenino y con ansias de romanticismo. Su título, también demodé, responde muy bien a lo que nos va a deparar esta película de amigas universitarias que son más damiselas de gran corazón y buenas samaritanas que estudiantes alocadas.

En algún punto, puede recordarnos vagamente al cine de Wes Anderson o incluso al de Woody Allen, aunque es más deudora de aquella rareza que encumbró a Alicia Silverstone, Crueless (Fuera de Onda). Aunque, eso sí, encontramos todos los rituales típicos y tópicos del mundo universitario que retrata, de manera tan excéntrica.

Así pues, estamos frente a una película para paladares pintorescos, el no tratarse de la típica rom-com hollywoodiense, ni siquiera por el tema ni por la evolución de sus personajes principales, que interesará a aquellos que se quedaron anclados en un pasado coleccionando rarezas cinéfilas. Recomendada para señoritas amantes de otras épocas.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Estas damiselas universitarias aprenderán con el valor de la amistad a hacer frente a todas las dificultades

GEORGE DRYER, ESE ENTRENADOR OBJETO DE DESEO

Un buen partido, de Gabriele Muccino, es una comedieta romántica sobre un atractivo ex-jugador y ex-estrella de fútbol, George Dryer (Gerard Butler), que acepta entrenar el equipo infantil donde juega su hijo y, mientras trata de hacer las paces con su ex-mujer Stacie (Jessica Biel), algunas madres de sus jugadores pondrán los ojos en él, provocando más de una situación comprometida.

La película cuenta entre sus bazas un reparto sólido y bastante inspirado. A los citados Butler y Biel, hay que sumarles Catherine Zeta-Jones es Denise, una sexy y voraz reportera deportiva que ayudará a George a conseguir su sueño; Dennis Quaid y Uma Thurman son Carl y Patti, un adinerado matrimonio entre el empresario que financia el equipo de fútbol y su bella esposa; y Judy Greer es Barb, una divorciada depresiva y un tanto neurótica.

Todos ellos meterán a George en más de un lío, produciendo escenas realmente divertidas, patéticas y vodevilescas, que son de lo mejor de la función, pues la comicidad es bastante acertada.  

La relación entre George y Stacie, por contra, es más convencional, con toques de melodrama familiar en los que George tendrá que hacer méritos por ser el buen padre que en otro tiempo no logró llegar a ser. 

Así pues, estamos dentro de una propuesta simpática, con momentos ingeniosos y divertidos, que funcionan y que, a pesar de la previsibilidad de la historia, nos hace pasar un buen rato en el cine, saliendo con una sonrisa en los labios.

SONIA BARROSO.-

EMPRENDEDORES ENTRE FOGONES

Jacky (Michaël Youn) es un enamorado del arte culinario. Incapaz de que cualquier persona que se siente a la mesa, aunque sea de un comensal de un humilde menú de mediodía, se levante de la misma sin haber sido deleitado con los placeres del buen yantar. Y este empecinamiento le cuesta ser un habitual de la oficina del desempleo...

Este es el punto de partida de El chef, la receta de la felicidad, del francés Daniel Cohen. La historia de nuestro esforzado e incomprendido héroe toma un nuevo rumbo cuando se cruza en su camino el laureado Alexandre Lagarde - soberbio Jean Reno- un tradicional chef ve en peligro su prestigio profesional. Ambos mezclarán sus destinos en una aventura común.

En sus andanzas ambos serán acompañados por una pequeña pléyade de simpáticos secundarios, incluyendo un ferranadrianístico Santiago Segura y todos deberán enfrentarse a unos estereotipados y ridículos personajes. El final es obvio.

La cinta cumple con su cometido de entretener y reincidir en el mensaje de "querer es poder". Desafortunadamente, la historia no destaca por su originalidad pues recuerda en demasiadas ocasiones a la brillantísima Ratatouille y, en alguna ocasión a la dramática Deliciosa Martha.

No obstante, es una película amable, simpática y que se ve con facilidad, sobre todo gracias a la creciente comicidad de su pareja protagonista. Y es que reirse bien vale pagar la entrada y más en los tiempos que corren.

DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: El cameo del chef interpretado por Santiago Segura, una de las perlas de este film.

EL PODRIDO SISTEMA ECONÓMICO GLOBAL

El capital es la nueva película de Costa-Gavras, un apasionante thriller dramático de rabiosa actualidad, basado en la novela de un analista financiero, Stephane Osmont, que nos narra el ascenso en el mundo económico global de un director de banco, Marc Tourneuil (interpretado con brío y competencia por el actor cómico Gad Elmaleh), designado como "hombre de paja", que acabará dando la vuelta a su situación, gracias a una inusitada habilidad para los negocios y para las relaciones humanas. 

La película es el apasionante relato de la escalada profesional de un business man, Tourneuil, autoimpuesto como director de Fénix, el Banco Europeo más poderoso, las presiones de compra que sufre por parte de un Banco Americano,a sí como las turbulencias internas de sus más allegados.

En esta subida descubrimos los perversos mecanismos de la salvaje economía actual: asistimos a los recortes de plantilla para mejorar enormemente la rendibilidad, a los movimientos de ficha para intentar no ser absorbidos, al auge de la banca y de los productos financieros tóxicos, etc. Todo ello, explicado de manera amena, didáctica y sin tecnicismos, incluso alguien que no está acostumbrado a la terminología financiera, seguirá con relativa facilidad la trama, estando atentos en todo momento a ella. 

La historia es muy envolvente, pues en todo momento, el espectador se haya atrapado y sumergido en la espiral de este protagonista potente frente a un adversario no menos impactante: el del tiburón financiero americano interpretado como siempre con maestría por Gabriel Byrne.

Además de la historia financiera, paralelamente se abren algunas subtramas de relaciones personales de Tourneiuil con su esposa, con una top model por la que se sentirá irremediablemente fascinado y con una competente colega que trabaja en la filial londinense del banco. De estas tres subtramas, la más innecesaria es la de la modelo, aunque quizás sirve para comprender mejor que la ambición y la voracidad de este personaje no tiene límites en ninguna esfera -ni en la personal ni en la profesional-.

La cinta, que guarda algunos paralelismos con Margin Call, de J.C.Chadnor es superior, pues se mueve como pez en al agua por los distintos escenarios de la economia global actual y cada una de sus frases son sentencias que dicen verdades como puñales: el sistema está corrompido desde dentro y la manzana ha podrido la economía a nivel planetario. Una evidencia peligrosa, tanto como las perversas y hábiles manipulaciones de su protagonista. Una película tan absorbente, como entretenida, tan trepidante como necesaria. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Marc Tourneuil, ambicioso business man que cambiará su situación.

EL VIAJE FÍSICO Y ESPIRITUAL

La vida de Pi, es la nueva película de Ang Lee, basada en la novela de Yann Martel, que nos sumerge un viaje sensorial y de fe: la extraordinaria travesía de supervivencia de un joven indio que naufraga, perdiendo a toda su familia y que se queda con la única compañía de los animales de su zoo, al final, sólo con la de un feroz tigre de bengala llamado Richard Parker.

El personaje de Pi Patel es interpretado con maestría por tres actores: Ayush Tandom (Pi niño), Irfran Khan (Slumdog Millionaire),como el adulto que relata su vida a un periodista y el jove Suraj Sharma, debutante en el cine, que tiene un protagonismo absoluto durante buena parte del metraje. 

La película, de gran belleza visual y en 3D (aunque realmente sólo luzca la tridimensionalidad en alguna contadas escenas), se divide en tres partes diferenciadas: en la primera conocemos al Piscine (Pi) niño, descubriendo el secreto de su nombre y también su inmersión en diferentes religiones.

La segunda parte es todo lo relativo al naufragio del carguero donde viajan Pi, su familia y los animales de su zoo, además de introducirnos en el increíble relato de supervivencia de un joven, a medio camino entre El arca de Noe y El libro de la selva. Pi, cuál Mogwli se tratase, se ve obligado a convivir con un feroz tigre de bengala y a mantenerse en alerta constante para que no le ataque, así como con la obligación de alimentarle, así como de nutrirse a sí mismo con los pocos recursos de los que disponen en el bote salvavidas donde flotan a la deriva, sin rumbo fijo y sometidos a todos los elementos.

Hay momentos hermosos -como son los distintos encuentros con todo tipo de fauna marina- y otros más desesperanzados. No sólo es un periplo físico, sinó sobre todo, espiritual, en el cuál Pi se interroga sobre el sentido de la existencia y si será capaz de sobrevivir cuando todas sus fuerzas y recursos se hayan agotado progresivamente. 

La tercera parte sería la narración de los hechos por parte de Pi adulto al periodista y a la segunda versión de qué ocurrió durante el trascurso del naufragio, por lo que el espectador sabe que, aunque Pi esté sufriendo mucho, al final, se salvó. 

La cinta (al igual que la novela) plantea un dilema al espectador al presentársele ante sus ojos dos versiones de la misma historia, de cómo sucedió el naufragio y de la increíble travesía vivida: la primera, más de fe -claramente la historia del tigre en la barca y de la isla- y la segunda, donde prima el sentido práctico de la existencia, con algunas metáforas, pero anclada a la realidad. De que uno se decante por la una o por la otra dependerá de lo que quiera o esté dispuesto a creer, de su manera de ser y de pensar ante los acontecimientos planteados.

Por lo tanto, aunque la historia es eminentemente cine visual, no hemos de olvidar que se trata de una historia donde la fe y la espiritualidad mueve montañas y pueden cambiar el destino de una persona. Recomendable para todos aquellos amantes del cine de aventuras con reflexión espiritual de fondo.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: El joven Pi y su feroz compañero de naufragio, Richard Parker.

MASACRE POLICIAL INCONTROLADA

Díaz, no limpiéis esta sangre, de Daniel Vicari, parte de un suceso real. En 2001 en la reunión de la cumbre del G8 en Génova, un grupo de 300 personas, entre estudiantes que protestaban y periodistas que cubrían la noticia se hacinaron en el colegio Díaz para hacer fuerza. Sin agredirlos, la carga policial que recibieron fue brutal. Según Amnistía Internacional, esta masacre constituyó la peor supresión de los Derechos Humanos desde la Segunda Guerra Mundial. Por ello, no es de extrañar que haya sido carne de denuncia en forma de película, una cinta que se llevó el Premio del Público en la Seminci de Valladolid.

La cinta, que combina imagen real documental de los sangrientos acontecimientos y ficción, pretende denunciar la fatídica e injustificada represión y la desproporcionada reacción policial. Para ello, el director se sirve de un reparto eminentemente italiano, entre los que destacan Claudio Santamaria (Romanzo Criminale) y Elio Germano (Mi hermano es hijo único).

La gran baza de este thriller con base real es la minuciosa reconstrucción de los hechos desde distintos puntos de vista para ir destacando las diferentes perspectivas de todos y cada uno de los grupos involucrados en el suceso. Además, recoge entrevistas a testimonios reales, con base de documental, para hacer hablar a cada una de las partes implicadas. 

En contra tiene que, para retratar esta "carnicería", el director no escatima en violencia y sangre, lo que acaba produciendo una sensación muy desagradable, entre saturación y rechazo por parte del espectador, pues las escenas violentas muy realistas, hay desnudos, vejaciones y momentos de gran crudeza visual. No en vano, el resultado de la masacre real fue de un manifestante muerto a causa de un disparo en el rostro, otros tantos en coma y varios centenares salvajemente heridos. En 2010 se condenaron a 13 policias involucrados a penas de prisión. 

Así pues, estamos ante una película denuncia, no apta para estómagos sensibles, que pretende recordar una de las mayores e injustificadas masacres de civiles en pleno siglo XXI.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: La brutal represión policial del G8 en Génova produjo una sangría de manifestantes.