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61 ZINEMALDIA: LOS FILMS DE FIRTH DECEPCIONAN, MCCONAUGHEY SORPRENDE Y JIA ZHANGKE VUELVE A DEMOSTRAR SU MAESTRÍA

61 ZINEMALDIA: LOS FILMS DE FIRTH DECEPCIONAN, MCCONAUGHEY SORPRENDE Y JIA ZHANGKE VUELVE A DEMOSTRAR SU MAESTRÍA

¿Otra vez? La primera cinta de ayer miércoles no empezó con buen pie. Después del pase vespertino para la prensa el dia anterior, el público ha podido ver lo último de Johnatan Teplitzky con Colin Firth y Nicole Kidman: Un largo viaje. Uno de los films mas esperados (sobre todo por su reparto) que, por desgracia, ha vuelto a ser una decepción importante. Y ya llevamos unas cuantas, teniendo en cuenta lo bien que empezamos esta 61 edición del Zinemaldia.

Una buena historia que, si bien tiene una gran resolución final, deambula en la progresión tediosa, pomposa y artificial durante el resto de metraje. Sus buenos factores y reparto no sirven para rescatar esta historia del tedio. Después de una presentación de personajes que recuerda a una versión autoparódica de Corín Tellado, nos adentramos en los traumas bélicos de Lomax, donde la pretenciosidad y la impersonalidad se dan de la mano con el simulacro, cosa que un film de estas características nunca puede hacer.

Después de este viaje por el melodrama era el turno de otra ración de Perlas: la del film de Jia Zhangke. La cinta del director de Plattform o Naturaleza Muerta trata el tema de la violencia y su título es A Touch of Sin. Cuatro personajes, cuatro provincias  diferentes y una reflexión sobre la sociedad china contemporánea: Un universo con un espectacular incremento económico el cuál, sin embargo, va ligado a una violencia contenida. Y es la que estalla en la pantalla sin edulcorantes. Una propuesta que acaba siendo con toda probabilidad la apuesta mas impactante de su creador. Porque esta vez no valen los espectadores con estómagos sensibles en la sala. Es cruda como la violencia real.

Para saber más sobre este laureado realizador, hemos podido entrevistarle para saber algo más sobre él y su obra. Un director, que después de debutar con su homenaje a Robert Bresson, (Pickpocket) en 1998 se ha convertido en el realizador más reputado del cine asiático; siendo admirado por directores de la talla de Steven Spielberg o Quentin Tarantino.

Según su particular visión del cine, contenida en su película, A touch of Sin y, por extensión, a su filmografia, el director nacido en Fanyang nos ha dicho lo siguiente:"Me gusta muchar rodar mis películas en formato documental porque me gusta la originalidad y naturalidad de la vida". Respecto al Jia Zhangke de sus inicios y el actual, el cineasta nos dice que su cine ha evolucionado en diferentes aspectos. "Antes de 2008, me centraba mucho mas en los personajes, pero ahora me fijo mucho mas en sus historias". Sobre si la reacción de Spielberg en Cannes tras el visionado de su último trabajo y si este va a suponer un paso al cine de Hollywood, Jia Zhangke se muestra prudente y dice " No, no creo". Aunque tras esta modestia haya el director asiático mas vitoreado por la prensa cinematogràfica internacional.

Por su parte, Colin Firth ha presentado otra pelicula suya a concurso. Ni más ni menos que Devil’s Knot. El film, dirigido por Atom Egoyan y basado en una historia real, la de tres niños de 8 años, que son brutalmente asesinados en Memphis, mientras que las autoridades locales se ven sometidas a una gran presión popular para dar rápidamente con los culpables. Una serie de pruebas circunstanciales unidas a las habladurías de la gente dan pie a una caza de brujas contra tres muchachos satánicos. Reese Witherspoon, Colin Firth, Mireille Enos y Kevin Durand son los protagonistas de esta confusa y artificiosa historia, configurada como un telefilm de sobremesa maniqueo de forma exagerada. No se entiende que un producto de tal bajo calado esté compitiendo en Sección Oficial. Y mucho menos que lo firme Egoyan en la dirección.

Pero para quitarnos el mal sabor de boca estaba Dallas Buyer Club. ¿Qué mejor forma de despedir el día que este cruce entre Breaking Bad (aunque mas bien Breaking Good, en este caso), Californication tejano, Johnny Q y Philadelphia? ¿Qué mejor manera de irse a dormir recordando las espectaculares performances del protagonista de Mud y de Jared Leto? Quizás lo mas flojo de esta gran historia sea su final, un desenlace algo tosco y apresurado.Pero este relato está lleno de humor, crudeza y tristeza, a partes iguales. La cinta, basada en la vida real de Ron Woodroof, drogadicto y mujeriego, al que en 1986 le diagnosticaron el SIDA, es un estupendo film que le puede traer la primera nominación al Oscar a Matthew McConaughey. Le seguiremos la pista. Y nosotros mañana...seguiremos informando.

JOAN BOTER ARJONA.-

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61 ZINEMALDIA: DE LAS RISAS AL AZOTE POLÍTICO DE OLIVER STONE

El martes por la mañana era la de las risas por partida doble: La sátira política de Quai d’Orsay, de Bertrand Tavernier, en sección oficial y en Perlas, About Time de Richard Curtis. La primera es una comedia francesa protagonizada por Alexandre Taillard de Vorms, Ministro de Asuntos Exteriores de Francia, siempre dispuesto a tratar con los poderosos y consolidar su candidatura para el Premio Nobel de la Paz. Una cinta que ha arrancado muchas carcajadas en su pase de prensa, pero es demasiado plana, reiterativa y lineal, amén de tener un humor excesivamente intelectualizado para mi gusto. No voy a negar que tiene momentos divertidos e inspirados, pero todo esta estirado a la extenuación del vacío.

Y esta vez sí seguimos con risas. Con risas que acaban en llanto. Y que emocionan. Y que hacen pensar. Estamos hablando de la última pelicula de Richard Curtis, About Time.Tras ayudar en el guion de War horse (Caballo de batalla) de Steven Spielberg, Curtis comenzó a trabajar en esta comedia romántica  sobre viajes en el tiempo al más puro estilo Atrapado en el Tiempo, donde el director de Love Actually deja su sello y su habilidad para dominar los recursos de la comedia dramática de forma envidiable. En ella, Domhnall Gleeson, tiene el don de viajar en el tiempo y usará esta habilidad para conquistar a la chica de sus sueños (angelical Rachel McAdams acostumbrada a las historias románticas en El Diario de Noa y a los viajes temporales, en Más allá del tiempo). Este es el punto de partida de una historia sobre la vida que va mucho mas allá de su premisa inicial. La mejor comedia del año con diferencia se titulará en nuestro país Una cuestión de tiempoy llegará en nuestros cines el 18 de octubre. No se la pierdan.

Cambiando de tercio, hoy se han emitido los dos últimos capítulos del documental drigido por Oliver Stone: The Untold Story of United States. Stone ha narrado y escrito este "martillo" contra la política de su país en colaboración con Peter Kuznick, profesor de Historia y director del Instituto de Estudios Nucleares de la American University. Esta serie de doce episodios de una hora de duración se centra en una serie de hechos de los que nunca se informó en su momento, pero que forjaron de manera crucial la singular y compleja historia de Estados Unidos en el siglo XX hasta nuestros días.

Al finalizar la serie, Oliver Stone ha respondido a las preguntas de los espectadores y de este redactor, que ha tenido la oportunidad de entrevistarlo. Le han preguntado sobre los dos últimos episodios que abarcan los 13 primeros años de este nuevo siglo. Stone es muy crítico con la política, no sólo del presidente George W. Bush, sinó también con el actual presidente Obama. Además hace hincapié en la política que ejerce USA frente a China "Estados Unidos tiene un miedo económico, pero China nunca va a pasar a Estados Unidos como número 1 económico del mundo". Y es que hay que recordar que en los últimos años se están mudando las grandes productoras de Hollywood al continente asiático, pero Stone aún cree que su país tiene cuerda para rato...muy a su pesar.

Y hoy se presenta otro día muy cargado de cine. Enemy parece que suena menos para la Concha, después de la llegada del film de Trueba. Pero faltan aún varias peliculas en Sección Oficial que aún pueden dar la sorpresa. Así que seguiremos informando.

JOAN BOTER ARJONA.-

61 ZINEMALDIA: GRAVITANDO EN LA TIERRA

Ayer asistimos a la rueda de prensa de Caníbal, donde su director, Manuel Martín Cuenca,presentó su film en el Kursaal después de convencer en su pase de prensa en el día anterior. Su director nos explicó que la sinfonía de silencios del que se compone el film se basa en la pintura, máxima fuente de inspiración de su cine. Sobre su personaje, Antonio de la Torre, aparte de bromear sobre si sigue "tomando carne" nos dijo que una de las cosas más importantes para poder crear su personaje era que "necesitaba sentirse sastre". Otra de las perlas que soltó el actor andaluz fue acerca de su forma de afrontar sus papeles" Yo trabajo desde el alma". Recordamos que la cinta es una de las candidatas a representar a nuestro país en los Oscar.

Pero lamentablemente no todas las "perlas" de este festival relucen como su nombre indica. Porque también tenemos que hablar de una notable decepción: la ganadora del Oso de Oro de Berlín, La Postura del Hijo. La historia de Cornelia, interpretada por Luminita Gheorghiu, una mujer rica de 61 años, que hará todo lo posible por librar de la cárcel de su hijo de 31 por un accidente de tráfico mortal. Sin embargo, la cinta alarga las secuencias hasta el tedio y las sumerge en la frialdad y la linealidad este film dirigido por Calin Peter Netzer. Sólo unos grandes 15 minutos finales "salvan" la película, pero aún así es demasiado coste para un film tan desaprovechado.

Más entusiasmo consiguió la otra Perla del día. Aunque más que entusiasmo fue un clamor general. La ovación más grande con diferencia que ha habido hasta ahora en un pase en esta edición. No es para menos. Estamos hablando de Gravity, la última cinta de Alfonso Cuarón. Hora y media en el espacio con Sandra Bullock y George Clooney. Literalmente. Una experiencia nacida para ser vivida en una sala de cine en 3D. La mejor película del año con diferencia, por lo menos. Gravity es uno de esos films que no se pueden contar con palabras. Hay que vivirlo.

La ovación siguió en la sala de prensa. Alfonso Cuarón contó que tardó cuatro años y medio a llevar este proyecto adelante y que nunca pensaron que sería tan complicado de hacer. La explicación de Cuarón al plano secuencia con el que se construye el film tiene que ver con los documentales de la Nasa. "Todo es un solo plano porque no se puede cortar por alrededor". Además, también hizo hincapié en el punto de vista que querían experimentar en la película, que es absolutamente objetivo a diferencia de la subjetividad de Y tu mamá también. "Es como si el espectador se convirtiera en un tercer astronauta", declaró el director más ovacionado del festival.

No obstante, y cuando nadie esperaba nada después de Gravity, otra cinta (esta vez de Sección Oficial) despertó los mayores vítores en la sala (dentro de concurso, eso sí). Se trata de la comedia dramática de David Trueba, Vivir es con los ojos cerrados. La historia ocurre en la España de 1966, un profesor de escuela va a Almería porque su sueño es conocer a John Lennon, que esta rodando una película y lo hace acompañado de dos jóvenes que se han fugado de casa. Un film que, sin embargo, este cronista tendrá que disentir de la opinión general. Aparte de momentos de humor inspirados y capitaneados con un gran Javier Cámara y del duende que desprende Natalia de Molina, estamos ante un correcto dramedia, de sentimentalismo maniqueo de manual y con un humor que también peca a veces de localista. Pero viendo la percepción de los críticos en general, diríamos que es "su ganadora". Veremos. Seguiremos informando.

JOAN BOTER ARJONA.-

61 ZINEMALDIA: DE UNA BRUJA MULTIPREMIADA A UN CANÍBAL EXQUISITO

En el tercer día en el certamen donostiarra empezamos la mañana con una película de Sección Oficial; la que era para muchos, a priori, una de los posibles favoritas para conseguir la Concha de Oro. Pero, lamentablemente, tenemos que hablar de una notable decepción por parte de este cronista ante el resultado final. Mon âme par toi guérie no me ha convencido. El argumento es el siguiente: Después de la trágica muerte de una curandera, esta traspasa su don a su hijo Freddy, un "bala perdida", que no quiere oír hablar de ella y que lo repudia todo, encerrado en su dolor. Hasta que otro terrible suceso hará que este sanador empiece a aceptar esa extraña cualidad y la use en beneficio de los demás y, a la vez, para consigo mismo. 

Y es que, a pesar de una buena premisa con potencial; de algunos momentos inspirados en su metraje, -sobre todo al inicio-, y un director, quien hace 14 años ganó la Concha de Oro como es François Dupeyron, poco se puede salvar del film. La dispersión de mil subtramas carentes de interés es el mayor talón de Aquiles de la cinta, que termina por hacer naufragar este barco. Durante el camino, el mensaje se hace tan "esquivo" y su metraje es tan innecesario, que se desperdician las bases de lo que podía haber sido un film interesante. La prensa también ha recibido con frialdad esta propuesta. Apenas unos pocos aplausos después de un largo silencio de perplejidad. Veremos si el jurado opina lo mismo.

Ayer domingo era el día en el que Carmen Maura recibió con todo merecimiento su primer Premio Donostia y el primero que recibe en este certamen una actriz española. Hemos tenido el placer de poder charlar con esta gran actriz, que nos ha confesado que creía que "este premio se lo daban a las extranjeras" y que se sorprendió muchísimo cuando le comunicaron que le iban a ofrecer tal distinción. Además, Carmen nos ha hablado de la dura experiencia que ha sido rodar un film como Las Brujas de Zugarramurdi. Las condiciones extremas que actores y figurantes tenían que sufrir, sobre todo en el clímax de la nueva película de Álex de la Iglesia y la rapidez con la que tuvo que ser filmada, hna sido alguno de los aspectos que más ha destacado de la filmación del film. "Yo es de esas veces que me confirmo, que doy gracias a Dios, porque ha sido una película muy dura para Álex". Carmen sólo tiene buenas palabras para el director vasco y le dice que "le encantaría encontrar buenos papeles vengan de donde vengan". "En este momento de mi vida me da igual que la persona sea muy famosa o no le conozca ni Dios, que tenga 50, que tenga 15 ó que tenga 20. Me da igual". Aunque a su edad confiesa "aspiro a trabajar menos". La actriz quiere que su vida profesional no interfiera en su vida personal, así como huir del ritmo de trabajo vertiginoso que lleva varios años arrastrando.

Por su parte, tanto Mario Casas como Hugo Silva nos han dicho que les encantaría trabajar en el extranjero, ya que ambos adoran su profesión. Según Hugo,"este trabajo me hace ser mejor persona". También han querido lanzar una lanza en favor de la comedia, muchas veces denostada por la critica. En palabras de Mario Casas "A mí me parece mucho más complicada la comedia. O te tiras a un pozo o te la juegas y construyes unos personajes que te pueden salir mal o te pueden salir bien". El actor gallego no huye de su imagen mediática, ya que no olvida como aterrizó en la primera plana del escaparate nacional: "Estoy enamorado de películas como A Tres metros Sobre el Cielo y tengo Ganas de ti  porque me han dado muchísimo. Ojalá pudiera hacer siempre ese tipo de personajes, aunque me resulte imposible por la edad, a lo largo de mi vida". 

Por último, ayer se presentó una de las candidatas que se han preseleccionado la Academia del Cine Español para representar a nuestro país a los Oscar. Esta cinta, dirigida por Manuel Martín Cuenca y protagonizada por Antonio de la Torre, es una de las firmas candidatas a día de hoy a llevarse la Concha de Oro, junto con Enemy, de Denis Villeneuve. Y si no lo hace es por el papel protagonista del citado Antonio de la Torre. Su personaje de Carlos , sastre granadino de dia y asesino psicópata en la sombra, tiene todas las papeletas para hacerle merecedor del galardón a mejor actor . Si tuviera que definir este Caníbal sería como un "Dexter" europeo, que también recuerda algo a Hannibal por sus gustos culinarios, con un enfoque minimalista, donde la imagen y el silencio juegan un papel fundamental con su exquisita sutileza, que nos recuerda a El Americano, de Anton Corbijn. Una coproducción de España, Rumanía, Rusia y Francia, que acaba resultando una  verdadera exquisitez. Si resulta nuestra representante en los Oscar, deberá superar los prejuicios de jugar una liga (la del pyschokiller) muy jugada en aquellos lares. Pero difícilmente encontraremos una representante mejor, de tan alto nivel cinematográfico. De lo mejor del festival. La crítica en general, ha salido convencida de la propuesta.

En definitiva, un día completo y una noche aún mas especial. Porque, como hemos comentado antes, ayer noche fue la velada de Carmen Maura: con una expectación afuera del Kursaal digna de las grandes ocasiones. Pero la locura festivalera aún no ha terminado. Sin ir mas lejos, en unas horas nos espera Gravity, una de las Perlas más esperadas del festival. Seguiremos informando.

JOAN BOTER ARJONA.-

61 ZINEMALDIA: DE LA TRANQUILIDAD AL SALVAJISMO

Hoy tocaba inagurar la jornada con otro menú infantil. En este caso con Zipi y Zape y el club de la canica, de Oskar Santos. Unos Harry Potter más Goonies y pulp que los de J. K Rowling, que reformula la mitología del tebeo de Escobar en un espéctaculo infantil, que sobre todo va destinado a los mas pequeños de la casa. Buena factura, ritmo vertiginoso, en especial en el último tercio y una falta de pretensiones acaban por hacer funcionar este más que solvente film que poco tiene que envidiar al mainstream USA.

Aunque quien ha hecho emocionado a la platea es el film del japonés Hirokazu Koreeda y su Like Father Like son. Es cierto que le sobran unos minutos de metraje, pero la delicadeza, la ternura, la inteligencia y, sobre todo, la humanidad es lo que desprende esta magnífica pelicula, que ya dejó a Cannes rendido. Los kleenex circularon en el Victoria Eugenia gracias a esta conmovedora historia. Ryoata, un arquitecto obsesionado por su trabajo, forma con su joven esposa y su hijo de 6 años una familia ideal. Su vida surge un revés cuando la maternidad del hospital, donde nació su hijo, les informa que dos bebes fueron cambiados: El niño que crió no es el suyo y su hijo biológico ha crecido en un medio más humilde. Una historia sobre los valores y la familia que se llevó el Premio del Jurado en Cannes con toda justicia. Hemos tenido el placer de hablar con su director y nos ha explicado el carácter autobiográfico de la cinta y cómo ha jugado en el rodaje para plasmar la espontaneidad que los niños reflejan en la pantalla. Asimismo, nos confiesa su creencia de que el cine asiático cada vez tiene menos repercusión en el mercado internacional. Bastante sorprendente, teniendo en cuento el éxito de Cannes de su última obra y A Touch of sin de Jia Zhangke. Pero la mejor noticia es que este hombre tranquilo tiene 5 proyectos en mente  y que su cine seguirá esa senda autobiográfica y familiar que ya empezó en Still Walking. Esperaremos con ansias sus propuestas.

Y si ayer, os comentamos The Zhero Theorem, hoy seguimos porque esta tarde tuvimos el honor de entrevistar a su director: Terry Gilliam. Además de hablarnos de su última obra, la cual nos ha explicado que se filmó muy deprisa y de forma analógica, nos ha contado que lo que mas le motiva en la vida es hacer peliculas "excepto cuando está haciendo una". Añade que le gusta la controversia que suscitan sus cintas porque eso es lo que pretende. Hacer algo mas que "peliculas majas," que es lo que Hollywood acostumbra a realizar. Gilliam define el film como" un vinilo", puesto que ha huido de la digitalización de la que hizo gala en sus últimos como el Imaginario del Dr Parnassus. Y sigue teniendo en mente su añorado proyecto de Don Quijote...

Después. fue el turno de las Brujas de Zugarramurdi. El Álex de la Iglesia mas grotesco vuelve para organizar un aquelarre dispuesto a conquistar la taquilla española. Despues de una fantástica primera hora, el film se acaba desinflando por sus propios excesos, pero estamos ante un gran divertimento marca de la casa que en sus mejores momentos combina salvajismo, humor atinado y frenesí con gran maestría. De la Iglesia ha hecho reirse la sala a carcajadas aunque cuando el aquelarre se pone en marcha ha acabado helando esas mismas sonrisas. Si es lo que pretendía, el director vasco lo ha vuelto a hacer. Una gran día de cine temina. Seguiremos informando.

JOAN BOTER ARJONA.-

61 ZINEMALDIA: FÚTBOL, DOBLES IDENTIDADES Y SURREALISMO

Empieza el festival. La lluvia torrencial no impide que la sala principal del Kursaal se llene para ver lo último de Juan José Campanella: Futbolín en 3D. La película narra la historia de rivalidad entre Grosso, esterotipado crack narcicista del balompié; y Amadeo, el humilde camarero, además de experto del futbolín y héroe de la función. Una magnífica cinta de animación, donde las referencias culturales made in Dreamworks (algunas mas acertadas que otros) o los guiños a Pixar no impiden que estemos ante el brainstorming animado mas inspirado del año con un final a lo Evasión y Victoria, que lleva el soccer a categoría de arte animado. Magnífico arranque de esta 61 edición que acabó con un merecido aplauso al acabar la proyección.

En la rueda de prensa, un solícito Juan José Campanella nos remarca que "no es una película sobre el fútbol si no que el deporte rey es el macguffin para explicar una historia para el público infantil". Respecto al 3D, el director de El Secreto de tus ojos confiesa su desconocimiento inicial del sistema, pero reconoce que, posteriormente, ha encontrado en esta nueva herramienta un modo muy particular de expresión "Me gusta el 3D porque es como estar viendo teatro encima del escenario." El prefiero dejar de un lado el efectismo de las tres dimensiones para acercar mas al espectador a la emoción en vivo del arte dramático".

Bastante menos le ha convencido a este crítico The Face of Love, una confusa réplica de Vértigo para amantes del romanticismo melancólico maduro al estilo los Puentes de Madison. Un film que, sin embargo, a pesar de tener a dos grandes actores como Anette Bening y Ed Harris, naufraga al no encontrar el tono. Arie Posin en su segundo largometraje parece no saber si el film es drama o comedia y cae en recursos fáciles y demasiado tediosos, a pesar de sus "golpes de efecto". Lástima.


Por su parte, el director de Incendies, Denis Villeneuve, también homenajea el hitchcockiano film de Novak y Stewart y nos trae una fascinante relato de doppelgängers,en el que es quizás sea el mejor film que he tenido el gusto de ver en este primer día en el Zinemaldia y la primera candidata a premio de la Sección Oficial. Se trata de Enemy, la adaptación de un texto de José Saramago, tan indescifrable como sugerente. Un film de dobles identidades, que coquetea con el surrealismo de Dalí, Buñuel o David Lynch con un final que no dejará a nadie indeferente y que la acerca a la abstracción de la que hizo gala la anterior triunfadora del festival de Sitges, Holy motors. Y con una gran perfomance por partida doble de Jake Gyllenhaal.

Por último, un retorno agradable y no exento de surrealismo (aunque mas "digerible"): El del personal regreso de Terry Gilliam. Pero mañana tendremos más sobre The Zhero Theorem, que ya adelanto que, sin ser ninguna obra magna, el ex Monthy Phyton recupera su fuerza y su crítica- filosófico-cómica que su ADN en esencia. En definitiva, en opinión de este cronista, en esta jornada inaugural, el buen cine ha ganado por goleada. Veremos los siguientes. Os seguiremos informando.

JOAN BOTER ARJONA.-

MANIAC GANA EL PREMIO A LA MEJOR PELÍCULA EN FANTBILBAO

MANIAC GANA EL PREMIO A LA MEJOR PELÍCULA EN FANTBILBAO

Desde el 3 hasta el 10 de mayo se ha celebrado en Bilbao la 19 edición del festival fantástico FANT. Este año la gran sorpresa lo ha dado el prestigioso director surcoreano Park Chan-wook al venir a la capital vizcaína para promocionar su última película, Stoker. El preestreno de Stoker, la primera película americana del realizador de cintas de culto como Oldboy se encargó de inaugurar el festival. Como era de esperar las entradas se agotaron inmediatamente, ya que, el preestreno de Stoker causó gran revuelo entre los seguidores de Park Chan-wook. En el 2008 se pudo ver su I’m a Cyborg, but That’s OK (2006), pero en aquella ocasión la película del surcoreano no causó tanto furor, ya que, se había estrenado anteriormente en Berlín y en Sitges, y a Bilbao llegó con un año de retraso. Un festival como FANT no puede competir con el de Sitges, pero está claro que los organizadores no se conforman a ser simples espectadores. Quieren hacer historia y el preestreno de Stoker puede ser un punto de inflexión en la trayectoria de este humilde certamen.

A parte de traer a la ciudad al aclamado cineasta Park Chan-wook, este año FANT ha acogido tres estrenos, dos a nivel estatal, y la tercera a nivel europeo. Las tres producciones se podrán verse en Madrid dentro de unas semanas en el festival Nocturna que empieza su andadura este mismo año. El año pasado hubo un solo estreno, pero se trataba de un estreno a nivel mundial, el thriller psicológico Devoured del estadounidense Greg Olliver, autor entre otros del documental Lemmy sobre el líder de la mítica banda Motörhead, que se pudo ver por primera vez en Bilbao y el certamen contó con la presencia del director de origen texano y la actriz madrileña Marta Milans. Como he dicho anteriormente, este año han sido tres los estrenos que ha acogido FANT: Home Sweet Home, Otro verano y In the House of Flies.

TRES ESTRENOS

Home Sweet Home (2013) es el segundo trabajo del francés David Morley y es una cinta entretenida, aunque la trama sea convencional y simple. Algunos opinan que es mala, pero en mi opinión, aunque no sea nada del otro mundo, creo que cumple bien con su cometido que es la de entretener al espectador. Aunque no sea nada original mantiene la intriga hasta el final, y con eso me es suficiente. Es sobre un psicópata enmascarado y metódico que entra a casas ajenas mientras los anfitriones no están. Y les prepara una fiesta sorpresa. El argumento es bien sencillo: Sara y Frank vuelven a casa y como su hijo está con la abuela tienen toda la casa para ellos solos. Será una noche inolvidable, pero no será como ellos se lo esperan.

Otro verano (2012), la ópera prima del madrileño Jorge Arenillas, ha sido la gran sorpresa de esta edición. Es una propuesta diferente, por ello, es posible que los más acérrimos seguidores del género la hayan despreciado, pero me parece que es una interesante e intrigante película. No hay nada de violencia, ni escenas de gore, es un atípico y pausado thriller psicológico, que puede recordar levemente a películas como la fascinante Gozu, de Takashi Miike. Cano y Sara están de vacaciones, pero un día la chica desaparecerá sin dejar rastro. El autor intentará esclarecer lo sucedido a base de flashbacks. Es una sencilla y humilde obra hecha con pocos medios, pero el resultado es realmente bueno.

Y la tercera, In the House of Flies (2012), del canadiense Gabriel Carrer, es de las peores películas que se han podido ver este año. Deja mucho que desear. El guión es bastante flojo y, por ello, el resultado final es decepcionante. Me temo que la historia de un psicópata que secuestra parejas para luego torturarlos con juegos absurdos no convencerá a nadie (es una burda imitación de la exitosa saga Saw). Y lo peor no es que el guión sea horrible, sino que el moralismo que rezuma la historia resulta ridículo. Está claro que los organizadores deben ofrecer algo nuevo para que el festival tenga una razón de ser. Pero está claro que los estrenos del FANT no pueden competir con otros certámenes más prestigiosos como la de Sitges.

MANIAC Y ANTIVIRAL

Por ello, no es de extrañar que el jurado compuesto por Koldo Serra, David Martos y Maru Valdivielso haya decidido otorgarle a Maniac (Franck Khalfoun, 2012) el máximo galardón. Lo más destacado de la sección oficial ha sido la ganadora Maniac y Antiviral de Brandon Cronenberg, ambas estrenadas en Sitges el año pasado. Maniac, escrita y producida por Alexandre Aja, es brutal, potente, espectacular, y es extremadamente violenta. Aunque no sea nada original, la historia atrapa al espectador desde la primera escena, ya que, la cinta está realizada con suma maestría. Al principio parece que se trata de una película como Drive (Nicolas Winding Refn, 2011), puesto que, la atmósfera y la música te envuelven de una manera asombrosa. Al igual que Drive resulta fascinante. El relato del psicópata interpretado por Elijah Wood, quien por cierto, hace el mismo papel que en la magistral Sin City logra impactar de una manera bestial. La utilización del plano subjetivo está muy bien lograda, y así podemos meternos en las carnes del protagonista. El psicópata mata a mujeres hermosas porque no ha superado aun el complejo de Edipo y no es capaz de relacionarse con mujeres con normalidad. Su madre no le quería y, por ello, tiene traumas que todavía no ha podido superar. Se venga de todas esas mujeres, porque todas le recuerdan a la zorra de su madre.

Antiviral (2012) es el debut en el largometraje de Brandon Cronenberg. La cinta que fue premiada en Sitges ha generado división de opiniones; para algunos la trama es demasiado confusa y, a fin de cuentas, resulta aburrida. Para otros, es un sugerente thriller que posee escenas realmente sobrecogedoras. El autor critica el consumismo a través de este intrigante thriller de ciencia ficción, donde los consumidores son simples marionetas en manos del sistema capitalista. Son unos adictos y consumen todo lo que les ofrece el mercado, ya sean, enfermedades, sangre o carne de los famosos. Inquietante película que nos invita a repensar la cuestión de la libertad en el siglo XXI gracias a la figura de Syd March, el protagonista de esta desconcertante historia. No hay un desenlace claro y, por lo tanto, muchas de las preguntas quedan sin respuesta. Este tipo de cine se asemeja al cine europeo contemporáneo; Cronenberg al igual que Michael Haneke nos incomoda haciéndonos preguntas sobre nuestra condición humana.

BEÑAT EIZAGIRRE INDO.-

Pie de foto: Maniac es una propuesta fascinante sobre un psicópata (Elijah Wood) con complejo de Edipo.

EL MÉTODO ARRIETA GANA EL PREMIO DEL PÚBLICO EN SAN SEBASTIÁN

EL MÉTODO ARRIETA GANA EL PREMIO DEL PÚBLICO EN SAN SEBASTIÁN

El público del Festival de cine y Derechos Humanos de San Sebastián, que se ha celebrado entre el 19 y el 26 de abril, ha decidido otorgarle el premio a la mejor película a El método Arrieta del joven realizador Jorge Gil Munárriz. Con 9,22 de puntuación la producción vasca, que cuenta la historia de las hermanas Lourdes y Mentxu Arrieta,se ha llevado el máximo galardón.

El documental, producido por la casa Moriarti, retrata la cotidianidad de estas dos hermanas que hace 35 años idearon un método para poder comunicarse entre ellas. Nacieron con un trastorno motriz, y eso les impidió comunicarse, ya que, aunque Mentxu puede hablar (no sin cierta dificultad) su hermana mayor no puede hablar y ni siquiera puede mover las manos. Ahora existe la tecnología más avanzada para que la comunicación sea posible, pero cuando eran jóvenes las dos hermanas no tuvieron otro remedio que inventarse un método propio. El método consiste en el movimiento del iris, moviendo los ojos es cómo se comunican.

Las producciones vascas suelen salir perdiendo en este tipo de certámenes por los prejuicios que puedan albergar los espectadores, pero esta vez ha pasado todo lo contario. El método Arrieta es interesante, pero no ha sido el mejor de esta edición. No tiene la fuerza necesaria y no logra emocionar salvo en contadas ocasiones. El autor no se ha atrevido a ir más allá, no ha querido poner a prueba la sensibilidad del espectador. Aunque la historia es muy poderosa por su particularidad el resultado no es tan bueno como se podía esperar. Una verdadera pena.

PERLAS DE LA SECCIÓN OFICIAL

El festival, organizado por el ayuntamiento de la ciudad, se ha convertido en una fecha ineludible para aquellos amantes del cine que deseen experimentar sensaciones fuertes. En la sección oficial de este año han competido 15 largometrajes, muchos de ellos estrenados en los certámenes más prestigiosos del mundo. La inauguración corrió a cargo de When Day Breaks del serbio Goran Paskaljevic, una bonita y emotiva historia que no defraudó a los incondicionales del autor.

Paskaljevic es un viejo conocido de nuestro país, ya que, ha ganado tres veces la Seminci de Valladolid, y como no podía ser de otra manera, When Day Breaks se estrenó en la pasada edición del festival vallisoletano. Además, Paskaljevic ha visitado varias veces la capital guipuzcoana, puesto que, el festival de cine y derechos humanos le otorgó el premio de hace 3 ediciones por defender a través de sus películas la solidaridad, el respeto y el entendimiento mutuo. Y no sólo eso, ya que, ese mismo año participó como presidente del jurado oficial en el festival de cine de San Sebastián.

When Day Breaks cuenta la historia de Misa, un profesor de música retirado que descubre gracias a una carta que fue desenterrada por los obreros que sus padres murieron en el campo de concentración de Belgrado. Por ende, descubre que fue adoptado y emprenderá la búsqueda para poder recuperar su verdadero pasado. No obstante, no se trata de una cinta acerca de las particularidades del nazismo, el pasado sólo es un mero pretexto para hablar de los males del presente como la dictadura del dinero y la soledad y la indefensión que sufren los ancianos como Misa. Nos advierte de que la intolerancia y la xenofobia no son cosa del pasado. Se trata de una entrañable y cálida historia, una delicia.

El turco Reis Celik nos regala una bellísima y sorprendente historia que nos dará qué pensar. El argumento de Night of Silence es bien sencilla: el protagonista acaba de salir de la cárcel y como el jefe del clan está en deuda con él le prepara una boda. Lo que pasa es que la esposa es todavía una niña. Los dos protagonistas tendrán que verse las caras en la noche de bodas. Toda la historia sucede en la habitación del esposo. El director elige el rito de la noche de bodas para hablarnos de sometimiento. Es una película que tiene por objetivo cuestionar las ideas de Occidente. Tratándose de una producción de Turquía es de esperar que tenga otro ritmo, así que, para algunos puede resultar aburrida.

Lore de Cate Shortland es una coproducción entre Australia y Alemania, y fue candidata para representar Australia en los Oscar, pero la Academia ni siquiera llegó a seleccionarla. Es una cinta de género, por ello, se podría haber proyectado tranquilamente en la Semana de Terror. Es inquietante y desconcertante, y los personajes que aparecen en la pantalla resultan muy amenazantes. La cámara se mueve constantemente y eso hace que nos transmita inseguridad e impaciencia. Se palpa la tensión en todo momento. Aunque la historia esté situada en la época nazi, se trata de un viaje iniciático que emprenderá la joven después de que sus padres la hayan abandonado para escapar de los aliados. Lore tendrá que encargarse de sus hermanos pequeños y en el recorrido se encontrarán con todo tipo de personajes.

También ha habido excelentes comedias como Un cerdo en Gaza, de Sylvain Estibal. Es una divertidísima sátira que hará las delicias del gran público. Nos habla de un pobre pescador que un día logra pescar un cerdo. Como musulmán tiene miedo de que su relación con ese animal impuro le traiga problemas, no quiere que Dios se enfade con él, ya que, parece que su Creador no le tiene en buena estima. Por ello, hará todo lo posible para desembarazarse de él. Los judíos y los musulmanes no comen carne de cerdo, así que el autor ha querido subrayar lo que tienen en común los dos pueblos. Además de hacernos reír durante todo el metraje, no quiere dejar pasar la oportunidad para burlarse maliciosamente de los mártires musulmanes.

UN DOCUMENTAL ASOMBROSO

En cuanto al género documental nos ha asombrado especialmente The House I Live In, del estadounidense Eugene Jarecki. Nos habla de la guerra contra las drogas que se intensificó con la administración de Nixon y que ha sido un fracaso. Pero lo peor no es eso, sino la injusticia que sufren las minorías étnicas en un país que es estandarte de la democracia y la libertad. El autor compara la guerra contra las drogas que se da en Estados Unidos con el holocausto judío. La tesis que defiende la obra en cuestión es realmente reveladora: la droga siempre se ha utilizado como pretexto para eliminar a chinos, mexicanos, italianos, negros…

El sistema no da a vasto con tanta gente, así que, hay que hacer algo con los pobres. Y nos revela el negocio que suponen las cárceles, por lo tanto, es de esperar que las cárceles sigan llenándose de “indeseables”. Queda demostrado que la justicia no existe. Mientras el negocio vaya viento en popa las autoridades tendrán vía libre para encarcelar a los pobres de manera injustificada. Un documental que no tiene desperdicio, ya que, se trata de una espeluznante y aterradora obra.  

BEÑAT EIZAGIRRE INDO.-

Pie de foto: El método Arrieta cuenta la cotidianidad de dos hermanas que ingenian un método para comunicarse, a pesar de su trastorno motriz.

SER O NO SER GAY: 10ª ANIVERSARIO DE LA ZINEGOAK DE BILBAO

SER O NO SER GAY: 10ª ANIVERSARIO DE LA ZINEGOAK DE BILBAO

Zinegoak, el festival de cine de temática LGBT de Bilbao, cumple su décimo aniversario. Por ello este año se han podido ver nada más y nada menos que 85 películas. El festival empezó su andadura con humildad y al principio sólo duraba 4 días. No obstante, con el tiempo ha ido creciendo de envergadura y por ende, se ha convertido en un festival que no tiene nada que envidiar a los demás que se celebran en la ciudad como pueden ser Zinebi o FANT. Ahora se estrenan películas que han triunfado en los más prestigiosos certámenes internacionales, pero que si no fuera por esta iniciativa que organiza la asociación Hegoak no se podrían ver en ningún otro sitio.

El año pasado la sección oficial contó con 11 películas, pero sólo Weekend del británico Andrew Haigh ha conseguido distribución para que pueda verse en nuestro país (según las últimas noticias se estrenará en el mes de marzo). De 11 películas estrenadas en Zinegoak 2012 sólo una ha llegado a los cines, así que, el trabajo que llevan a cabo los programadores de este festival para dar a conocer obras transgresoras e inéditas es realmente indispensable.

Cumple una función decisiva, puesto que, los homosexuales deben tener un espejo al que mirarse. Los derechos que han alcanzado en los últimos tiempos son importantes, pero no nos engañemos falta mucho para que sean reconocidos y tratados como se merecen. En la cultura oficial siguen siendo marginados y así es difícil que puedan sentirse orgullosos de lo que son. Muchos ni siquiera se atreven a admitirlo. Está claro que salirse del armario no es nada fácil. A Jodie Foster le ha costado lo suyo. Ha tenido que pasar medio siglo para que pudiera gritarlo a los cuatro vientos (fue en la gala de entrega de los Globos de Oro).

La ficción debe servir para mejorar la vida en sociedad, y en una sociedad como la nuestra en la que la heterosexualidad es la norma, es necesario que se (muestren) otras realidades para que podamos reflexionar sobre la identidad, el sexo y el amor, cuestiones que nos atañen a todos por igual. Porque Zinegoak no es sólo para los homosexuales, transexuales y bisexuales, sino que debe ser un lugar de encuentro para todos los ciudadanos. Al fin y al cabo el sexo es clave para poder construir la identidad de cada uno, así que, es un festival que puede aportar mucho a cada uno de nosotros.

INAUGURACIÓN

Parada, de Srdjan Dragojevic, ganadora del premio del público en la pasada edición de Berlinale fue la que inauguró esta 10ª edición. Fue una decisión acertada por parte de los organizadores porque es una cinta realmente divertida. Las carcajadas están aseguradas de principio a fin. Parada es una de las mejores comedias que se han podido degustar este año, porque las producciones estadounidenses Cloudburst de Thom Fitzgerald y Codependent Lesbian Space Alien Seeks Same de Madeleine Olnek han sido realmente decepcionantes. Como nos informa el título de la película de Dragojevic Parada (parade, en inglés) hace referencia al desfile del orgullo gay que se organiza todos los años el 28 de junio. La historia se sitúa en la antigua Yugoslavia, y los homosexuales son ahora los enemigos comunes de los croatas, serbios, bosnios y albano-kosovares. Todos se han puesto de acuerdo para odiarlos. Las amenazas y las palizas que reciben de los neonazis hacen indicar que no habrá ningún desfile. Pero este año van a ir escoltados por un grupo salvaje (la película hace referencia a Los 7 magníficos) para que puedan manifestarse con la cabeza alta. Se trata de una misión arriesgada, ya que, van a tener en frente a miles de neonazis. Resumiendo, es una disparatada y gamberra película. Realmente brillante.

Cloudburst se podría considerar la versión lesbiana de Amour, pero si la película de Haneke logra conmocionar y desconcertar a partes iguales, Cloudburst no llega ni siquiera a ser un digno ejercicio de entretenimiento. Es banal e inverosímil y no tiene nada que aportar. Quiere hacernos reír, pero su humor grosero y obsceno sólo logra transmitir vergüenza ajena. La película nos narra la historia de Stella y Dotty, dos ancianas que huyen de la ley como si fueran Thelma y Louise. Su intención es ir a Canadá a casarse, ya que, si no lo hacen la nieta de Dotty la meterá en una residencia. Codependent Lesbian Space Alien Seeks Same es realmente cutre y absurda y no merece que le prestemos más atención. Es horrible.

SORPRESAS

Otras de las películas que nos han impresionado han sido las francófonas Laurence Anyways y Notre Paradis. Laurence Anyways es la nueva película del joven canadiense Xavier Dolan y, aparte de ser la ganadora, es una de las mejores cintas de esta edición. El jurado internacional ha decidido que es merecedora del premio a la mejor película de este año y no puedo estar más de acuerdo con la decisión. Es una cinta de casi tres horas que transmite una desbordante energía; es dura, emotiva, a veces cruel y otras veces esperanzadora, y consigue conmover y fascinar al público. Se puede decir que genera sentimientos contradictorios. Produce un torrencial de sentimientos en el espectador que no tienen límite. La vida se desborda ante nuestras narices. Es increíble. Además en determinados momentos Dolan detiene el tiempo y nos invita a ser partícipes de una experiencia estética inimaginable. Nos regala unas imágenes realmente bellas y la música parece transportarnos a un anuncio de televisión o a un videoclip que podemos degustar a cámara lenta. Sólo por disfrutar de esos momentos merece la pena verla. Es una de las candidatas para ganar el premio a la mejor película canadiense, pero para ello tendremos que esperar al 3 de marzo para saber si logra el galardón que concede la academia de aquel país.

Notre Paradis es la última obra del francés Gaël Morel que ha recibido el premio honorífico de este año. Notre Paradis nos sumerge en el sórdido mundo de la prostitución masculina y es un homenaje al cine negro. Eros y thanatos están muy presentes en todo momento, por lo tanto, estamos ante una dura e incómoda película. Hay muchas escenas de sexo, pero no es una cinta banal ni frívola, ya que nos habla del amor y el deseo. De la soledad y la supervivencia. De la vida. Está claro que no se puede comparar con obras tan sugerentes como Intimacy (Patrice Chéreau, 2001) o La pianiste (Michael Haneke, 2001), pero es una buena película que trata sobre el deseo. Vassili el protagonista de este intrigante film tiene unos 30 años y está acabado. Un día conocerá a un chico joven y se enamorará de él.  

BEÑAT EIZAGIRRE INDO.-

Pie de foto: Laurence Anyways ha sido la película ganadora y una de las sorpresas de esta edición.

COCKNEYS VS ZOMBIES GANA LA SEMANA DE CINE FANTÁSTICO Y DE TERROR DE SAN SEBASTIÁN

COCKNEYS VS ZOMBIES GANA LA SEMANA DE CINE FANTÁSTICO Y DE TERROR DE SAN SEBASTIÁN

Cockneys vs Zombies la divertida y gamberra comedia dirigida por el británico Matthias Hoene ha obtenido el premio a la mejor película en la XXIII edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.

La película trata de un fallido atraco que llevan a cabo unos delincuentes habituales y nada profesionales y cuando todo parece estar perdido llegan los zombis para rescatarlos. Entonces en vez de verse las caras con la policía tendrán que hacer frente a los devoradores de carne humana que han sembrado el caos por toda la ciudad. Es una cinta irreverente y verdaderamente cómica. Algunas escenas son realmente hilarantes como aquel cuando un abuelo va todo lo rápido que puede (con el andador, para más señas) y los zombis que en esta cinta son como los creó el dios George Romero son incapaces de alcanzarlo. Esta secuencia es una pequeña muestra de lo que puede ofrecer una película tan disparatada como la de Cockneys vs Zombies.

Sin embargo, aunque la película cumple perfectamente con su cometido, que es la de entretener y hacer reír al público se echa de menos una historia más elaborada. El guión deja mucho que desear y los personajes no parecen personas, son como los zombis: son simples caricaturas. No se distinguen de la masa, carecen de vida propia, son simples marionetas en manos del director. El cineasta ha sacrificado la psicología y la profundidad de los protagonistas en aras del espectáculo. Y lo peor es que repite situaciones y tópicos del género hasta la saciedad, que aunque resulten efectivos, eso no significa que haya que aplaudirlos. También hay que admitir que carece de originalidad e innovación, y por ello, no es difícil saber lo que pasará con ella en el futuro: quedará relegada al olvido. No ofrece nada nuevo y por esa sencilla razón está condenada al ghetto de los amantes del género. Dentro del ghetto será una buena comedia, de eso no hay duda, pero no ofrece suficientes alicientes para que pueda considerarse una buena película.

El resultado no ha sido ninguna sorpresa para nadie, ya que, era uno de los grandes favoritos desde que obtuvo 7,87 puntos el día de su estreno en el Teatro Principal. En segundo lugar ha quedado también la británica Grabbers de Jon Wright que narra la historia de unos habitantes de una isla tranquila y pacífica que tendrán que ingeniárselas para hacer frente a un invasor extraterrestre conocido con el nombre de grabbers (agarradores). Lo interesante es que el alien es totalmente desconocido para la raza humana y por ende los habitantes no saben cómo acabar con él. No existe todavía una biblia como puede ser Zombi-Guía de supervivencia, por ello tendrán que apañárselas como buenamente puedan. Los seguidores acérrimos del género se lo han pasado en grande viéndola, pero lo cierto es que es mucho peor que Cockneys vs Zombies. Es una aburrida y vacía película que carece de toda trascendencia e interés. Si los creadores hubieran invertido la misma cantidad de dinero en un buen guionista en vez de gastarlo en los efectos especiales, la cosa hubiera podido ser distinta, pero por desgracia parece que lo que prima es el espectáculo más vacuo.

UNA SEMANA PARA REPLANTEARSE EL FUTURO DE ESTA CITA CON EL TERROR

Es sabido que la Semana de Cine de Terror es una cita que los seguidores del fantástico y del terror siguen con mucho entusiasmo, por ello, aunque haya un jurado internacional la mejor película la eligen los propios espectadores que son los auténticos protagonistas del certamen. La Semana de Cine de Terror es muy popular en la ciudad, y los amantes del género no se lo pierden por nada del mundo. Como el año anterior el público se ha decantado por un cine que fusiona de manera brillante el humor y el terror. El año pasado la ganadora fue la española Lobos de Arga (Juan Martínez Moreno, 2011) una desternillante comedia protagonizada por Gorka Otxoa, Carlos Areces y Secun de la Rosa. Este año la ópera prima de Matthias Hoene ha ganado el máximo galardón que está dotado con 6.000 euros gracias a los votos del público. Antes de San Sebastián se proyectó en la sección Midnight X-Treme del festival de Sitges, pero no obtuvo ningún reconocimiento.

Por otra parte, el jurado oficial compuesto por la actriz Leticia Dolera, Borja Crespo y el cineasta de la controvertida A Serbian Film Srdjan Spasojevic ha decidido otorgar el premio al mejor cortometraje a la producción española titulada Voice Over de Martín Rosete. Y el premio Méliès de Plata al mejor cortometraje europeo ha recaído en otra cinta española: Bendito Machine IV de Jossie Malis. Para terminar quiero subrayar el hecho de que el público lo haya pasado de miedo con las películas de la sección oficial y por ello está claro que la Semana de Cine Fantástico y de Terror goza de muy buena salud. Es un certamen popular e indispensable. Pero por desgracia muchos otros espectadores se sienten marginados, ya que, la mayoría de las películas que se proyectan son de explotación. La mayoría son convencionales y perpetúan las convenciones del género como si fueran leyes dadas por el mismísimo Lucifer. Y los espectadores que desean ver algo nuevo solo consiguen aburrirse. Esperemos que el próximo año la presencia de cintas más arriesgadas e innovadoras sea más abultada.

BEÑAT EIZAGIRRE INDO.-

Pie de foto: Un abuelo en andador huyendo de un zombie, de lo más hilarante de Cockneys vs Zombies.

ENTRE MATRIX Y TERMINATOR, LOOPER RENACE

ENTRE MATRIX Y TERMINATOR, LOOPER RENACE

Looper, de Rian Johnson, es una ambiciosa cinta de ciencia ficción, que promete más de lo que ofrece y que ha puesto broche final a la 45ª edición del Festival de Sitges. También es cierto que íbamos a verla con muchas ganas y expectativas, pero, reflexionando sobre ella, he llegado a la conclusión que no es tan buena ni tan revolucionaria como se nos quiere hacer creer, y os daré razones para ello.

En primer lugar, la trama, unos asesinos (llamados looper) que se encargan de cargarse a la basura del futuro, interpretados por Joseph Gordon-Levitt y Bruce Willis, entre otros, uno de ellos ha de encargarse de encontrar al Fundador para matarlo y así poder salvar a la mujer que ama. Y mejor no explique más para no hacer "spoilers". Un argumento un tanto rocambolesco y que bebe directamente las fuentes de grandes hitos de la sci-fi, como Terminator y Matrix, sin aportar tanto al género como lo hicieron éstas dos ilustres antecesoras.

En segundo lugar, los personajes, sobre todo el citado Gordon-Levitt (actor fetiche del director, recordémosle como adolescente en Brick) están algo forzados. Este actor, habitual del cine de Nolan (Origen, The Dark Knight Rises) no firma ni de lejos su mejor interpretación, pues pierde su expresividad jovial en pos a una gestualidad imitada para parecerse a Bruce Willis y resulta algo extraño, que perjudica más que beneficia. En cambio, el citado Willis está mucho mejor (aunque sale menos de lo que esperábamos, a pesar de que cuando sale sus apariciones son bastante memorables) y Emily Blunt, como Sara, granjera de armas tomar y sufrida madre de Cid y atención a Pierce Gagnon, -un niño cuyo personaje mejor no revelar para mantener una de las sorpresas del film- están más acertados.

En tercer lugar, la primera parte de la película, algo confusa, se centra cuando Levitt y Willis se encuentran frente a frente en la cafetería y entonces, se produce un increscendo narrativo y emocional, que es de lo mejorcito de la función. Es entonces cuando ese Rian Johnson pretencioso y a algo artificial nos da sus mejores momentos cinematográficos, aunque, eso sí, con mucha sensación de dejà vu a muchas cintas de ciencia ficción mucho más cañeras y reveladoras que la presente. No obstante, no os penséis que no es una buena película, pues es una cinta bastante interesante, siempre y cuando no le busquéis odiosas comparaciones.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Looper, los asesinos del futuro, con muchas deudas que saldar.

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NEIL JORDAN Y LO ONÍRICO

NEIL JORDAN Y LO ONÍRICO

Lo primero que los auténticos cinéfilos se dan cuenta cuando ven una película del cineasta irlandés Neil Jordan (1950) es que es un director diferente a los demás, se psicoanaliza con sus personajes y hace poesía en imágenes entre oleadas de onirismo pero sin olvidar los problemas de su sociedad.

Desde Juego de lágrimas (1992) la obra que le hizo muy conocido ha sido un referente para los filmes sórdidos posteriores, pero Juego de lágrimas es mucho más que eso; Neil Jordan se adentró a analizar un tema candente, por aquel entonces, en su país EL IRA. Es interesante verla porque toda ella refleja un patetismo a través de la fotografía y el argumento que intuimos que lo que estamos viendo no se puede olvidar tan fácilmente.

Ahora, volviendo al presente cinematográfico, hemos sabido que le van a dar el premio honorífico en la 45 edición del festival de cine fantástico de Sitges, esa noticia me da pie para analizar algunos trabajos suyos que quieren huir de las historias realistas para meterse dentro de un mundo que pocos pueden explorar.

ENTREVISTA CON EL VAMPIRO Y EN COMPAÑÍA DE LOBOS

El titulo más recordado de Neil Jordan en este género es: Entrevista con el vampiro (1994), basada en las novelas de Anne Rice y con un reparto encabezado por Tom Cruise y Brad Pitt. Es una historia de vampiros, pero los vampiros son una excusa para contar 200 años de vida de la humanidad, por eso es algo más que una lectura del mito vampírico. En está obra, el cineasta nos enseña criaturas que salen de las leyendas urbanas, pero como si fuesen de carne y hueso y con sentimientos, llegándonos a enamorar del vampiro más malvado Lestat de Lioncourt.

Años después de su estreno Entrevista con el vampiro es una cinta que no ha envejecido y que sigue siendo utilizada como ejemplo de lo que puede ofrecer una obra del género fantástico mezclada con la realidad. También es interesante porque es inusual huir del mito de Drácula para contar el relato de otros vampiros menos conocidos, pero que pueden ser un soplo de aire nuevo para los espectadores.

No dudo que fue un cambio para el cine en general porque la historia era rompedora en una industria conservadora en estructuras y en técnica. Entrevista con el vampiro fue también la culminación de un salto cinematográfico entre las modas que se hicieron de los 80 a los 90, así el cine superó sus propias barreras y entendió que dentro de los filmes de vampiros se podía hacer algo más que Drácula.

En compañía de lobos (1984) fue una de sus primeras cintas y puede que la más fantástica, porque en ella se examina el mito del hombre lobo. Si vamos más allá de la simple metáfora, en esta obra se puede apreciar lo onírico de Neil Jordan porque si la miramos desde un plano critico nos damos cuenta que estamos a caballo entre dos mundos que al final se juntan en uno; es una pena porque hoy en día este interesante estudio ha quedado casi en un segundo plano dentro de su obra posterior.

El ambiente de está película es salvaje (¡un viaje a través del tiempo!) para conocer las emociones y las miradas de los hombres lobos, pero también puede ser una exploración sobre la infancia de Neil Jordan. A veces, tiene toques de terror que llenan la pantalla de atroces pesadillas que dejan al espectador con la sensación de un mal sueño seguido de aullidos insoportables de hombres lobo capaces de rompernos el alma en pedazos.

Después de vampiros y hombres lobos, Neil Jordan por fin va a ser reconocido por su aventura en el género fantástico. El tiempo sólo dirá lo que será este creador para la historia del séptimo arte y si será recordado en el futuro.

JORGE GIRBAU BUSTOS.-

Pie de foto: Neil Jordan recibe a estas horas el Gran Premio Honorífico del Festival de Sitges.

EL NAUSEABUNDO DEAMBULAR DE UN JOVEN MULTIMILLONARIO

EL NAUSEABUNDO DEAMBULAR DE UN JOVEN MULTIMILLONARIO

Cosmópolis, de David Cronenberg es, desde mi punto de vista, una de las películas más fallidas del interesantísimo realizador de Una historia de violencia, Promesas del Este y Un método peligroso. En esta ocasión, la película, basada en una novela de Don DeLillo, es el nauseabundo deambular de un joven multimillonario, interpretado con convicción por Robert Pattinson, alienado del mundo exterior en su limousina viviendo el dia más caótico y revelador de su vida. Aparte de un creíble Pattinson, hay un amplio e intereresante espectro de personajes secundarios, interpretados por Juliette Binoche, Samantha Morton, Matthieu Amalric (ojo a su breve, pero genial intervención) y Paul Giamatti, entre otros.

La cinta contiene muchos mensajes y parlamentos de los personajes, que pretenden hacernos reflexionar sobre la actual economía, los problemas del capitalismo salvaje e incluso sobre la violencia. No obstante, la puesta en escena es fría emocionalmente y, al espectador, le cuesta entrar en la historia y conectar con ese "pobre niño rico" quien, teniendo el mundo a sus pies, vive en un estado de angustia e infelicidad permanente, sin sentir nada, ni siquiera dolor. Sólo en un par de secuencias del film comprobamos que el joven multimillonario no es de piedra. 

Así pues, otra vez, como ya pasara en Mátalos suavemente, en Cosmópolis se vuelve a poner en jaque a la sociedad occidental actual, que sufre una degradación moral y una falta de valores cada vez más preocupante. Eric Packer, el personaje de Pattinson, vive como un ser condenado, sin alma y sin sangre en las venas, vampirizado en su mundo de dinero, cifras astronómicas, datos macroeconómicos, altas finanzas y furtivos encuentros sexuales, la mayor parte de su tiempo dentro su limousina, que le aisla de los peligros del mundo exterior, refugiado en este búnker con ruedas, nada puede pasarle, nada le perturba, se siente protegido.

Eric vivirá un frenético día de trabajo, placeres mundanos, turbas agitadas y con la sensación de peligro, de soledad y de muerte acechándole. ¿Conseguirá sobrevivir? ¿Cambiará de actitud frente a la vida? Hemos de reconocer que, a pesar de algunas escenas brillantes, la película no nos ha dejado muy buen sabor de boca. Quizás es lo que Cronenberg pretendía al filmalrla: que nos quedásemos en la nada existencial del individuo postmoderno.

SONIA BARROSO.- 

Pie de foto: Robert Pattinson es Eric Packer, un joven magnate alienado en su limousina.



EL VALOR DE LA UNIÓN FAMILIAR Y LA SOLIDARIDAD EN CIRCUNSTACIAS EXTREMAS

EL VALOR DE LA UNIÓN FAMILIAR Y LA SOLIDARIDAD EN CIRCUNSTACIAS EXTREMAS

Qué decir de Lo imposible, de J.A. Bayona, una de las películas españolas más esperadas del año que, tras su andadura con éxito en los festivales de Toronto, San Sebastián y Sitges, se estrena el próximo viernes.

La noticia del tsunami de Thailandia que en 2004 conmocionó a medio mundo se ve más real y más contundente al ponerle cara a la tragedia: la de la española María Belón y su familia, en la película María Bennet y su esposo Henry y tres hijos: Lucas, Simon y Thomas, cuya historia de supervivencia y de superación personal nos ha llegado y conmovido.

La película pasa de ser una hermosa y típica postal de vacaciones de la familia unida e ideal a mascarse la tragedia en cuestión de segundos, en lo que tarda en uracanarse una extraña brisa marina, la ola se cierne sobre miles de personas y, por ende, sobre todos los espectadores quienes, sobrecogidos, vamos asistiendo al deambular de esta familia, cuya ola, ha desunido y arrancado ferozmente. Así como de muchas otras familias en la misma situación que ellos.

En la cinta, hay muchos momentos de terror y de pánico, de drama personal y colectivo, por ello, es normal que la emotividad flote y salga a la superficie, que podamos conmovernos y llorar. Que sea emotiva no quiere decir que sea una película manipuladora de sentimientos. No encuentro mejor manera de explicar esta historia que ésta: con la complicidad de miradas entre una madre y su hijo mayor, con la solidaridad entre personas, con el desasosiego de unos padres en busca de sus hijos y de sus esposas. Es la celebración de la vida: la necesidad de volver a mantener a la familia unida en circunstacias tan extremas como imprevistas. 

Aparte de la narración vibrante, melodramática y bien cohesionada, lo que da entidad a la película, además de sus elaborados efectos especiales y su emotiva banda sonora de Fernando Velázquez, son sus actores. La familia formada por Naomi Watts (Maria Bennet), Ewan McGregor (Henry Bennet) y sus tres retoños: Tom Holland (Lucas), del debutante Samuel Joslin(Thomas) y de Oaklee Pendergast(Simon) están muy convincentes en sus roles. Aunque, la madurez interpretativa de Tom Holland nos ha dejado boquiabiertos, pensando el gran futuro que le espera por delante como actor. Un joven talento para ir siguiendo.

Así pues, conviene ir preparado para sufrir, conmoverse y tener el corazón en un puño, no obstante tanta carga sentimental merece mucho la pena vivirla. Os recomendamos que la veáis y la viváis.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: María y su hijo mayor Lucas, sangre, amor y lágrimas en su lucha por la supervivencia.

EL CUERPO, UN COMIENZO DISCRETO PARA UNA 45ª EDICIÓN DE SITGES POTENTE

EL CUERPO, UN COMIENZO DISCRETO PARA UNA 45ª EDICIÓN DE SITGES POTENTE

Como viene siendo habitual estos últimos años, el Festival de Sitges se ha inaugurado con una película de producción catalana, si hace dos años fue Los ojos de Julia, de Guillem Morales -también con Belén Rueda de protagonista- y el año pasado con Eva, de Kike Maíllo, este año ha sido el turno de otra ópera prima, en este caso de Oriol Paolo: El cuerpo.

Rodada en buena parte en el Hospital del Tórax de Terrassa, la película, a ritmo de thriller psicológico, proporciona algunos giros de guión interesantes, flashbacks que resultan muy prescindibles -incluso Belén Rueda está un tanto exagerada y ridícula en algunos momentos y un final sorpresa que no está mal. Las interpretaciones de Hugo Silva, Aura Garrido y José Coronado son otro de los alicientes de este film de suspense psicológico. Para ser una primera película se deja ver, pero nos esperábamos una apertura de mucha mayor volada.

Nameless Gangster, de Jong-bin Yun, es un thriller bien contado y narrado, con reminiscencias por lo que en su historia se refiere a Uno de los nuestros, de Martin Scorsese y El Padrino, de Francis Ford Coppola. Sin llegar a los niveles de estas dos notabilísimas cintas, esta película demuestra que Corea del Sur está en uno de sus mejores momentos en cuanto a cine de género se refiere, recordemos la laureada The Yellow Sea, de Jong Yin-Na, con la que ésta película, aparte de elementos comunes del género comparte actor protagonista, Jung-Woo Ha. 

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Belén Rueda, El Cuerpo del título.

LA APUESTA POR EL FUTURO

LA APUESTA POR EL FUTURO

Este año podemos destacar como novedad que Nuevos Directores se haya desligado de la sección al que había pertenecido hasta ahora, Zabaltegi, para convertirse en una sección totalmente independiente y con personalidad propia. El nuevo director del festival de cine de San Sebastián, José Luis Rebordinos y su equipo han decidido apoyar de esta manera a los nuevos talentos y por ello Nuevos Directores tiene el objetivo de convertirse en un lugar preferente en la búsqueda y captación de esos genios que aún están por descubrir. Por lo tanto, Nuevos Directores tiene la ambición de llegar a ser una cita ineludible dentro del marco del festival y así poder ofrecer un cine de calidad que nada tenga que envidiar a las demás secciones del certamen. Porque ya se sabe que autores como Malick o Tarantino nunca van a pensar en San Sebastián como primera opción para estrenar su próxima película, por ello es indispensable apoyar a los cineastas que están empezando. Todos los grandes han tenido que luchar muy duro para llegar a donde han llegado y en estos tiempos tan difíciles donde sacar un proyecto adelante se puede convertir en una auténtica pesadilla es más necesario que nunca promover el talento de los jóvenes creadores.

Pero es fácil decirlo y difícil llevarlo a cabo. Los próximos años podremos ver si la apuesta iba en serio o sólo era un farol. Esperemos que la intención de la nueva sección de que los jóvenes puedan sentirse valorados y que puedan seguir aprendiendo a hacer cine sea firme y que no tenga vuelta atrás. Para ello han dotado al premio de Kutxa-Nuevos Directores de 90.000 euros. Una buena cantidad para aquellos que quieran seguir apostando por un cine personal y de calidad. Este año los miembros del jurado que tenían que decidir cuál ha sido la mejor película de ésta 60 edición han sido la productora iraní Katayoon Shahabi que ha ejercido su labor como presidenta, el escritor y crítico Demetrios Matheou, el cineasta Radu Muntean, la escritora y catedrática vasca Lourdes Oñederra y la programadora Diana Sánchez.

LA VENCEDORA

Este año se han presentado a concurso 17 películas. La mayoría de ellas han tratado los mismos temas como pueden ser la incomunicación y la soledad, y aunque la muestra haya resultado gratificante es verdad que no ha habido una película que pueda ser considerada una verdadera obra maestra. Sin embargo, hay que admitir que los trabajos que se han presentado han sido arriesgados y valientes, y eso siempre es de agradecer. Primero vamos a citar a los ganadores de esta edición. El premio de Kutxa-Nuevos Directores ha ido a parar a manos del chileno Fernando Guzzoni por su ópera prima Carne de perro. Es una película que bebe de la tradición latinoamericana, por ello es una cinta lenta y minimalista, pero no por ello deja de ser una buena película. Es una arriesgada y personal obra como la que ganó el año pasado, El río que era un hombre del alemán Jan Zabeil. Es una proposición al que no estamos acostumbrados y no es de extrañar que los miembros del jurado joven le hayan dado menos de 4 puntos. Pero eso no significa que sea una mala película, ni mucho menos.

El personaje de Alejandro que está interpretado por el actor chileno Alejandro Goic (que también ha trabajado a las órdenes de Pablo Larraín en No) es un hombre peligroso y aunque no se sabe quién es exactamente está claro que tiene problemas. Un hombre desquiciado puede cometer locuras y puede dañar a la gente que tiene alrededor. La película genera desasosiego e inquietud y la amenaza se cierne en todo momento sobre el espectador que no puede dejar de preguntarse por el pasado del protagonista. La violencia puede estallar en cualquier momento y más después de observar atónitos cómo tortura a su perro. La tensión nos acompaña hasta el final.

DOS MENCIONES

Carne de perro ha sido la gran vencedora de la sección Nuevos Directores y el premio le permitirá estrenarla en España. Por otra parte, la peruana El limpiador recibió la mención especial del jurado junto a la iraní Parviz. Las dos son películas lentas, pero Parviz tuvo mejor acogida cuando se estrenó en el Kursaal. El limpiador es obra del jovencísimo director Adrián Saba, hijo de padre peruano y madre holandesa. Vivió en Madrid hasta los 5 años y después volvió a Perú con su familia. Después de estudiar cine en New York y con sólo 23 años decidió fundar su propia productora, así que, está claro que está dispuesto a seguir luchando por defender aquello en lo que cree. Y el jurado ha decidido recompensarle por su valentía y su determinación. El limpiador también trata de un hombre maduro, pero a diferencia de Carne de perro la repetición de las mismas acciones hace que nos transmita seguridad (en opinión de muchos, más que seguridad sería más bien hastío y aburrimiento). Parece que no pasa absolutamente nada, pero como en Amour el relato sigue avanzando aunque el espectador se distraiga pensando en otras cosas. Es una película que puede recordarnos a Whisky de Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella, uno de los hitos del cine uruguayo de los últimos años.

Eusebio (Víctor Prada) es un hombre solitario y tranquilo que no tiene ninguna ilusión en la vida. La monotonía es parte de su vida y al parecer hace mucho que dejó de buscar. Ha tenido que aceptar que la vida es dura, y que no hay nada más aparte de trabajar, comer y dormir. La resignación se ha adueñado de él por completo. Trabaja limpiando la sangre que dejan tras de sí los asesinatos y muertes que acontecen en la ciudad. A pesar de ser una historia mínima el autor imagina un escenario apocalíptico donde una especie de virus está aniquilando a la población. Pero un día la vida de Eusebio dará un vuelco inesperado aunque parezca que nada haya cambiado. Las acciones cotidianas siguen su curso y la repetición hace que el cambio se diluya. Tendrá que hacerse cargo de un niño huérfano y se dará cuenta de que su corazón ha vuelto a latir de nuevo.

Parviz es la segunda película del iraní Majid Barzegar y el director ha querido dedicársela a su compatriota Jafar Panahi. Es realmente asombrosa y nadie podría imaginar que los acontecimientos pudieran tomar esa otra dirección en la segunda parte del metraje. Parviz es una de esas obras que tienen que combatir los prejuicios que puedan tener los espectadores. Al principio todo parece indicar que estamos ante una obra lenta y minimalista, pero cuando te has dado cuenta estamos ante otra película bien distinta. Parviz es un hombre de unos 50 años y todavía sigue viviendo con su padre. Pero un día al llegar a casa se encontrará con una mujer que al parecer va a convertirse en la esposa de su padre. Éste le pide amablemente que deje su casa para que ellos puedan estar a solas. Parviz nunca ha tenido un trabajo y tampoco parece que pueda a aspirar a tener esposa, por eso se encarga de hacer recados para los vecinos. Pero con la nueva situación va a verse obligado a cambiar su forma de vida. Todos le consideran un fracasado y un inútil que es incapaz de salir adelante por su cuenta, pero Parviz va a demostrarles que se equivocan. Un film sorprendente que dejará boquiabiertos a más de uno.

PELÍCULA FASCINANTE

Para terminar con el repaso de lo más destacado de la sección, voy a hablaros de Silent City, una película que fascinó a muchos. Se trata de la segunda película de la cineasta y escritora Threes Anna, que ya presentó en San Sebastián su anterior trabajo titulado The Bird Can’t Fly hace 5 años, y trata sobre una chica holandesa que viaja a Japón para que pueda aprender a cortar pescado con el maestro Kon, el mejor del mundo. Aunque la intención era buena, la película no logra su principal objetivo que es regalar escenas poéticas y a la vez oníricas al público. Se puede afirmar que más que fascinación genera perplejidad e incredulidad. Pero exceptuando esas escenas que pretenden ser fantásticas, la historia resulta bastante atractiva. Como Lost in Translation de Sofia Coppola quiere hablarnos de lo complicado que resulta desentrañar el alma del pueblo japonés. A pesar de la globalización la personalidad de cada pueblo sigue siendo un misterio insondable para los que no pertenecen a ella. Se necesita tiempo y paciencia para poder descifrar los códigos de una cultura extraña y Silent City nos muestra de una manera eficaz lo difícil que puede resultar convertirse parte de un universo al que no perteneces. Parece que en la pantalla grande Japón y la incomunicación se han convertido en compañeras inseparables. 

BEÑAT EIZAGIRRE INDO.-

Pie de foto: Silent city, película revelación en Nuevos Directores.

LAS JOYAS DE ZABATELGI

LAS JOYAS DE ZABATELGI

La sección Zabaltegi Perlas del festival de cine de San Sebastián reúne lo mejor de la temporada y, por ello, siempre crea gran expectación entre los apasionados del séptimo arte. Es una oportunidad única para disfrutar de las películas de los más grandes autores y poder votarlas a continuación. Sin embargo, es una mala señal que se hable mucho de las películas que se proyectan en esta sección, ya que, eso significa que la Sección Oficial ha sido bastante floja. Y no queremos que San Sebastián sea un festival de segunda categoría y, por consiguiente, sólo pueda aspirar a recoger las migajas de los más grandes certámenes.

Parece que este año la sección más importante ha estado a la altura de las circunstancias y muchos críticos han reconocido que ésta 60 edición ha sido uno de los mejores que se recuerdan en mucho tiempo. Carlos Boyero, el crítico de cine de El País, ha admitido en Hallström, mucho clima y pocas nueces (28-9-2012) que esta edición ha superado en calidad a la de otros festivales internacionales. Aunque no ha querido dar más detalles sobre el tema en cuestión. Se puede afirmar con rotundidad que el cine ha triunfado en las secciones más importantes de la 60 edición del festival de San Sebastián y eso es una muy buena noticia para todos.

Como era de esperar la oferta de Zabaltegi Perlas ha sido de lo más atractiva y variada. Se han podido degustar las películas ganadoras de Sundance, Berlín y Cannes y el que se haya quedado con ganas de ver Pietà de Kim Ki-duk (ganadora del León de Oro en Venecia) tendrá que asistir a Sitges, que comenzará el día 4 de octubre. Hay que destacar que de las 11 películas que optaban al premio del público no había ninguna asiática. Y sólo había una latinoamericana, No del chileno Pablo Larraín, quien resultó vencedor en la quincena de los realizadores de la última edición de Cannes. Todas las demás eran producciones europeas y norteamericanas. La película que ha encandilado al público donostiarra ha sido sin lugar a dudas The Sessions del norteamericano Ben Lewin. The Sessions se ha alzado con el premio del público que otorga la SGAE y la Fundación Autor y que está dotado con 60.000 euros. El distribuidor de la película en España recibirá el premio en cuestión. La película ganadora del premio del público en Sundace ha conseguido un 9,02 de puntuación y ha logrado superar a Amour de Michael Haneke (ganadora de la Palma de Oro) y The Angels’ Share del reconocido cineasta Ken Loach. La película europea que ha conseguido más votos se ha llevado 20.000 euros y después de The Sessions la primera producción europea favorita de los espectadores ha sido la coproducción The Angels’ Share del aclamado Loach que ha obtenido 8,56 puntos. La esperadísima Amour ha tenido que conformarse con el tercer puesto.

TRES GRANDES: LOACH, HANEKE, BERTOLUCCI

The Sessions ha recibido muchos elogios por parte de la crítica y está claro que ha fascinado al público, pero como yo no he tenido la ocasión de verla no puedo dar mi opinión. El estreno en las salas comerciales está programado para enero, así que, tendremos que esperar un tiempo para poder disfrutarla. Por consiguiente empezaré con la película europea más valorada. The Angels’ Share es una divertidísima comedia escrita por el que es un habitual en el cine del inglés, Paul Laverty, guionista de El viento que agita la cebada, ganadora de la Palma de Oro en Cannes en 2006 y pareja de la española Icíar Bollaín. Es una comedia entretenida e interesante, y por ello la diversión está asegurada de principio a fin, pero en mi opinión no es una de sus mejores obras. En algunos momentos, el relato resulta bastante inverosímil, pero a cambio de pasar un buen rato se pueden pasar por alto los fallos que pueda albergar el guión. Por otro lado, aunque se trate de una comedia estamos ante una obra de Ken Loach y, por ello, los personajes que aparecen en la pantalla son jóvenes problemáticos o delincuentes de poca monta, por decirlo de una manera más coloquial. Albert, el gañán interpretado por el actor Gary Maitland es uno de los aciertos del film. Su papel es tan bueno que se convierte en uno de los idiotas más inspirados de los últimos tiempos. La historia puede llegar a emocionar, pero por desgracia esa sensación aparece en contadas ocasiones y, en consecuencia, no puede considerarse una película emotiva. La película narra la historia de Robbie (Paul Brannigan), un joven delincuente que tendrá que hacerle frente a su nueva vida, donde la violencia no tiene cabida. El juez le ha librado de la prisión por el cambio de actitud que ha demostrado el joven (tiene una relación estable y pronto va a ser padre) y tendrá que trabajar en las labores para la comunidad. Robbie y los demás tendrán que apañárselas para no echar al traste la oportunidad que les ha sido brindada.

Amour es el último trabajo del austríaco Michael Haneke. Ganadora de dos Palmas de Oro por La cinta blanca y por ésta misma película Haneke es uno de los directores más aclamados de Europa. Su cine es inquietante, intenso y angustioso y logra fascinar y sorprender por su buen hacer. Su cine tiene el objetivo de llegar a lo más hondo del ser humano y ,por ello, suele incomodar al público mostrando el lado más oscuro y humano de las personas. La verdad y la vida suelen ser difíciles de asumir y en ese sentido el cine de Haneke no es fácil de digerir. Genera perplejidad y desconcierto cada vez que estrena nueva película y da mucho que pensar. Amour relata la conmovedora y a la vez trágica historia de una pareja de ancianos interpretados por dos grandes actores como son Jean-Louis Trintignant y Emmanuele Riva. Haneke se toma las cosas con calma y el relato va haciendo mella poco a poco sin que el espectador ni se dé cuenta. Para muchos su cine resultará demasiado lento y agónico, pero los que tengan paciencia se verán recompensados enormemente. Estamos ante una película no apta para gente impaciente. Por otra parte, hay que añadir que la federación de críticos internacionales decidió otorgar el gran premio Fipresci a Amour reconociéndola como la mejor película del año. Un gran honor que sólo está al alcance de los más grandes. No obstante, como Haneke no pudo asistir al Kursaal por motivos laborales recogió el galardón el actor vasco Ramon Agirre, quien participó en la película dando vida al portero.

Han pasado 9 largos años desde que Bernardo Bertolucci presentó su última obra Soñadores, y es una gran noticia que el maestro italiano haya roto su silencio para poder volver a la carga con la magnífica Io e te. Estrenada en Cannes fuera de competición ha sido una de las mayores sorpresas de la sección Perlas. No obstante, esta espléndida historia sobre dos jóvenes que se encierran durante 7 días en el sótano de su casa ha dividido al público. Para muchos es una obra realmente deliciosa, pero para muchos otros no es más que una obra menor que sólo consigue aburrir. A mí personalmente me ha recordado la cinta española Madrid, 1987 de David Trueba, que se estrenó en la pasada edición de Zabaltegi Especiales. Como Trueba Bertolucci ha demostrado que con un buen guión se puede hacer cualquier cosa. Dos personajes y un sótano son suficientes para hacernos partícipes de una gran película como ésta. Las conversaciones de Madrid, 1987 eran más intelectuales, pero en el caso de Io e te las conversaciones no son tan metafísicas, sino que giran en torno a los problemas y preocupaciones del día a día. Lorenzo el chico que interpreta el actor Jacopo Olmo es un adolescente brillante y carismático, y, por ello, piensa que no necesita la ayuda de nadie. Le resulta difícil relacionarse con los demás y va solo a todas partes. Es demasiado narcisista como para admitir que necesita el apoyo de los demás. Olivia su hermanastra, en cambio, necesita llenar como sea el hueco que le dejó su padre. Su padre abandonó a su madre y a ésta para estar con la madre de Lorenzo y Olivia no ha podido superar aquello. Por ello empezó a consumir heroína a los 18 para sentirse menos sola. Los dos se encerrarán en el sótano durante 7 días para poder reunir las fuerzas para afrontar la vida.

LA GRAN SORPRESA: BEASTS OF THE SOUTHERN WILD

Para terminar quiero destacar la norteamericana Beasts of the Southern Wild. Fue la ganadora de la última edición en Sundance y ha sido una de las grandes sorpresas de la sección Perlas. Porque al contrario que las demás películas que eran de autores consagrados y reconocidos el director de Beasts of the Southern Wild no era nada conocido. Es la ópera prima del estadounidense Benh Zeitlin y vino a San Sebastián para presentarla ante un abarrotado público. Es una de las más bellas películas que he visto últimamente. Describir algunas experiencias puede resultar complicado, pero voy a intentar describirla lo mejor que pueda. Es sencillamente asombrosa, fascinante y espectacular, una verdadera joya que no hay que dejarla escapar. La historia que se nos cuenta tiene mucha fuerza y logra enganchar al espectador. Una de las razones puede que sea el personaje de Hushpuppy. La actriz que le da vida tan sólo tiene 6 años y para colmo ni siquiera es actriz, ya que, es una niña normal y corriente. Se puede intuir que dará mucho que hablar en el futuro. El director británico Steve McQueen no ha perdido el tiempo y ha contratado a Quvenzhané Wallis para su próxima película, así que, parece que la niña hará carrera en el cine antes de lo esperado.

Wallis interpreta a una niña salvaje que vive al otro lado del dique de Louisiana. Sus compatriotas ni siquiera saben que existe ese lugar conocido como La Bañera. Se puede considerar la más fascinante película apocalíptica hecha hasta la fecha, pero la amenaza que azota al mundo no es obra de criaturas malignas, sino de la propia naturaleza. Zeitlin nos quiere advertir de la amenaza a la que estamos abocados si no cambiamos nuestra forma de vivir y de sentir. Es una versión actualizada del mito del buen salvaje de Rousseau y trata de una manera auténtica y honesta cuestiones como la educación, la felicidad y la vida misma. Un regalo para todos los sentidos.     

BEÑAT EIZAGIRRE INDO.-

Pie de foto: Beasts of the Southern Wild convenció en San Sebastián después de triunfar en Sundance.

TRES DÍAS DE BUEN CINE EN DONOSTIA

Esta es la crónica de una ciudad costera del Norte de España, el último fin de semana de septiembre y cómo lo vivieron dos cinéfilos-periodistas en una de las experiencias cinematográficas más memorables que recuerdan.

Empezamos bien, con la rueda de prensa de Ben Affleck para su tercer film, Argo, junto a Alan Arkin. Argo es la película más política y más alejada del entorno que Affleck conoce, de Boston a Iraq y, también, la más aplaudida después de Adiós pequeña adiós y The Town. Lo cierto es que, todos los afortunados que la puedieron ver creen que respira a Oscar por los cuatro costados. Lo que sí que es: un buen thriller efectivo que homenajea a las películas de suspense de los años 70. Alan Arkin, uno de sus protagonistas, estuvo todo el rato bromeando junto al realizador bostoniano de 43 años y defendieron la película delante de un auditorio de periodistas y fotógrafos bastante lleno y entregado.

De las películas que hemos visto en tres días, os vamos a destacar siete, tres de Sección Oficial y cuatro de Zabaltegi. En sección oficial hemos visto dos de las cintas que más nos han cautivado, por muy distintos motivos. Dans la maison, de François Ozon respira cine en mayúsculas por todos y cada uno de sus fotogramas, coge al espectador, lo adentra en la trama, lo atrapa y no lo suelta hasta los créditos finales. Inteligente, divertida, este cóctel comedia sobre la educación y la escritura, melodrama y thriller familiar sorprende por su original planteamiento, en el que ficción y realidad, imaginación y escritura se estremezclan formando una película perfecta. Es inteligente y todas las piezas encajan, sea en la pantalla o en la mente del espectador, obligado a tomar parte en los acontecimientos que se relatan. Cuando Ozon se acerca a Chabrol, cautiva. También ayuda el buen hacer de su reparto: desde un Frabrice Luccini, que interpreta a un profesor de literatura hasta su esposa, Kristine Scott-Thomas, pasando por un joven Ernst Umhauer -que no recuerda a un jovencito Benoît Magimel- o Emmanuelle Sagnier, como madre de su mejor amigo y su "literario" objeto de deseo. 

Lo nuevo de Fernando Trueba, El artista y la modelo es también cine en mayúsculas, filmada de manera delicada y sensible, esta historia sobre la belleza, el arte y el sentido de la vida en general, nos fascina y nos conmueve a partes iguales. Perfectos también sus actores, el veteranísimo Jean Rochefort, como escultor y pintor y la catalana Aida Folch, como su modelo. 

La tercera en discordia sería Firefox, un curioso retrato de un grupo de quinceañeras norteamericanas en la década de los 50 que formaron una especie de hermandad secreta y aprendieron a vivir sin hombres, bajo sus propias reglas. Este film de Laurent Cantet (La Clase) tiene entre sus aciertos, un nutrido grupo de actrices jóvenes en estado de gracia y momentos realmente sorpredentes. Lo peor: su duración, dos horas y veintintrés minutos, que acaban agotando al espectador en muchos instantes.

ZABALTEGI PERLAS

En Zabaltegi, cuatro cintas también muy distintas entre sí. La esperada Après Mai, de Olivier Assayas, nos decepcionó. Su fresco de la juventud post-mayo del 68, no es lúcido ni profundo, sinó disperso, caótico y desordenado como son las vidas de sus cuatro protagonistas. No engancha al espectador y sólo tiene breves destellos de gran cine en alguna secuencia poética. La chilena No, de Pablo Larraín, con Gael García Bernal, nos ofrece en un tono desenfadado y en muchos momentos cómico, cómo se gestó la campaña publicitaria y todo el proceso que culminó en 1988 con un referéndum en contra de Pinochet. Hay momentos muy divertidos y se ve con facilidad, lástima que algunas secuencias sean demasiado repetitivas y no ayuden a agilizar y a hacer avanzar la trama. Por otra parte, Salvajes, de Oliver Stone, cumple lo que promete: tres jóvenes y atractivos enamorados (Taylor Kitch, Aaron Johnson y Blake Lively), un nutrido grupo de malos malotes, capitaneados por una estupenda Salma Hayek y un repusivo Benicio del Toro, además de un agente federal venido a menos, John Travolta enfrentados en una historia de sexo, drogas y mucha violencia. Lástima que el final nos convenza tan poco... Por último, El impostor, de Bart Layton, un curioso documental sobre un joven francés, usurpador de identidades, que se hizo pasar por el hijo adolescente desaparecido en Linares de una familia de Texas. La historia es apasionante, aunque falla un poco la manera de narrarla, pues no acaba de enganchar del todo al espectador. 

Como diría uno de los protagonistas de Dans la Maison, À suivant (continuará...)

SONIA BARROSO.-

Valoración: Una auténtica joya: Dans la maison, de François Ozon, huele a premio por los cuatro costados. Para nosotros la Concha de Oro sería muy merecida.

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EL ÁNGEL DE BUDAPEST TRIUNFA EN EL ZOOM

EL ÁNGEL DE BUDAPEST TRIUNFA EN EL ZOOM

Ayer sábado 5 de noviembre se falló el Palmarés de la 9ª edición del Zoom Festival Europeo de Cine para TV de Igualada, celebrado en la capital de la Anoia, entre el 2 y el 6 de noviembre. Los premios se dieron a conocer en el trascurso de la gala de clausura.

El Ángel de Budapest, de Televisión Española, dirigida por Luís Oliveros y protagonizada por Francis Lorenzo (de la serie Águila Roja), se llevó el premio al mejor telefilm. La historia narra las vicisitudes del diplomático español Ángel Sanz Briz en la capital húngara, considerado "el Schindler español". Este premio tiene una dotación económica de 3.500 euros.

Mientras que Le Piège Afghan consiguió el galardón para su director, Miguel Curtois (conocido por el film El Lobo). Se trata de un conmovedor drama ambientado en la guerra de Afganistán.

Otros premios relevantes fue el de mejor guión para Bon Voyage, de Margien Rogaard y el de mejor miniserie para Operación Jaque, de Sílvia Quer. 

La gala de clausura donde se entregaron estos premios contó con la presencia de Montserrat Carulla, Lluís Soler, Roger Coma, Marc Cartes, Cesca Piñón, Jordi Martínez, Llum Barrera, Ariadna Cabrol y Laura Guiteras; directores de películas programadas en esta edición del certamen, tales como Miguel Bardem, Silvia Quer y Simón Casal de Miguel; premiados e invitados de lujo como Rodrigo y Gonzalo Aragón -en representación de los míticos Payasos de la tele-, Kiko Ruiz -director de la nueva serie de TV3, Kubala, Moreno, Manchón, proyectada ayer en el certamen-, etc.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Francis Lorenzo da vida al "ángel de Budapest", telefilm ganador del Zoom.

COMPORTAMIENTOS HUMANOS ANTE UNA INVASIÓN ALIENÍGENA

COMPORTAMIENTOS HUMANOS ANTE UNA INVASIÓN ALIENÍGENA

Si una película ha contagiado más risas y buen rollo en Sitges, esa ha sido, sin lugar a dudas, Extraterrestre, la nueva comedia de Nacho Vigalondo. La película parte de una premisa de qué harían una pareja de jóvenes desconocidos, Julia y Julio, (Michelle Janner y Julián Villagrán) que no recuerdan mucho cómo acabaron la noche, cuando se despiertan al día siguiente con aún más extrañeza, pues se ha producido una invasión alienígena. 

La cinta parte de la ciencia ficción como pretexto para narrar de qué manera podemos compartarnos los humanos ante una situación extraordinaria y explica las reacciones de cuatro personajes ante la invasión.

Todo ello, en clave de comedia, contando con la complicidad de, además de los citados Janner y Villagrán, con dos ases de la comicidad española, como son Carlos Areces (Balada triste de trompeta) y Raúl Cimas (de la troupe de Muchachada Nui). 

Los diálogos están muy bien cuidados y, en todo momento, las situaciones provocan gran comicidad y complicidad con los espectadores. Ello produce que la comedia funcione al cien por cien y sea una película entretenida y disfrutable para todo tipo de espectadores. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Michelle Janner y Júlián Villagrán, ¿juntos ante la invasión?

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