PODEROSO POEMA VISUAL CON CONTENIDO MÁS O MENOS DISCUTIBLE

Es difícil descifrar qué es El atlas de las nubes, la nueva y ambiciosa propuesta de los hermanos Lana y Andy Wachowski junto a Tom Twyker. ¿Un delirio visual New-Age? ¿Una críptica y fascinante obra maestra sobre el sentido de la vida y del destino? La película está abierta a múltiples interpretaciones y lecturas, tantas, como espectadores que se acerquen a ella viendo una revelación profética, un simple entretenimiento o una tomadura de pelo de proporciones gigantescas.

La trama se vehicula a partir de seis historias con el nexo común de algunos actores que aparecen en todas ellas haciendo distintos personajes, como Tom Hanks, Halle Berry, Jim Sturgess, Jim Broadbent, Ben Wishaw (actor fetiche de Tom Twyker en El perfume) o Hugo Weaving (el inolvidable agente Smith de la trilogía Matrix). Bien ambientadas en el pasado (la historia de aventuras, amistad y superación entre un juez y un esclavo negro en alta mar; un thriller setentero con la crisis del petróleo como telón de fondo), otras a caballo entre presente y pasado ,como la del compositor de la partitura El Atlas de las nubes, o la del joven enamorado que de mayor acaba en un geriátrico por culpa de su hermano  e incluso en el futuro más próximo, la de los indígenas y los clarividentes, o en el más lejano, como de la trama de la post-revolucionaria Seúl.

La película guste o no por su significado que bebe de las ideas del karma, de la predestinación o del eterno-retorno y de las vidas sucesivas, tiene una potente puesta en escena. A partir de un montaje en el que se alternan durante tres horas estas historias, de manera trepidante y nada aburrida, el espectador es golpeado contínuamente por poderosas e impactantes imágenes que quedarán grabadas en su retina. Imágenes acompañadas por una fascinante y envolvente banda sonora, compuesta por Tom Tykwer, Johnny Klimek, y Reinhold Heil; y por un montaje que liga todo perfectamente y que resulta apasionante.

Lástima que no todas las subtramas interesen por igual, -a mí particularmente me atrapó la historia romántica y post-revolucionaria de Seúl y el thriller económico ambientado en los 70- y que algunas se hagan demasiado alargadas y, en parte, prescindibles. 

No obstante, el que quiera ver más allá, tiene material y contenido de sobras para reflexionar sobre las posibles consecuencias de nuestros actos y sus conexiones con el pasado y el futuro, así como sobre la idea de predestinación. Y el que no, también puede quedarse con su forma, su poderosa imaginería visual y trasportarse por la belleza (a veces poética y otras, ultraviolenta) que respiran cada uno de sus fotogramas. No es cine sencillo ni para todos los públicos, pero el que se acerque a ella seguro que no le va a resultar de todo indiferente.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: En Seúl se vive una subtrama futurista, envolvente, revolucionaria y romántica.

LA PROFECÍA DE LOS HERMANOS WACHOWSKI

La trilogía The Matrix (1999-2003) es una metáfora del futuro dentro de otra gran metáfora sobre el presente virtual y del poder que desean alcanzar los malvados.

Ahora, cuando se cumple una década sobre esta historia con raíces bíblicas de los hermanos Wachowski se estrena la última producción, El atlas de las nubes (2012) protagonizada por Tom Hanks y Halle Berry, que promete llevarnos a otro universo de fantasía.

Pero volvamos para hacer un viaje por The Matrix, que revolucionó el cine en todos los sentidos alcanzando cotas espirituales para un público que no estaba todavía acostumbrado a esta revolución.

Estas películas ya son reconocidas como auténticas obras maestras del cine contemporáneo porque se mezcla todas las religiones con la filosofía clásica. El protagonista principal Neo (Keanu Reeves) trata de simbolizar a un Ser extraordinario capaz de salvar al mundo de su amenaza latente (las máquinas). El argumento de la historia es una revisión de los libros de aventuras donde existe un héroe que es el prototipo de persona comprometida con hacer el bien, pero en esta ocasión los hermanos Wachowski crearon un héroe accidental que, sin comerlo ni beberlo, tiene la obligación de salvar la vida humana y librarla del dominio de las todopoderosas máquinas.

Toda obra que muestra un futuro imaginado tiene su lectura en el presente.The Matrix muestra un mañana en el que la tecnología ha superado a la vida y la muestra como el invasor; el hombre se convierte en esclavo de lo que antes eran sus esclavos dando al espectador otra lectura de la evolución un tanto tremendista pero muy aceptable… porque igual dentro de 300 años los seres pensantes de este planeta pueden llegar a ser las máquinas.

Así navegamos en estas tres películas: The Matrix (1999),The Matrix Reloaded (2003) y The Matrix Revolutions (2003) para dar cuenta de otra lectura mucho más acertada de lo que puede pasar. Puede ser también un trabajo para alertarnos sobre los peligros a los que nos podemos enfrentar si nuestros pasos hacia el mundo informático se salen de la herramienta de consulta.

Los robots creados por el ser humano pueden terminar gobernando el universo y condenando a todo lo que tenga vida; esto es a lo que conduce el pensamiento que nos ofrece el lado perfecto de la tecnología en un planeta donde están desapareciendo los libros de papel (que puede ser un augurio de lo que va a ocurrir si dejamos de ser humanos para ser máquinas).

Así se nos advierte, al ver está trilogía, que el ser humano puede dejar de serlo para convertirse en una máquina sin sentimientos movidos por las obligaciones programadas por los seres pensantes. Claro que esto es tan sólo una hipótesis de adonde se puede llegar yendo por el camino de la robótica.

Muchos pensarán que ofrece comodidad y libertad para actuar libremente y sí puede ser, puede que estemos más capacitados en un futuro, que aprendamos a utilizar nuestra mente para aprender a volar a cámara lenta – como se puede ver en está trilogía – pero hasta que llegue ese momento tenemos que actuar sabiamente.

La acción de la película empieza en Zion, una ciudad totalmente imaginaria en el que viven los descendientes que no han sido atrapados por la dictadura de las máquinas. Trata de ser una reflexión bíblica porque recuerda al peregrinaje de Moisés para alcanzar la libertad de su pueblo. En ese camino, Neo se topa con desafíos mentales y de fuerza interior para alcanzar su destino; en ese deambular lo acompañará Trinity (Carrie-Anne Moss) que simboliza el amor carnal y la lucha por sobrevivir.

The Matrix se mete de lleno en una atmósfera virtual que acompaña a la realidad, esta paradoja hace más interesante la historia sin olvidar en su metraje la acción de un submundo creado para la diversión del espectador.

Ha pasado más de una década de su estreno y todavía alimenta la imaginación y la intelectualidad de un mundo real que empieza a ser poco a poco de las máquinas.

Por eso, The Matrix fue un despertar de un letargo cinematográfico… Sí, cambió el cine de ciencia-ficción, pero también esta lectura sobre el futuro es mucho más. Nada es igual desde que está producción se coló en nuestras casas. La vida del planeta desde aquel momento se pudo ver de otra manera.

JORGE GIRBAU BUSTOS.-

Pie de foto: The Matrix, una trilogía revolucionaria. 

BLANCANIEVES ARRASA EN UNOS GOYA CASI SIN SORPRESAS

Esta noche se han entregado los Premios Goya por parte de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, sin muchas sorpresas. La noche comenzaba con el curioso, cañí y acertado homenaje de Eva Hache a Bienvenido Mr.Marshall, de Berlanga. Para luego introducir un monólogo inicial, donde las puyas fueron bien repartidas entre La Casa Real, los políticos y los guiños y saludos de los actores fueron lo más cariñoso y políticamente correcto.

La primera (y de las pocas sorpresas de la noche) fue para Joaquín Núñez, que arrebató el Goya al mejor actor revelación para los dos favoritos: un Tom Holland, estupendo en Lo Imposible, con cara de "qué hago aquí exactamente" y un Álex Mónner, que se lo debió tomar con más filosofía y más tablas, perfecto en Els nens Salvatges. Hay que destacar que Grupo 7 se llevó dos estatuillas, pues también Julián Villagrán obtuvo el Goya al mejor actor secundario.

Por lo demás, los premios no dieron muchas sorpresas, pues la gran favorita de la noche: Blancanieves, se llevó 10 de las 18 estatuillas a las que optaba, entre las que destacamos cuatro de las grandes: mejor película; actriz para la pérfida "madrastra", Maribel Verdú; para la cándida y dulce Carmencita que compone Macarena García, como mejor actriz revelación y mejor guión original (quizás el más discutible, por tratarse de una película muda). Juan Antonio Bayona obtuvo el ya esperado y muy merecido Goya al mejor director, por Lo Imposible, presente en los premios en tres categorías técnicas más (montaje, sonido y efectos especiales).

José Sacristán fue el mejor actor por El muerto y ser feliz, mientras que Candela Peña recogió el único Goya por el que Una pistola en cada mano estaba nominado, el de mejor actriz de reparto. La cinta de animación, Tadeo Jones también fue una de las grandes triunfadoras, al obtener tres "cabezones": mejor película de animación, mejor director novel, para Enrique Gato, y mejor guión adaptado. 

En cambio, la gran perdedora de la noche, como parecía ya vaticinar el sketch de todas las actrices "metiéndose" con la no-votación a Aida Folch, fue El artista y la modelo, de Fernando Trueba, que se fue completamente de vacío. Algo un tanto injusto, pues es una película notable (que ha caído en un año de películas brillantes, eso sí).

La gala tuvo sus momentos, como las reivindicaciones del Presidente de la Academial, Enrique González Macho, que aseguró que el cine no era de ningún partido político y volvió sobre los daños causados por la piratería. Eva Hache hizo lo que pudo para remontar una noche, sin grandes sorpresas, donde lo que más brilló fue el buen cine español de 2012.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Maribel Verdú, recogiendo su Goya a la mejor actriz y pronunciando un largo discurso de agradecimiento.

SIGNOS DE MUERTE INMINENTE

Vuelve John McClane (Bruce Willis), el policia neoyorkino que buscaba a su mujer y estaba en el lugar equivocado en el momento más importuno. Aquel héroe "por accidente", que en 1988 nos sorprendió a todos con sus explosiones de humor socarrón y de violencia desatada. Un héroe que volvió tres veces más a la gran pantalla, que fue objeto de veneración y de una mítica sesión de Phenomena Experience.

Tras tres títulos memorables: La Jungla de cristal (1988),La Jungla de Cristal 2 (1990) y Jungla de Cristal: La Venganza (1995), hace cinco años regresaba con La Jungla 4.0 (2007), su parte más floja y descafeinada, nuevos y malos tiempos se intuían para la franquicia, que daba signos de agotamiento. 

Ahora con John Moore, La Jungla de cristal: Un buen día para morir, no ha mejorado mucho, sinó todo lo contrario y el título parece ya una premonición de lo que uno se va a encontrar en este nuevo episodio de las peripecias de McClane. Una franquicia muerta y que, tiene todos los signos de una muerte inminente.

En primer lugar, la acción se desarrolla en Rúsia, donde McClane debe ir a salvar a su hijo, agente de la CIA, aunque para ello se haya de enfrentar y cargar al gobierno soviético en pleno. Pero el guión es menos interesante que una hoja de las Páginas Amarillas y, para suplir la falta de ingenio e imaginación, ya comieza la cinta con una acción abrumadora que no cesará en la hora y media de metraje. Una acción con menos sentido y mucha pirotecnia, explosiones de vehículos y tiros, muchos tiros. Todo ello tan insípido y vacío como la cara de pasmado de Jay Cuortenay.

De la saga original sólo se mantiene Bruce Willis, su grito de "guerra" y algún homenaje a la primera película (una mítica caída de rascacielos), pero ni los villanos son lo que eran (qué tiempos aquellos con  Alan Rickman o Jeremy Irons, ni los compañeros de fatigas son tan interesantes como Samuel L.Jackson). Aunque si queréis una cinta de acción con humor descacharrante, mejor optéis por Los Mercenarios, Los Mercenarios 2 y El Último desafío, o bien por recuperar los tres primeros títulos de la saga. 

JR PALOMAR.-

Pie de foto: John McClane, quién te ha visto y quién te ve...

COMEDIA URBANITA CON TOQUES WOODYALLENIANOS

Dos días en París era una comedia dramática y romántica que diseccionaba las relaciones entre una pareja en la treintentena, la hiperactiva y neurótica, Marion (Julie Delpy) y el tranquilo Jack (Adam Goldberg), que puede perder los estribos a causa de la "intensa y extensa vida amorosa" de ella...Dos días en Nueva York es la continuación de aquella historia, pero centrada en el personaje de Marion, después de iniciar una nueva vida junto a Mingus (Chris Rock), un locutor de radio en Nueva York y recomponer una familia, junto a los hijos que tuvieron con sus ex. 

El conflicto en esta parte, pasa de centrarse en la pareja para focalizarse en la familia de la protagonista: Jeannot, un padre viudo y "cachondo" (el padre cómplice de la protagonista, Albert Delpy), Rose, una hermana exhibicionista, psiquitra infantil y su "disperso" y bocazas novio, Manu. Los problemas estre la pareja se desatarán cuando la familia francesa de Marion se instala en su apartamento neoyorkino para pasar unos días de vacaciones.

Con este pretexto argumental, la película, en clave de comedia urbanita e intelectual, quiere acercarse al cine de Woody Allen, incluso no sólo en sus diálogos y situaciones, sinó en la manera de retratar a sus personajes. Aunque, lamentablemente, es una sombra reflejo del cine woodyalleniano, pues aquí se exageran las situaciones, se ponen en marcha personajes demasiado exasperantes que, a menudo, más que buscar la empatía y la sonrisa del espectador, parece que busquen irritarle y sacarle de sus casillas, poniéndonos más en el lugar del descolocado novio, Mingus, que del resto de la excéntrica galería familiar que nos presenta. 

Hay escenas de comicidad acertadas y se deja ver, pero también parece una broma algo pesada y reiterativa. Cuando se centra en el mundo del arte y en la posibilidad de comprar un alma, atención al curioso cameo de Vincent Gallo, -con el que Julie Delpy formó pareja hace unos años en Colgados en Los Ángeles, de Mika Käurismaki-, la película consigue momentos de reflexión más auténtica y logra despegar de la sucesión de tópicos franco-americanos y clichés familiares que ha sido hasta el momento. No obstante, si nos hacen escoger entre las películas de la Delpy como directora, nos quedamos con Le Skylab, como retrato nostálgico y familiar más acertado.

Así pues, una comedia para que a los fans de la actriz y realizadora francesa se nos haga un poco más llevadera la espera de la película que estamos esperando ver en realidad: Before Midnight, de Richard Linklater, la tercera parte de la estupenda trilogía romántica generacional formada por Before Sunrise y Before Sunset.  

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: La familia unida...mejor, si no está cerca.

DIVERTIMENTO LIGERO CON REPARTO DE LUJO

Cameron Díaz y Colin Firth vuelven a la comedia y se reencuentran con unos personajes que ya interpretaron en los 60, Shirley MacLaine y Colin Firth en Ladrona de amor. En esta ocasión, bajo el humor surrealista y endiablado de Joel y Ethan Coen, encargados tan solo de firmar el guión -el cuál recuerda por su ligereza al de Crueldad intolerable-, Un plan perfecto, de Michael Hoffman, es una entretenida comedia de enredos, con un robo de arte, como Mcguffin argumental. 

La trama es la siguiente: Harry Dean (Colin Firth) está harto de que su jefe (Alan Rickman) le ningunee y le rebaje constantemente. Para vengarse de él idea un plan que consiste en que compre un "falso" cuadro de Monet a un precio astronómico. Y no estará solo: PJ Puznowksi, la reina del rodeo, se encargará de sacar todas sus armas de seducción para ayudarle a cometer la estafa.

La película respira una comicidad muy absurda y auténtica, con escenas realmente ridículas en las que Colin Firth, Alan Rickman, Stanley Tucci y, en menor medida, Cameron Díaz (la menos alejada del tipo de papeles a los que nos tiene acostumbrados) no dudan en quitarse la ropa, actuar junto a un león y ridiculizarse en mil y una historietas que parecen deudoras del cine de Peter Sellers o del de los Monty Python. 

Sin ser nada del otro mundo, la cinta funciona, gracias sobre todo al buen hacer de su reparto. Ya el remake original, no era nada extraordinario, ni ésta tampoco lo es, no nos engañemos. Aunque eso sí, cumple eficazmente lo que promete: pasar una hora y media en el cine sin que nos enteremos, con un desarrollo ágil y ligero para amantes de las comedietas sin demasiadas pretensiones.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Harry necesita a la reina del rodeo para amargar la vida a su insufrible jefe.

LUCES Y SOMBRAS DEL PODER

Proximidad de una contienda electoral, dos oponentes a la alcaldía de Nueva York, un alcalde desconfiado, Nicholas Hostleter (Russell Crowe) y el recién llegado Jack Valliant (Barry Pepper). El primero, que piensa que su bella y sofisticada esposa, Cathleen, (Catherine Zeta-Jones) tiene un amante y para descubrirlo contrata a Billy Taggart (Mark Wahlberg), un detective ex-alcohólico y católico, con algunas manchas en su pasado.

La sombra de la corrupción política, de la especulación inmobiliaria, de los negocios sucios planea sobre este thriller de Allen Hughes con reminiscencias de títulos como La sombra del poder, de Kevin McDonald (y también con Crowe de protagonista, aunque en un rol completamente distinto); La otra cara del crimen, de James Gray (con Mark Wahlberg); o de las tramas policíaco-judiciales de Sidney Lumet o de otros thrillers políticos de los años 70. 

La película pone sobre la palestra el poder de los medios de comunicación, de las campañas políticas de acoso y derribo del contrincante a base de "sacar a la luz los trapos sucios" y de la baja dignidad personal y moral de algunos políticos, que son capaces de todo por aferrarse a un cargo. En esta ocasión, el discurso fílmico de Hughes tiene más sentido que nunca, ya que está de rabiosa actualidad, vistos los últimos escándalos de corrupción político-financiera que están salpicando España.

Hughes juega sus bazas con habilidad, ayudado por un solvente Russell Crowe -quien, aquí sí, y no en Los Miserables- se mueve como pez en el agua en el papel de un corrupto alcalde de moral y maneras intachables de cara la galería. Además, retrata unos personajes que son moralmente ambiguos, pues el Billy Taggart al que encarna Wahlberg presenta muchas luces y sombras, debido a un pasado que le atormenta, a unas adicciones que pensaba ya superadas y a unos celos irracionales que le hacen tener un gran sentimiento de culpa. Además de algunos secundarios interesantes: Carl Fairbanks (Jeffrey Wright), un comisario de policia con ases debajo de la manga y Paul Andrews un director de campaña en la oposición, al que da vida con convicción Kyle Chandler, que se erige como pieza clave en el puzzle.

Con una buena factura técnica, un guión bien construido obra de Brian Tucker (aunque a menudo un poco intrincado y rocambolesco), unos actores acertados y correctos en sus roles, La trama respira aromas de buen thriller, por sus homenajes al cine de los 70 en los que son más importantes la historia y el desarrollo de los personajes, que la acción y el efectismo. Así pues, aunque no es perfecta, está película supone un notable ejercicio de un director de carrera irregular, que irrumpió en escena con la puesta al día del cómic de Alan Moore, Desde el infierno y prosiguió con la floja El libro de Eli. Habrá pues, que darle una oportunidad, visto el resultón acabado de este film, especialmente recomendado para amantes de las fábulas morales contemporáneas. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Intereses comunes unen a Hostetler y a Taggart.

SER O NO SER GAY: 10ª ANIVERSARIO DE LA ZINEGOAK DE BILBAO

Zinegoak, el festival de cine de temática LGBT de Bilbao, cumple su décimo aniversario. Por ello este año se han podido ver nada más y nada menos que 85 películas. El festival empezó su andadura con humildad y al principio sólo duraba 4 días. No obstante, con el tiempo ha ido creciendo de envergadura y por ende, se ha convertido en un festival que no tiene nada que envidiar a los demás que se celebran en la ciudad como pueden ser Zinebi o FANT. Ahora se estrenan películas que han triunfado en los más prestigiosos certámenes internacionales, pero que si no fuera por esta iniciativa que organiza la asociación Hegoak no se podrían ver en ningún otro sitio.

El año pasado la sección oficial contó con 11 películas, pero sólo Weekend del británico Andrew Haigh ha conseguido distribución para que pueda verse en nuestro país (según las últimas noticias se estrenará en el mes de marzo). De 11 películas estrenadas en Zinegoak 2012 sólo una ha llegado a los cines, así que, el trabajo que llevan a cabo los programadores de este festival para dar a conocer obras transgresoras e inéditas es realmente indispensable.

Cumple una función decisiva, puesto que, los homosexuales deben tener un espejo al que mirarse. Los derechos que han alcanzado en los últimos tiempos son importantes, pero no nos engañemos falta mucho para que sean reconocidos y tratados como se merecen. En la cultura oficial siguen siendo marginados y así es difícil que puedan sentirse orgullosos de lo que son. Muchos ni siquiera se atreven a admitirlo. Está claro que salirse del armario no es nada fácil. A Jodie Foster le ha costado lo suyo. Ha tenido que pasar medio siglo para que pudiera gritarlo a los cuatro vientos (fue en la gala de entrega de los Globos de Oro).

La ficción debe servir para mejorar la vida en sociedad, y en una sociedad como la nuestra en la que la heterosexualidad es la norma, es necesario que se (muestren) otras realidades para que podamos reflexionar sobre la identidad, el sexo y el amor, cuestiones que nos atañen a todos por igual. Porque Zinegoak no es sólo para los homosexuales, transexuales y bisexuales, sino que debe ser un lugar de encuentro para todos los ciudadanos. Al fin y al cabo el sexo es clave para poder construir la identidad de cada uno, así que, es un festival que puede aportar mucho a cada uno de nosotros.

INAUGURACIÓN

Parada, de Srdjan Dragojevic, ganadora del premio del público en la pasada edición de Berlinale fue la que inauguró esta 10ª edición. Fue una decisión acertada por parte de los organizadores porque es una cinta realmente divertida. Las carcajadas están aseguradas de principio a fin. Parada es una de las mejores comedias que se han podido degustar este año, porque las producciones estadounidenses Cloudburst de Thom Fitzgerald y Codependent Lesbian Space Alien Seeks Same de Madeleine Olnek han sido realmente decepcionantes. Como nos informa el título de la película de Dragojevic Parada (parade, en inglés) hace referencia al desfile del orgullo gay que se organiza todos los años el 28 de junio. La historia se sitúa en la antigua Yugoslavia, y los homosexuales son ahora los enemigos comunes de los croatas, serbios, bosnios y albano-kosovares. Todos se han puesto de acuerdo para odiarlos. Las amenazas y las palizas que reciben de los neonazis hacen indicar que no habrá ningún desfile. Pero este año van a ir escoltados por un grupo salvaje (la película hace referencia a Los 7 magníficos) para que puedan manifestarse con la cabeza alta. Se trata de una misión arriesgada, ya que, van a tener en frente a miles de neonazis. Resumiendo, es una disparatada y gamberra película. Realmente brillante.

Cloudburst se podría considerar la versión lesbiana de Amour, pero si la película de Haneke logra conmocionar y desconcertar a partes iguales, Cloudburst no llega ni siquiera a ser un digno ejercicio de entretenimiento. Es banal e inverosímil y no tiene nada que aportar. Quiere hacernos reír, pero su humor grosero y obsceno sólo logra transmitir vergüenza ajena. La película nos narra la historia de Stella y Dotty, dos ancianas que huyen de la ley como si fueran Thelma y Louise. Su intención es ir a Canadá a casarse, ya que, si no lo hacen la nieta de Dotty la meterá en una residencia. Codependent Lesbian Space Alien Seeks Same es realmente cutre y absurda y no merece que le prestemos más atención. Es horrible.

SORPRESAS

Otras de las películas que nos han impresionado han sido las francófonas Laurence Anyways y Notre Paradis. Laurence Anyways es la nueva película del joven canadiense Xavier Dolan y, aparte de ser la ganadora, es una de las mejores cintas de esta edición. El jurado internacional ha decidido que es merecedora del premio a la mejor película de este año y no puedo estar más de acuerdo con la decisión. Es una cinta de casi tres horas que transmite una desbordante energía; es dura, emotiva, a veces cruel y otras veces esperanzadora, y consigue conmover y fascinar al público. Se puede decir que genera sentimientos contradictorios. Produce un torrencial de sentimientos en el espectador que no tienen límite. La vida se desborda ante nuestras narices. Es increíble. Además en determinados momentos Dolan detiene el tiempo y nos invita a ser partícipes de una experiencia estética inimaginable. Nos regala unas imágenes realmente bellas y la música parece transportarnos a un anuncio de televisión o a un videoclip que podemos degustar a cámara lenta. Sólo por disfrutar de esos momentos merece la pena verla. Es una de las candidatas para ganar el premio a la mejor película canadiense, pero para ello tendremos que esperar al 3 de marzo para saber si logra el galardón que concede la academia de aquel país.

Notre Paradis es la última obra del francés Gaël Morel que ha recibido el premio honorífico de este año. Notre Paradis nos sumerge en el sórdido mundo de la prostitución masculina y es un homenaje al cine negro. Eros y thanatos están muy presentes en todo momento, por lo tanto, estamos ante una dura e incómoda película. Hay muchas escenas de sexo, pero no es una cinta banal ni frívola, ya que nos habla del amor y el deseo. De la soledad y la supervivencia. De la vida. Está claro que no se puede comparar con obras tan sugerentes como Intimacy (Patrice Chéreau, 2001) o La pianiste (Michael Haneke, 2001), pero es una buena película que trata sobre el deseo. Vassili el protagonista de este intrigante film tiene unos 30 años y está acabado. Un día conocerá a un chico joven y se enamorará de él.  

BEÑAT EIZAGIRRE INDO.-

Pie de foto: Laurence Anyways ha sido la película ganadora y una de las sorpresas de esta edición.

NUEVO "ARGOFUCKYOURSELF" EN LOS BAFTA

Los BAFTA, los premios de la academia británica que se entregaron ayer noche estuvieron bastante repartidos. Argo volvió a repetir su "ArgoFuckYourself" y se convirtió en la gran vencedora de la noche con 3 premios, entre ellos los de mejor película y mejor director, volviendo a pasar la mano a todos los académicos de Hollywood que no han nominado a Affleck como realizador ( y que en cambio, se está llevando todos los premios de las Asociaciones de Críticos, aparte de el Globo de Oro y ahora el BAFTA).

El Bond de Sam Mendes, Skyfall fue la mejor película británica y la mejor banda sonora original (no obteniendo premio para nuestro Javier Bardem). Los miserables se conformó con cuatro premios en categorías inferiores, excepto el ya cantado para Anne Hathaway. Amour se llevó dos: a la mejor actriz, Emmanuelle Riva (que se confirma como la rival a batir y más que posible sorpresa en los Oscar tras las mejor posicionadas Jessica Chastain y Jennifer Lawrence) y la indiscutible, como mejor película extranjera.

Django Desencadenado obtuvo los muy merecidos galardones a mejor guión para Tarantino y mejor actor secundario para Christoph Waltz. Así como, La vida de Pi se tuvo que conformar con arañar algunas categorías técnicas. Mientras que Lincoln hizo valer su único premio seguro: Daniel Day-Lewis no tiene rival como mejor intérprete masculino del año con su Lincoln. En Facesonthebox, estamos muy de acuerdo con el reparto de premios y esperamos que los Oscars vayan en la misma dirección.

Mejor película: Argo

Sobresaliente película británica: Skyfall.

Sobresaliente debut de un escritor, director o productor británico: Bart Layton y Dimitri Doganis (The Imposter)

Película en lengua extranjera:Amor

Documental: Searching for Sugar Man

Película de animación: Brave

Director: Ben Affleck por Argo.

Guión original: Django desencadenado

Guión adaptado: El lado bueno de las cosas

Actor protagonista: Daniel Day Lewis por Lincoln

Actriz protagonista: Emmanuelle Riva por Amour

Actor de reparto:Christoph Waltz por Django Desencadenado

Actriz de reparto: Anne Hathaway por Los Miserables

Música original: Skyfall de Thomas Newman

Fotografía: La vida de Pi

Montaje: Argo

Diseño de producción: Les miserables

Vestuario: Anna Karenina

Maquillaje y peluquería: Les miserables

Sonido: Les Miserables

Efectos especiales: La vida de Pi

Corto de animación:The Making of Longbird

Cortometraje: Swimmer

The Orange Wednesdays Rising Star Award - premio del público a la mejor interpretación revelación: Juno Temple

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Argo sumó una nueva victoria al triunfar en los BAFTA.

¡UNA DE GÁNGSTERS!

El cine de gángsters fue uno de los últimos géneros en nacer en la gran pantalla para un público que reclamaba héroes de carne y hueso en la época de la prohibición; así nacieron los tipos duros y sin escrúpulos que hacen todo lo posible por delinquir.Un reflejo de una parte de la historia donde las mafias eran dueñas de las calles de las décadas de los 20 y 30 del siglo XX a la sombra de la Ley Seca.

El cine dedicado a los gángsters generalmente está asociado con el cine negro estadounidense, ya que tiene más similitudes que diferencias debido a la atmósfera, los personajes, los diálogos e incluso la banda sonora. Pero este género de hombres fríos y calculadores y femmes fatales ha sufrido algunos cambios que le han hecho renacer en casi todas las décadas del celuloide, convirtiéndose en algo eterno que ha pasado de espectador en espectador desde que existe el cine.

El 8 de Febrero se estrena una nueva mirada de este género: Gangster Squad (2012) con Sean Penn haciendo del mafioso Mickey Cohen. Esto me da pie para recuperar tres películas dentro de este género, donde podemos darnos cuenta del avance del séptimo arte y en la manera en que trataban a estos individuos a lo largo de las décadas del siglo pasado.

HAMPA DORADA

Empezamos este especial recorrido por la primera película que se rodó sobre gángsters al cien por cien: Hampa dorada (1930) de Mervyn LeRoy que significó el comienzo de un tipo de cine más implicado con su sociedad. Las películas estaban alcanzando su madurez estética porque las cintas habladas comenzaban a ser una realidad; los actores y actrices sabían hablar y ya no gesticulaban para expresarse: algo malo porque cuando desapareció la mímica se esfumó una parte importante del lenguaje cinematográfico, pero con esta revolución tecnológica trabajos como Hampa dorada llegaron a ser una nueva tendencia en la joven cultura de la imagen… ¡Por fin el cine era igual que su público!

Esta obra basada en un libro de W. R. Burnett trata del ascenso y de la caída del gángster Cesar Rico Bandarello, interpretado por Edward G. Robinson, que dio vida a lo largo de su carrera a infinidad de matones. En aquel tiempo en que se estrenó la película, el público que iba a verla se vio identificado con este delincuente y hubo un milagro porque sintieron más empatía con Rico que con la justicia de aquella América de la prohibición. Así que este trabajo, de los primeros tiempos del cine sonoro, fue un punto de inflexión para la joven industria del entretenimiento.

La razón para degustar Hampa dorada posiblemente sea que se realizó en los años en que el gangsterismo era noticia en la vida de los Estados Unidos. El personaje de Rico trata de ser una caricatura de Al Capone, la estrella de la delincuencia de la época gloriosa de los fuera de la ley; pero no sólo eso, su guión calca magistralmente lo que pensaba el pueblo en una etapa difícil para la primera potencia mundial: En ella también se puede oler lo que provoco el crack del 29, el hambre, las casas de acogida, los mendigos… dibujando un cuadro muy realista de la época.

En los cines esta película, que no llega a la hora y media de duración, se respiraba como algo totalmente diferente a lo que se hacía… sin darse cuenta nadie había nacido, casi por equivocación del destino, el cine de gángsters; pero faltaba ahora educarlo para una sociedad hambrienta de historias de su tiempo. En el futuro, el espíritu de Rico caminaría siempre de la mano de ese género y esa época. Algunos cineastas recurrieron a las sombras que dejaron los gángsters de la edad de oro para hacer más valiosas sus filmografías.

BONNIE Y CLYDE

No fue hasta 30 años después cuando los gángsters se hicieron adultos en la gran pantalla con Bonnie y Clyde (1967), película del reivindicativo y luchador Arthur Penn. En ésta vemos con mucha claridad a hombres y mujeres intentando sobrevivir en la época del colapso económico, comparado con la libertad espiritual de los años 60 del siglo pasado. Un momento histórido en el que el mundo también estaba en pleno proceso de cambio y con altibajos (la guerra de Vietnam, etc…). Tal vez el cineasta quiso dar fuerzas al movimiento hippie contando una historia de proscritos que terminaron siendo el prototipo del gángsters de aquel momento.

La gente nuevamente se sintió identificada con la pareja protagonista: Bonnie Parker, interpretada por Faye Dunaway, y Clyde Barrow, al que da vida Warren Beatty. Estos Robin Hood modernos que asaltaron comercios y bancos a principios de los años 30 fueron asesinados en un tiroteo en mayo de 1934; así que otra vez nos encontramos con los héroes malparados; así pues, los cinéfilos de los 60 conocieron a una pareja de atracadores que eran un símbolo para el cambio.

Si nos paramos a observar podemos darnos cuenta que estos protagonistas no son los típicos gángsters, aunque sí tienen algunas similitudes. Esta producción se enmarca en este género porque dio un salto de gigante al acercarse el cine francés de la Nouvelle Vague al cine de Hollywood. En el plano visual, Bonnie y Clyde es innovador por las secuencias explícitamente sangrientas a la que el público se enfrentó.

Era una película diferente, un experimento para atraer al público porque vemos la atmósfera de lo histórico y parece que en el rollo de celuloide hayan robado (como los protagonistas) el espíritu de la gente humilde que lucha por salir adelante en una sociedad definitivamente injusta y, por eso Bonnie y Clyde, sigue siendo un retrato de actualidad en un suceso ocurrido hace más de 70 años.

L.A. CONFIDENTIAL

Otro cambio en este género se produjo con: L.A. Confidential (1997), adaptación de una novela de James Ellroy, que nos acerca a otra perspectiva más de nuestro tiempo, pero ambientada en la década de los 50 del siglo XX. Este trabajo, que no pasó desapercibido en su día gracias a su reparto de estrellas (Kevin Spacey, Rusell Crowe, Guy Pearce, Kim Basinger) y a su fascinante trama, no deja de encandilar años después de su estreno. Además, hace un merecido homenaje al Hollywood de los primeros años donde los actores eran dioses para la gran mayoría del público. Pero lo verdaderamente interesante es que en ella aparecen mezclados todo tipo de arquetipos, cada uno distinto, que dibujan pizquitas de una intensa claridad que atrae más aún convirtiéndola en una joya del séptimo arte.

Trata de tres agentes de policías de distinto carácter a la hora de hacer su trabajo que se ven obligados a trabajar juntos para resolver un caso de crímenes en Los Ángeles; a partir de ahí hay subtramas que hacen más rica la película llevándola a un final totalmente inesperado. ¿Quién será el criminal?

En el plano técnico es muy innovadora porque recrea el ambiente de la época dorada del cine donde el color, la fisonomía del ambiente y el dialogo, que tenían algo de otra galaxia… casi celestial; todo está más que medido porque no hay ninguna grieta en su secuencia de imágenes ni en su milimétrico guión. Pero L. A. Confidential es más que una película de cine negro y de gángsters porque trata de acercarse a los medios de comunicación y critica, en especial, a la prensa rosa representada por una revista de cotilleo que se mezcla en la historia casi sin descanso.

Para terminar con está analítica hay que decir que ésta supuso un cambio en la estructura del cine dedicado a los gángsters y un prodigioso acercamiento al cine con mayúsculas de las primeras luces del cine negro, tal vez el trabajo más valiente y respetado de estos últimos años donde se mezclan criminales con hombres de la justicia…Un noir clásico contemporáneo que debería ser recordado y visionado en todos los textos sobre este tipo de trabajos cinematográficos.

No sé adonde llegará este género porque el alma del gángster subyace en la corrupción del ser humano y sirve para magnificar nuestras faltas espirituales; por esa razón, esta forma de contar historias, con estos individuos que tienen algo de nosotros mezclado con su tiempo, son tan recurrentes para los directores de cine aún en la actualidad.

Así pues, el cine de gángsters saca a la luz nuestras sombras escondidas y nuestro lado indeseable en películas en las cuáles su meta es denunciar su propia historia. Reflejan aquello que más odiamos para vernos a nosotros mismos en un gigantesco espejo.

JORGE GIRBAU BUSTOS.-

Pie de foto: L.A. Confidential, un excelente noir convertido en clásico contemporáneo.

EL EQUIPO A DE LA BRIGADA ANTIGANGSTERS

Ruben Fleischer sorprendió hace 4 años con una ópera prima llena de frescura y sentido lúdico, Bienvenidos a Zombieland, que relataba las divertidas peripecias de un caza-zombies y su enamoradizo acompañante. Esta película salpicaba sus escenas más "gore" con muchos momentos jocosos de delirante comedia. Su segunda película 30 minutos o menos repetía la fórmula de combinar comedia, esta vez con thriller de atracos "imperfectos", pasando más desapercibida. Si tenían algo en común estas dos películas era su sentido del humor y su falta de pretensiones.

Para su tercer film, Fleischer ha pretendido ser mucho más ambicioso: volver a los años 40, la época dorada de los gángsters por todo lo alto, con un buen diseño de producción, una impecable factura de cine negro y un reparto de auténtico lujo: Sean Penn (como el rey de la mafia de L.A., Mickey Cohen) y Josh Brolin (sargento John O´Mara), Ryan Gosling (Jerry Wooters) y Emma Stone (la chica del gánsgster, Grace Faraday). Y esa ambición, le ha pasado factura, sobre todo en las escenas en que la película (que va de más a menos) se intenta poner trascendente.

La trama explica cómo se formó un grupo de policias secretos de Los Ángeles con el único objetivo de dar caza y captura a uno de los capos de la Mafia californiana: Mickey Cohen. Lo peor de la función es que el guión de la película es bastante simple y previsible (el espectador atento será capaz de anticipar lo que va a suceder diez minutos antes de que ocurra).

No es un guión impecable ni milimétrico como el de L.A. Confidential ni siquiera como Los intocables de Eliott Ness. Aunque estas puedan ser las referencias de este film, nos hemos de tomar Gangster Squad como lo que en realidad es: un divertimento a caballo entre el cine de gángsters y el noir, que sólo funciona cuando no se toma en serio a sí misma. Relata las peripecias policiales de una banda de L.A. que parece "El equipo A" para tratar de capturar al mafioso Mickey Cohen. Acción, tiros y diversión para una película muy entretenida y 100% disfrutable. Lo mejor: ver en acción a una glamourosa pareja de guapos que ya nos cautivó por su química romántica y cómica en Crazy stupid love, de John Requa y John Ficarra: Emma Stone y Ryan Gosling.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Glamourosos e impecablemente trajados y peinados, la pareja Stone-Gosling hará las delicias de sus admiradores.

TERROR DE INFANCIA Y TERROR DE PADRES PRIMERIZOS

Mamá, de Andy Muschietti, toma la idea argumental, así como la estética de cuento de terror gótico del corto del mismo nombre que encandiló al público del Festival de Sitges en 2008. Guillermo del Toro, con bastante ojo a la hora de descubrir nuevos talentos del género -no olvidemos que él apadrinó al ahora maestro J.A.Bayona en su ópera prima El orfanato-, se fijó en el potencial de esta historia para hacer un largo.

¿Quién es esa mamá que reza el título? Es el espíritu de una que lo fue en su pasado y que, tras cuidar durante cinco años de dos niñas pequeñas cuyos padres han fallecido en trágicas circustancias en una cabaña del bosque, volverá hasta su nueva casa de acogida. Las dos niñas, Victoria (Megan Charpentier) y Lilly (Isabelle Nélisse) se han criado como dos salvajes y presentan dificultades de adaptación al mundo real, así como una conducta extraña y disociada.

No obstante, su tío Lucas (Nikolaj Coster-Waldau) y la pareja de éste, Annabella (Jessica Chastain), dos artistas bohemios con escaso sentido de la responsabilidad en su vida diaria, deciden hacerse cargo de las pequeñas para conseguir que tengan una vida normal. Pero una fantasmagórica presencia también requiere de la atención y cariño de las niñas y no está dispuesta a ponerles las cosas fáciles. 

Basándose en las premisas de un cuento de hadas gótico, la cinta se trasmuta en una historia de terror clásica, donde importan más los elementos de thriller sobrenatural y las referencias al drama familiar de unas pequeñas criadas como "el buen salvaje", sin ningún afecto ni contacto humano durante años. Y, aunque hay sustos, golpes de efecto y banda sonora inquietante (a cargo de Fernando Velázquez, autor de Lo imposible) en el desarrollo de la trama, interesa más profundizar en la psicología de sus personajes y en cómo estos evolucionan a lo largo de la trama. 

Así pues, no nos encontraremos gore ni sangre, pues su terror se basa en lo cotidiano, en los miedos y los terrores de la más tierna infancia, carente de amor y cariño para su posterior desarrollo como personas; así como del terror que sienten unos "padres forzosos" y "primerizos" que, de buenas a primeras, se encuentran con dos niñas con un comportamento desviadamente perturbado. Algunas soluciones técnicas son bastante acertadas (como el uso de los fuera de plano y de cámara para introducir el personaje del "maternal" fantasma) y la tensión va in-crecendo, poco a poco, hasta resultar progresivamente más envolvente y asfixiante. 

En definitiva, una película para todos aquellos amantes de los reversos tenebrosos de los cuentos de hadas y de los dramas familiares, en su vertiente más oscura y malsana. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Annabella se ve implicada en la extraña historia de sus "sobrinas", Victoria y Lily.

LA ALEGRIA DEL NO

No, de Pablo Larraín, supone la puesta en escena del referéndum que se celebró en Chile en 1988 para ratificar al dictador Augusto Pinochet en el poder. La película tuvo una gran acogida en la Quincena de Realizadores de Cannes,así como en la pasada edición del Festival de San Sebastián y competirá al Oscar por Chile como mejor película extranjera junto a Kon-Tiki, War Witch, A Royal Affaire y Amour.

El director se sirve de un memorable Gael García Bernal como protagonista para documentar el devenir de la campaña mediática en contra del régimen. El personaje de Gael es René, un exitoso publicista producto del neoliberalismo chileno quien por convicciones personales decide hacerse cargo de la campaña a favor del "no" a Pinochet y a su Gobierno.

La tarea de René no es fácil, pues tendrá que vencer las dificultades interpuestas por su entorno profesional y tampoco se lo pondrá fácil su cliente, la heterogénea oposición a la dictadura. Por si fuera poco para René, también tendrá cargar sobre sus espaldas con su desestructurado matrimonio. A pesar de todo René llevará a cabo su labor, haciendo concesiones, pero inquebrantable en su convicción.

Usando cámaras de la época e imágenes de archivo, la cinta adquiere tono de documental y de crónica de los acontecimientos muy atractiva y pedagógica que consigue que el espectador de sumerja en la historia y vaya con los sus protagonistas en su travesía. En ésta, nos encontraremos con un compañero de viaje inesperado en forma de pegadiza melodía con formato de jingle publicitario: Chile, la alegría ya viene. Efectivo y divertido a partes iguales.

A pesar que haya algunas pinceladas de humor absurdo y socarrón, la película es un drama. No hay que olvidar el dolor causado en Chile durante casi dos décadas. Es por ello que sorprende cómo la cura para el dolor no es el resentimiento ni la venganza, es la alegría: cantar la alegría del No.

DAVID PALOMAR RUBIO.-

Pie de foto: Chile...la alegría ya viene!!!

LO IMPOSIBLE Y BLANCANIEVES, GRANDES TRIUNFADORAS EN LOS GAUDÍ

La pasada noche tuvo lugar en Barcelona la 5ª edición de los Premis Gaudí de Cinematografía en una ceremonia muy ágil y divertida presentada por Andreu Buenafuente. Los principales galardones se repartieron entre tres películas: Blancanieves, que se alzó con el de mejor film en catalán (a pesar de ser muda, como todos sabéis); Una pistola en cada mano, que recibió el premio a película hablada en otra lengua, aparte del guión y dos de sus actores secundarios y especialmente, Lo imposible que, aparte de varios premios en categorías técnicas, se alzó con el de mejor film europeo y mejor director para J.A. Bayona. Els nens salvatges se tuvo que conformar con el premio al mejor actor para Àlex Monner y El Bosc con el de mejor actriz para María Molins, mientras que Fènix 11:23 fue la gran derrrotada de la noche, pues se fue completamente de vacío. Asimismo, la exitosa cinta de animación Las aventuras de Tadeo Jones, se llevó mejor film de animación y premio a los efectos especiales. Con los resultados de los Gaudí, podemos preveer que en los Goya dos películas se repartirán el pastel: Blancanieves y Lo imposible. La respuesta: el próximo 17 de febrero. A continuación, os repasamos la lista completa de premiados.

 

- Film en catalán: Blancanieves.

 
- Film en otra lengua: Una pistola en cada mano.

 
- Director: Juan Antonio Bayona (Lo imposible).

 
- Guión: Tomàs Aragay y Cesc Gay (Una pistola en cada mano).

 
- Actor: Àlex Monner (Los niños salvajes).

 
- Actriz: María Molins (El bosque).

 
- Actor secundario: Eduard Fernández (Una pistola en cada mano).

 
- Actriz secundaria: Candela Peña (Una pistola en cada mano).

 
- Fotografía: Óscar Faura (Lo imposible).

 
- Montaje: Elena Ruiz y Bernat Vilaplana (Lo imposible).

 
- Música Original: Alfonso de Vilallonga (Blancanieves).

 
-Dirección artística: Alain Bainée (Blancanieves).

 
- Sonido: Oriol Tarragó y Marc Orts (Lo imposible).

 
-Efectos especiales:J.Mª Aragonés (Las aventuras de Tadeo Jones).

 
- Dirección producción: Eduard Vallès (The Pelayos).

- Maquillaje-peluquería: David Martí y Montse Ribé (Lo imposible).

- Vestuario: Paco Delgado (Blancanieves).

- Film europeo: Lo imposible, de Juan Antonio Bayona.

- Corto: Luisa no está en casa, de Celia Rico.

- Documental:Jordi Dauder, la revolució pendent, Antoni Verdaguer.

- Mejor film de animación: Las aventuras de Tadeo Jones, Felip Solé.

- Film para TV: Tornarem, de Felip Solé (TVC y TVE).

- Gaudí de honor por una trayectoria: Montserrat Carulla.

Pie de foto: J.A.Bayona y el equipo de Lo imposible arrasó en los Premios Gaudí con 6 estatuillas, relegando a Blancanieves y a Una pistola en cada mano.

SER UN INADAPTADO SOCIAL

Las ventajas de ser un marginado, de Stephen Chbosky, -que también ejerce como guionista de su propia novela adaptada a la gran pantalla- no es sólo cine hecho por y para adolescentes. Aunque parezca la enésima revisión de "chico inadaptado y rarito que busca su lugar en el mundo", la película va un poco más allá.

La trama nos presenta a Charlie (Logan Lerman), un estudiante tímido que perdió a su mejor amigo en trágicas circustancias. Volver al instituto para su primer año de preparatoria antes de la Universidad, se le antoja todo un mundo. Suerte que conocerá a Patrick (Ezra Miller) y a Sam (Emma Watson), dos hermanastros con un universo muy particular. Además, Charlie tiene un trauma en su pasado, que a nadie quiere revelar...

A través de la música que escuchan, las referencias cinéfilo-teatrales que tienen (Rocky Horror Picture Show) y de las experiencias que vivirán juntos, el trío protagonista se enfrentará al viaje iniciático y no siempre sencillo que resulta al pasar de la adolescencia a la edad adulta. 

Con reminiscencias a otros títulos también "de culto", tales como Jóvenes Prodigiosos (Curtis Hanson, 2000); Nick y Nora: una noche de música y amor (Peter Sollet, 2008), Adventureland (Greg Mottola, 2009) en cuanto a la temática de viaje iniciático y de maneras de afrontar las vicisitudes de la juventud, Las ventajas de ser un marginado respira escenas de verdad y profundidas al presentar también el problema de las adicciones, de los abusos, o incluso tocar un tema tabú, como la homosexualidad. En algún momento, el protagonista nos ha parecido que sufría la alienación de aquel Jake Gyllenhaal totalmente perdido de Donnie Darko (Richard Kelly, 2001), aunque la película ni es tan perturbadora ni tan fantástica como aquella.

Así pues, la cinta contentará a todos aquellos amantes de las películas de instituto americanas a contracorriente, pues tiene un sello propio y definible que la eleva como una de las propuestas indies más estimulantes de la temporada.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Emma Watson, Ezra Miller y Logan Lerman, perfecto trío de amigos en busca de su lugar en el mundo.

TEDIO

Con apenas 3 películas en su haber el cineasta portugués Miguel Gomes ha logrado fascinar a propios y extraños. Su cine ha conseguido hacerse un hueco en el panorama cinematográfico actual y por ello se ha convertido en un asiduo de los festivales más importantes del mundo. La crítica especializada le ha granjeado numerosos y grandes elogios que no están al alcance de todos. Al parecer es un autor que dará mucho que hablar en el futuro. Un autor que destaca en los tiempos que corren por su singularidad. Se puede afirmar sin miedo a equivocarse que la crítica ha descubierto a un espécimen llamado Miguel Gomes, pero ahora les toca a los espectadores conocer y juzgar su obra. Está claro que habrá división de opiniones, pero eso es normal cuando se trata de un autor de estas características.

Su último trabajo Tabú (2012) que se presentó en la pasada edición de la Berlinale asombró a muchos de los espectadores allí reunidos y no sólo eso, sino que se llevó el premio de la crítica. Sus seguidores hablan de su cine como si fuera algo mágico, y eso es precisamente lo que pretende el autor, que es nada más y nada menos que redescubrir la inocencia de la vida a través del cine. Como es sabido hoy en día las historias que se pueden ver en los cines son demasiado sórdidas y desconcertantes. El cine actual es demasiado descarnado y se ensaña con el espectador de mala manera. El mensaje que se nos transmite es que el alma humana está enferma. Si en el cine clásico americano todo estaba bajo el influjo del idealismo de aquella época, en el cine contemporáneo no hay sitio para la esperanza ni para la inocencia. Además, los grandes autores europeos como Haneke también se decantan por ese tipo de cine. Un cine que golpea donde más duele. Que desentraña las miserias del ser humano con mucha frialdad.

Por lo tanto, haciendo caso omiso al cine dominante Gomes pretende recuperar la magia del cine de antaño. Una misión nada desdeñable, pero que parece complicado, todo hay que decirlo. Ese cine que nos permitía soñar con grandes historias de amor que acababan convirtiéndose en leyendas, en clásicos imperecederos de todos los tiempos. Tabú al igual que Aquel querido mes de agosto (2008) nos habla del amor. De amores prohibidos, para ser más exactos. En la primera película mencionada somos testigos de un adulterio que nos hace recordar inevitablemente aquella historia de amor que vivieron los protagonistas de Memorias de África (Sidney Pollack, 1985), ya que, sucede también en un lugar recóndito del continente africano. El espectador de hoy en día no puede imaginarse una historia de amor en tierras africanas sin que venga a la memoria el clásico de Sidney Pollack. El espectador tiene muchas escenas de la historia del cine grabadas en su retina como si fueran un tesoro, y cuando uno está viendo Tabú vienen a la memoria maravillosas y conmovedoras escenas que han tenido lugar en África, ese paraíso imaginario y de ensueño.

Tabú, que está dividido en dos partes tituladas Paraíso, y Paraíso Perdido, hace referencia a Tabú, la obra que dirigió Murnau en 1931 con la ayuda de Robert Flaherty. Por otro lado, Aquel querido mes de agosto nos cuenta la historia de dos primos que se llevan estupendamente bien y que acaban enamorándose el uno del otro. Y en las películas de Gomes la música juega un papel fundamental. Se puede decir que el amor que siente por la música es tan grande como el amor. Pero no utiliza la música como lo hace Tarantino, sino que le gusta que la música sea diegética, es decir, que brote desde el interior del plano, no que se añada a posteriori en la sala de montaje. La vida es música, y la música es vida.

El objetivo de Gomes es que viajemos en el tiempo porque sus historias pretenden sacar a la luz historias e imágenes que guardamos con mucho cariño en nuestra memoria. La memoria de la pantalla cobra vida de repente. Nuestros propios recuerdos se funden con la memoria del cine. Las experiencias de cada uno y las experiencias ajenas se funden en un todo y se vuelven indistinguibles. El cine se nutre de la realidad, pero está claro que la realidad también se nutre de ficciones e historias de todos los tiempos. Nosotros hemos crecido con imágenes de todo tipo, y esas imágenes nos permitían soñar despiertos. El deseo se nutre de las imágenes que hemos visto a lo largo de nuestra vida. Nos hacen vibrar y soñar con mundos nuevos, con amores imposibles. Gomes quiere mostrarnos el paraíso que creíamos perdido.

Puedo compartir el objetivo que pretende llevar a cabo Gomes, pero para algunos su cine no es mágico, sino aburrido y carente de interés. A algunos les gustará su estilo, pero a otros no les transmitirá más que sopor. Puedo estar de acuerdo con sus objetivos y sus teorías, pero su cine me produce tedio. No me dice nada. Hay otros autores que proponen esa misma reflexión, pero que en mi opinión lo hacen de una manera más acertada.  

BEÑAT EIZAGIRRE INDO.-

Pie de foto: Amores ilícitos en el contiente africano.

DETRÁS DE PSYCHO...

Una de las obras maestras de Hitchcock es, sin lugar a dudas, Psycho (Psicosis), una masterpiece cumbre del género de terror y el thriller psicológico con una particularidad brutal: en una memorable escena de un asesinato en la ducha bajo los violoncelos de Bernard Herrmann, moría en su primer tramo de película, su protagonista femenina, una rubia infiel, interpretada por Janet Leigh.

No es de extrañar que, tras esa película se hayase una preparación y un rodaje lleno de anécdotas jugosas. Ahora Sacha Gervasi, pretende recoger todo este anecdotario como pilar fundamental de su película, Hitchcock, un homenaje al mago del suspense más grande de todos los tiempos.

Para ello, se rodea de un elenco impresionante, encabezado por Sir Anthony Hopkins, quien pone toda su maestría -ayudado por una desigual caracterización para interpretar a Hitch-. Asimismo, le rodean Alma, su desconfiada y a la vez diligente esposa, que se encargaba también del montaje y le hacía de asistente de dirección (una estupenda Helen Mirren) y todo el equipo de la película: Janet Leigh como Marion Crane (Scarlett Johansson), Vera Miles, como su hermana Lila crane (Jessica Biel) y Anthony Perkins, como el perturbado Norman Bates (James D´Arcy).

De la mano de todos ellos descubrimos los entresijos del rodaje, es decir, cómo se preparó la película, los problemas que les puso la Paramount, las prubas de cast, la planificación de las secuencias, etc. Un dato curioso es saber que el psicópata Ed Gein, el carnicero de Plainfield, fue su inspiración para crear el personaje psicopático y padeciente del mito de Electra, Norman Bates.

Así pues, quien se piense que este nuevo Hitchcock es un remake de Psicosis al estilo del que firmó hace unos años Gus Vas Sant con Anne Heche y Vince Vaughn, va muy equivocado, pues de una obra maestra indiscutible, difícilmente se puede sacar otra.

En cambio, la película está especialmente recomendada para fans de uno de los mejores directores de la historia y para aquellos que disfruten saboreando qué se encondía detrás de la cortina de la ducha más temible a la vez que famosa de la historia del cine. Un buen ejercicio que os proponemos es que revisitéis el clásico para ver si le ha afectado o no el paso del tiempo y que luego os acerquéis a ver este entretenido anecdotario sobre su filmación que es Hitchcock.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Hitchcock, uno de los perfiles más característicos del cine de terror y suspense clásicos.

NORMAN BATES A TRAVÉS DEL CINE

Hace poco estaba en el cine y escuché a una pareja un comentario sobre el trailer de Hitchcock, (2012) la película que se estrena en España el día 1 de Febrero sobre el rodaje de: Psicosis (1960), protagonizada por Anthony Hopkins. ¡Esa película de Psicosis yo la vi y es en blanco y negro! ¡pero está bien!. Sí, tiene buena pinta alguna vez he visto escenas de la película pero es muy antigua.

Esos comentarios me llamaron la atención y pensé que aprovechando el estreno de Hitchcock podía escribir una analítica de Psicosis para intentar, por lo menos, acercar este clásico de la década de los 60 del siglo pasado al gran público que puebla hoy las salas de cine.

 Para empezar a analizar está película hay que empatizar con la obra porque Psicosis trazó una línea imaginaria entre el pasado y el futuro por cómo está rodada y contada; el director prescindió para este trabajo del color porque entendió que el blanco y negro podía sugerir más el miedo psicológico y no psicológico al que nos enfrentamos durante toda la proyección sin aparente descanso.

Pero hablemos de las novedades argumentales y también visuales de este prodigioso film: Hitchcock se atreve en un alarde de absoluta maestría a cambiar el hilo argumental a los 45 minutos de película. Hoy en día este cambio es uno de los más conocidos del séptimo arte pero en su día era tan sólo un experimento para angustiar al espectador (¡me refiero a la escena de la ducha!), entonces nos damos cuenta que la verdadera historia no era con la que habíamos empezado, sinó que esa historia era tan sólo una excusa para adentrarnos en otra aún más terrorífica que la del principio.

Así conocemos al inquietante Norman Bates interpretado por Anthony Perkins, un joven obsesionado con su madre, que le hace cometer crímenes regidos siempre por un carácter bipolar muy frecuente en el protagonista.

Psicosis es una novela, con el mismo nombre, de Robert Bloch publicada a finales de la década de los 50 que el genio cinematográfico adaptó fielmente al texto original, pero gracias al misterio del rodaje y salvaguardar su final la hizo mucho más reconocida que el libro. Norman Bates es uno de los personajes más malvados de toda la historia del cine porque el buen cinéfilo que ha visto esta película varias veces lo ha colocado en el ranking de los malvados y astutos de esa galería de delincuentes y asesinos a la que el cine tiene especial cariño.

 Pero, ¿qué le hace a este perturbado mental ser tan reconocido para el cine? Este personaje es rico en el plano artístico porque sus matices llenan la pantalla estremeciéndonos de terror cada vez que aparece con una actitud bastante fría, muestra muy poco de su verdadero carácter aunque desde un primer momento sabemos que algo esconde y no es nada bueno. Tal vez los planos que le dedica Hitchcock en la película sean más acusadores que sus propios movimientos y situaciones.

En Psicosis se nos plantea el odio o amor intenso en las relaciones familiares. En este caso (madre – hijo) llegando a un extremo perjudicial y poco conciliador con sus semejantes; que esta obra, tanto literaria como cinematográfica, la trata como si fuese una guerra cruel que amenaza a la convivencia de las familias y que la ha sacudido desde que el mundo es mundo. Tal vez Hitchcock vio aquí un filón para cambiar su filmografía y alertar al mundo sobre el horror que puede causar algo básico.

Han pasado más de 50 años de su estreno y aún esta gran película nos atemoriza y nos advierte a partes iguales sobre el colapso familiar al que esta vida no ha dejado ni por un segundo de enfrentarse duramente.

JORGE GIRBAU BUSTOS.-

Pie de foto: ¿Qué se esconde tras la inquietante mirada de Norman Bates?

 

ARNIE´S COMING BACK

Kim-Ji-Boon es un interesante director surcoreano con un estilo visual y narrativo impecable, demostrado tanto en sus películas de terror, de impecable factura tanto técnica como emocional, como Dos hermanas y Encontré al diablo, como en el divertimento cinéfilo, homenaje al spaghetti-western que era El bueno, el malo y el raro. Para su debut en Hollywood, El último desafío, el realizador vuelve a homenajear a las películas de Sergio Leone en una cinta de acción policial, que supone en regreso de Arnold Schwarzenegger a los papeles protagonistas que tan fama le dieron (Mentiras Arriesgadas, Terminator...). 

La trama es muy sencilla: dos hombres, uno que pertenece al cartel mejicano de la droga y está huyendo (Eduardo Noriega en uno de sus escasos papeles de villano, a nivel internacional), el otro es el sheriff de un pueblo trasfronterizo de mala muerte, que debe darle caza. Con estas premisas y estos personajes, la película se presenta como un refrito entre varios géneros cinematográficos: por un lado, tenemos la típica película de acción policíaca; por la otra, dos antagonistas muy extremos persiguiéndose, que se acabarán batiendo en duelo, como en los archifamosos spaghettis antes citados. 

La gracia de la propuesta, aparte del cóctel de géneros, es su sentido del humor -con un Arnie muy capaz de reírse de sí mismo, terrenó que ya pisó últimamente en su jocosa intervención en Los Mercenarios 2, de Simon West. Humor y violencia, a base de múltiples estallidos hemoglobínicos, que seguramente hará las delicias de los correligionarios no sólo del director surcoreano, sinó de los de Quentin Tarantino. Así pues, la película se ve y se disfruta, pues es muy entretenida, pues da lo que promete, pero no le pidamos ir más allá y construir un discurso de reflexión. Es cine de evasión palomitero al 100%.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Arnie vuelve al cine de acción por la puerta grande.

UNA PEQUEÑA GOTA EN UN INFINITO UNIVERSO

Bestias del Sur Salvaje, de Behn Zeitlin, es una de las sorpresas de la temporada y no sólo por haber conseguido 4 de las principales nominaciones a los Oscar (película, director, guión adaptado y actriz principal), sinó sobre todo porque estamos ante una película mágica, especial y fascinante, que posiblemente sea amada sólo por una selecta minoría. 

La película es una pequeña gran historia de supervivencia sobre aquello que nos hace humanos y nos conecta con el resto del Universo. Hushpuppy es una imaginativa niña de 6 años que vive con su padre en La Bañera (un pueblo imaginario situado a las orillas del Misissipi). Son felices con lo poco que poseen e incluso las inundaciones y los entierros son celebrados con una gran fiestas entre vecinos. Un día llega una gran inundación que parece asolarlo todo, amenazando su supervivencia, así como la niña descubre que su papá está gravemente enfermo, lo que aún acaba de trastocar más si cabe su mundo...

Con estas premisas, Zeitlin costruye en su ópera prima un hermoso relato de enorme poesía visual, pues a las poderosas imágenes les acompaña una banda sonora con mucha fuerza y magia compuesta por el mismo director junto a Dan Romer, sólo hay que ver el impresionante amalgama de sonidos e imágenes del principio de la película. Se trata de una fábula que habla de aquellas pequeñas cosas que son lo que hace que la vida tenga sentido, es decir, que si al Universo le falla una pieza, hay que mirar de recomponerla para que todo vuelva a su orden. Asimismo, también está muy presente el mito del buen salvaje Roussoniano en la manera de vivir de sus protagonistas, libres e indomables. 

La relación familiar que se establece entre dos actores debutantes es de gran complicidad. Por un lado, la fascinante Quevenzhané Wallis -un prodigio de exprevisividad y una auténtica fuerza de la Naturaleza, que la ha llevado, a pesar de sus pocas líneas de diálogo, a ser nominada al Oscar como actriz principal- y por otro, el rebelde Wink (Dwight Henry), que se dedicaba a la panadería. Todo entre ellos suena a autenticidad, como lo es alguna de las escenas paterno-filiales más emocionantes que se han visto últimamente en la gran pantalla. 

La libertad del individuo, las ansias de vivir, el sentido de supervivencia tras un desastre natural que amenaza con acabar con su mundo, la solidaridad en tiempos difíciles y el poder de la familia son algunos de los temas por los que la película transita, de manera nada ortodoxa, sinó con mucha imaginación y originalidad, creando un relato único sobre lo pequeños -y a la vez grandes- que somos dentro del Orden del Universo. Una historia para dejarse sorprender, conmover y disfrutar, una pequeña gran joya que puede dar la sopresa en los próximos Oscar el 24 de febrero.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: La historia de Hushpuppy con su papá emocionará a las plateas.