LA 59ª EDICIÓN DEL FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN ALZA EL TELÓN

Clive Owen y Juan Carlos Fresnadillo se pasearán esta noche por la alfombre roja del Kursaal de San Sebastián en la gala de inauguración donde se proyectará su película Intruders, una cinta de fantasmas.

Durante 9 días, desde hoy 16 de septiembre hasta el 24, se proyectará mucho y muy buen cine, como lo son las tres películas españolas a competición. La voz dormida, de Benito Zambrano, elegida por la Academia por el Cine Español junto a Pa negre y La piel que habito como candidata para ir a los Oscars de Hollywood. También No habrá paz para los malvados, de Enrique Urbizu, con un sorprendente José Coronado; y Los pasos dobles, del siempre interesante Isaki Lacuesta lucharán por la Concha de Oro.

Mientras que en la sección Perlas de Zabaltegi se verán la enigmática Palma de Oro en Cannes, El árbol de la vida (ya reseñada en Facesonthebox), The artist, Drive o Le Havre, entre otras.

Glenn Close recogerá el testigo a Julia Roberts como flamante Premio Donostia por toda su carrera. Catherine Deneuve y Anouk Aimée serán otras dos grandes damas del celuloide que se pasearán por el Festival. Deneuve para conmemorar el ciclo Jacques Demy (Los paraguas de Cherburgo).

Este domingo se esperan la proyección de Shame, una de las sorpresas del reciente Festival de Venezia, con la presencia del ganador de la Copa Volpi al mejor actor en el certamen italiano, el ascendente Michael Fassbender (X-Men: Primera generación) y del director Steve McQueen, quienes ya rodaron juntos la aclamada Hunger.

Así pues buen cine de aquí y de todo el mundo se espera en Donosti.

SONIA BARROSO.- 

Pie de foto: Cartel de la 59ª edición de Donostia Zinemaldia.

DIÁLOGO CON DIOS Y LA NATURALEZA

El Festival de Cannes en sus dos últimas ediciones ha otorgado su Palma de Oro a dos propuestas bastante extrañas y desconcertantes. Si el año pasado fue El tio Boonmee recuerda sus vidas pasadas, de Apichatpong Weerasethakul, en esta ocasión ha sido premiada la particularísima visión del cosmos y de la vida del misterioso Terrence Malick, El árbol de la vida.

Es ya conocido el especial interés del director por la relación entre los personajes y la naturaleza, que siempre se convierte en protagonista central. Aunque esta vez, Malick se ha superado a sí mismo, poniendo a prueba la paciencia del espectador más neófito.

El árbol de la vida es una descripción visual y sonora del origen del Universo a partir del Big Bang y de la formación de la vida en la Tierra. En este sentido, muchas de sus secuencias parecen sacadas de un documental de la BBC de éstos que vemos en la 2 en la sobremesa. A partir de esto, la película se centra en la historia melodramática de una familia católica de cinco miembros en la América sureña de mediados de los ’50. El padre (Brad Pitt) es un severo y estricto progenitor, católico de acción y de pensamiento. La madre (Jessica Chastain, vista en La deuda) es todo lo contrario, llena de dulzura e ingenuidad. Los hijos crecen entre el miedo a su padre y el descubrimiento de la vida, de lo que está bien y lo que está mal. El mayor (interpretado por Sean Penn varios años después) es el conductor de este relato que se pregunta una y otra vez por qué Dios permite la muerte de uno de los hijos a punto de abandonar la adolescencia.

Malick dialoga con Dios y la Naturaleza en un relato panteísta y New Age, no apto para todos los públicos. Quienes sientan curiosidad por el origen y sentido de la existencia hallarán aún más preguntas que respuestas en el que es, sin lugar a dudas, uno de los retos fílmicos del año.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Emociones encontradas entre padre e hijo.

ESOS ODIOSOS JEFES...

Cómo acabar con tu jefe recoge el testigo de la actual comedia gamberra norteamericana, Resacón en Las Vegas o La boda de mi mejor mejor amiga, y lo lleva al terreno laboral.

A partir de las primeras secuencias del film nos damos cuenta de que es una comedia muy bien escrita, pues presenta en pocos rasgos a cada uno de los tres personajes protagonistas, tres empleados más o menos grises, sus motivaciones en su vida y en el trabajo y nos describe a continuación, a sus peculiares y odiosos jefes.

El guión es una sucesión de situaciones y gags muy bien resueltos, ya que el espectador pasa de la sonrisa de oreja a oreja a la carcajada en muchas ocasiones. Por ello mismo, la comedia funciona como un mecanismo de relojería. Aunque también es cierto que, en su tramo final se desmadra más de la cuenta.

Su trío protagonista tiene una química excelente. Por un lado Jason Bateman, el empleado aspirante a Vicepresidente de Ventas de la compañía; por otro, Jason Sudeikis, el ojito derecho del patriarca de una empresa química pero no del excéntrico hijo de éste; y finalmente, Charlie Day, el angustiado auxiliar de clínica dental acosado febrilmente por su cachonda jefa.

La cinta cuenta con la complicidad de sus actores secundarios, los jefes. De ellos, Kevin Spacey resulta el más creíble y apegado al mundo laboral cotidiano; Jennifer Aniston, es la más divertida -dando una vuelta de tuerca a los papeles de "niña mona" y pija que le han llevado a la fama-. Al contrario que Colin Farrell, quien resulta demasiado caricaturesco y un tanto desaprovechado por las pocas escenas en las que aparece (esperaremos ansiosamente a las escenas eliminadas cuando editen esta cinta en DVD). Atención al pequeño y jugoso papel de un pícaro Jamie Foxx, no tiene desperdicio.

Así pues, si os queréis reir con una película gamberra pero que a su vez esconde una sutil crítica al mundo laboral de hoy en día, esta propuesta es de lo más recomendable. Una de las comedias más frescas de la cartelera actual.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Nuestros tres atribulados empleados intentando tomar las riendas en su peculiar mundo laboral.

PUERTAS QUE SE ABREN Y SE CIERRAN

La conducta humana es incoherente por naturaleza. Hay personas que no son felices, pero prefieren engañarse a ellas mismas antes que enfrentarse a quien se les provoca esta infelicidad. No es inusual encontrar a alguien que cuando es feliz, busca en su interior nuevos indicios de falta de ella. Con estas premisas y algunas más acerca de las diferencias de comportamiento entre hombres y mujeres se teje La Cara Oculta, un interesante thriller psicológico obra del colombiano Andrés Baiz.

El inicio del film no es muy prometedor, pues tiene demasiados elementos comunes con los melodramáticos telefilmes de sobremesa que no hacen más que preguntar al espectador por qué sigue sentado en la butaca...Afortunadamente, la paciencia da sus frutos y la esencia de Hitchcock y otros grandes maestros del cine de suspense hacen su entrada triunfal en la cinta. Conforme avanza el film, va creciendo el interés por el mismo hasta que el desenlace final hace pensar al espectador que ha hecho muy bien de venir a verla.

Este film es una coproducción entre España y Colombia. Quim Gutiérrez no acaba de parecer del todo brillante en su papel de desconcertante concertista, pues no logra conectar con la inquietante presencia exigida por el guión. Menos mal que a su lado está la brillante Clara Lago, quien logra expresar toda la emotividad necesaria para dar a la cinta el todo adecuado. Por otra parte, la colombiana Martina García queda desubicada en su papel.

En su conjunto, resulta agradable de ver aunque algunos diálogos flojean un poco pero menos mal que conforme avanza el film, Clara Lago toma las riendas escénicas para llevarlo a buen puerto.

DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: Clara Lago y Quim Gutiérrez, en la presentación de la cinta.

TRES POLICIAS DE BROOKLYN Y UNAS VIDAS DESESPERADAS

El género policial es un filón en Hollywood que arranca casi con los inicios del cine. Flirtear con el bien y el mal, moral poliédrica, emociones difíciles de controlar son los elementos que hacen que la vida de algunos protectores de la ley en la gran pantalla consigan el favor de público y crítica.

En este caso, el afroamericano Antoine Fuqua, quien ya sorprendió gratamente al mundo con Training Day se atreve a dar una nueva vuelta de tuerca en Los amos de Brooklyn -cabe decir que el título original Brooklyn’s finest significa La élite de Brooklyn-. Su propuesta parte de la base de tres policías de dicho barrio neoyorkino quienes no encuentran salida en sus vidas llenas de deudas, desarraigo y desilusiones.

Ethan Hawke (quien ya coprotagonizara Training Day) es un padre de familia numerosa, católico sui géneris y desesparado por mudarse de casa ante los problemas de salud de su mujer y el aumento de su prole no duda en cometer actos inconfesables para conseguir el pasaporte a su nuevo y deseado hogar. Don Cheadle es un brillante, ambicioso y esforzado detective, no duda en infliltrarse en el otro lado de ley -pagando un alto precio por tan difícil misión- sin a priori saber que será allá dónde halle la verdadera amistad en un narcotraficante interpretado por Wesley Snipes. Para finalizar,la historia más zen, un melancólico Richard Gere a punto de alcanzar la jubilación, que parece destinado a hacer que su último dia de trabajo sea su perdición y su final...

Cada fotograma del film destila desesperación, todo se ve negro en el horizonte, no se atisba esperanza en este abismo, pues  no parece haber una buena salida posible. En este sentido, es mucho más oscura que Training Day, pero también moralmente más ambigua, lo que la hace una obra mucho más interesante.

Queridos lectores: No penséis que en las líneas anteriores se esté desvelando toda la trama de la cinta, pues conforme evoluciona,ésta adquiere un sinfín de sorpresas que se concentran en unos vibrantes e intensos minutos finales. Así que si de entrada no os convence, esperad a ver la segunda parte de la película...

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Negro es el horizonte... y negras son las intenciones de los desesperados protagonistas de la cinta.

EL LÍMITE ENTRE VERDAD Y MENTIRA

La deuda, es la nueva película de John Madden y muy poco tiene que ver con trabajos anteriores del cineasta, como Shakespeare in love o La mandolina del capitán Corelli. Tomando como puento de partida el film del año 1997, Ha-Hov, del israelí Assaf Bernstein, Madden crea una cinta de espionaje, íntima y personal, de carácter psicológico, aunque también con algunas e impactantes momentos de thriller crudo y descarnado.

La historia de tres agentes del Mossad en el Berlín de finales de los 60, interpretados por la muy notable y ascendente Jessica Chastain (protagonista de Tree of Life, de Terrence Malick), Sam Worthington y Marton Csokas  en una misión para capturar a un peligroso criminal nazi, apodado el "Carnicero de Birkenau", que ejerce como médico, sirve para establecer el triángulo de relaciones de amor-odio que se establece entre ellos. Así como para poner en marcha los delicados mecanismos por los que transita el alma humana cuando una víctima tiene frente a frente a un verdadero monstruo. Además, de poner en tela de juicio los límites entre la mentira y la verdad debido al trabajo de unos agentes, a quines se  presupone verdad, integridad y honestidad.

Desde luego, el relato acontecido hace 30 años por los jóvenes agentes es infinitamente más interesante que la historia que se desarrolla en el momento actual, cuando es Helen Mirren (el personaje de Jessica Chastain de mayor) quien ha de resolver una historia que ha marcado sus vidas para siempre.

No obstante, la película es demasiado densa y asfixiante, no suelta al espectador ni le da un respiro y realmente no es previsible, lo que ya es mucho en el cine actual. Si lo que os gustan son los thrillers psicológicos, esta película funciona a la perfección. Ahora, si lo que buscáis es una cinta de espías de acción "jamesbondiana" no lo encontraréis.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: La consagrada Helen Mirren y Jessica Chastain, una actriz en alza, protagonizan esta cinta de espías.

TRISTEZAS Y ALEGRÍAS EN EL DESCUBRIMIENTO DE LA VIDA

Stella, de Sylvie Verheyde trata del despertar a la edad adulta de una niña del mismo nombre en el París de finales de los 70. Esta chiquilla vive con sus padres, dueños de un bar, muy ambientado sobre todo por las noches, y sabe más de sexo, póquer y cosas de adultos que de asuntos relacionados con su edad. Su educación familiar choca con la del colegio de pago al que asiste, donde conoce a Gladys, una compañera, muy buena en sus estudios, que la hará amar la lectura y la introducirá en un mundo completamente desconocido para ella. En contraposición con Geneviève, su amiga de veranos en el norte de Francia, una niña con una familia un tanto desestructurada. 

No conviene saber mucho más sobre este retrato del paso de la infancia a la edad adulta, pues la niña transita por una variedad de estados y vive un sinfín de experiencias (sociales, educacionales, sexuales, sentimentales, etc) que la harán irse forjardo una personalidad de luchadora y superviviente, encontrando su lugar en el mundo.

Tanto las experiencias positivas como los contratiempos son explicados desde los ojos de Léora Bárbara, una actriz que encarna a la perfección los vaivenes diarios de Stella para tratar de buscar su hueco en la sociedad que la rodea y, por ende, en el mundo.  

La película habla de que no sólo la familia y el entorno social condiciona a la persona, sinó también las decisiones que uno va tomando, sean o no acertadas. 

En este sentido, es un magnífico relato de iniciación, que destaca por su manera de ser narrado y por el buen hacer de todo su reparto, Karole Rocher y Benjamin Biolay (los padres de Stella) e incluso el ya desaparecido, Guillaume Dépardieu, en el papel de un chico duro de barrio, pero entrañable al mismo tiempo. Una pequeña joya en las carteleras de esta semana. No os la perdáis.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Stella, de la infancia a la edad adulta.

Nota: La cinta se estrena este jueves 8 de septiembre.

¡LARGA VIDA AL WESTERN!

Este último año, hemos visto resurgir un género con fuerza, en sus más variadas formas: Se trata del western.

En febrero nos sorprendimos gratamente con Valor de Ley, el remake propuesto por los hermanos Coen de una película del año 1969 con el mismo título. En esta ocasión no era John Wayne sinó Jeff Bridges que encarga a Rooster Cogburn, un alguacil deslenguado pero valiento que atraviesa una tierra hostil en compañía de una niña -Hailee Steinfeld, un gran descubrimiento como actriz-. El western servía de excusa para ahondar en lo más profundo del alma humana y, en cada recoveco emocional la película se hacía más íntima.

De un western intimista a uno de animación. Rango, que llevaba la marca de Johnny Depp en cada gesto y manera de ser de este camaleón tan especial, tambien nos sorprendió. Aquí los escenarios y personajes propios del western servían para crear una cinta de aventuras y acción con muchísimas referencias cinéfilas a otros films.

A principios del verano Blackthorn, de Mateo Gil, reformulaba el género tomando como punto de partida al legendario Butch Cassidy de la conocidísima Dos hombres y un destino. De nuevo, el western volvía a hacerse intimista importando más las reflexiones de sus personajes que la propia acción.

Ahora con Cowboys & Aliens, el western se reinventa y se fusiona con la ciencia ficción en un "espectáculo palomitero", tal y como acabamos de comentar en Facesonthebox.

SONIA BARROSO.-

Nota: Valor de ley la reseñamos en el mes de febrero, Rango en el mes de marzo, Blackthorn en el mes de julio y Cowboys & Aliens a finales de agosto.

WESTERN TÍPICO Y TÓPICO CON EXTRATERRESTES

El western es el género pionero por excelencia, compendio de todos los demás. Por ello mismo, no es de extrañar que se pueda mezclar con otra clase de géneros y temáticas. Esto es lo que ocurre en Cowboys & Aliens, la nueva película de Jon Favreau, dispuesta a reventar taquillas.

En este caso, partiendo de un western clásico, con sus escenarios y personajes habituales, típicos y tópicos del género: el terrateniente orgulloso (interpretado en por Harrison Ford); su hijo, necio, cobarde y fanfarrón -un excelente Paul Dano, que se está convirtiendo en un secundario de prestigio-, el dueño del saloon en busca de una vida mejor -Sam Rockwell, alejado de sus papeles más freakies- y, como no, el héroe, una especie de "llanero solitario", que no recuerda su pasado ni tiene claro su futuro, -al que presta sus rasgos duros un impertérrito Daniel Craig, que bebe de la herencia áspera de Clint Eastwood-. El único papel femenino de entidad se lo reserva Olivia Wilde, quien da vida a Ella, una mujer tanto o más misteriosa que el personaje del propio Craig, de quien no conviene desvelar nada.

Estos cowboys, sean forajidos, terratenientes, trabajadores u hombres de Dios, tendrán que hacer frente a una amenaza común, la de unos alien que han plantado su nave enmedio de territorio indio. Todos ellos se verán obligados a dejar a un lado lo que les separa y trabajar juntos por el bien común. Por otra parte, y como ya pasaba en Super 8, la aparición de los monstruos se da en cuentagotas, muy bien dosificada.

Lo mejor de la cinta es su planteamiento inicial, el dibujo de los personajes principales (aunque sean tópicos y esquemáticos y muy arraigados al western) y el primer ataque de los alien al pueblo en plena noche. El transcurso de la película es más previsible. Jon Favreau demuestra su buen pulso narrativo -como en Iron Man- dotando la historia de momentos de aventura, acción y emoción y la búsqueda de que cada personaje tenga como mínimo su minuto de gloria. Al final, tanta pirotecnia visual y sonora y tantos alien saliendo de su nave, como si se tratase de búfalos en estampida, acaban cansando un poco. 

Así pues, es una película entretenida con un plantel de actores solventes, que no pretende ser más de lo que es, un blockbuster veraniego.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Jake Lonergan (Daniel Craig), un rudo forajido dispuesto a todo.

Nota: La película se estrena mañana 2 de septiembre.

ENTRETENIMIENTO SENSIBLE CON MONSTRUO

Mucho se ha dicho de Super 8, de J.J. Abrams: que es testigo de las películas de aventuras que marcaron la década de los 80, como E.T., Los Goonies, Cuenta Conmigo;que recoge la herencia de Steven Spielberg y Amblin Entertainment (que además son el productor y la empresa productora de esta película), etc.

No obstante, con estos antecedentes me esperaba mucho más de ella. Sí que es un buen producto de entretenimiento, está bien realizada, tiene un punto de partida y un desenlace que engancha, pero también presenta algunos problemas. J.J. Abrams resulta de los más acertado al dosificar las apariciones de "su monstruo" e irlo presentando como una amenaza desconocida, pero se pone grandilocuente en algunas secuencias (como la del pueblo sitiado por los tanques).

La cinta está plagada de homenajes, a George A.Romero y su Noche de los muertos vivientes (en la cinta que ruedan los protagonistas), a Alien, a Parque Jurásico (en la escena del convoy militar asaltado por la criatura) y a las citadas películas de los 80, que marcaron nuestra infancia o juventud.

El casting infantil es adecuado, aunque por encima de todos brille esa pequeña gran actriz llamada a convertirse en la nueva Nicole Kidman dentro de poquitos años: Elle Fanning. Ella es el alma de la película, tanto cuando interpreta a la resulta Alice, como cuando hace su performance en la película de zombies que graban los protagonistas. Su rostro brilla con luz propia.

Al final se le va un poco la mano, J.J. Abrams se pone un poco "ñoño", la verdad y no agunta el pulso de un relato trepidante más en la forma que en el fondo (pues el guión peca de demasiado esquemático en muchos momentos). 

No obstante, aguntad a los créditos finales, hay una sorpresa que vale mucho la pena y que compensa de sobras algunos excesos y sensiblerías del metraje final. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Elle Fanning en primer plano, en una de las secuencias más trepidantes del relato.

Nota: La película se estrenó el pasado viernes 19 de agosto.

ANTES DE TENER QUE REDIMIRTE...

El hombre es débil por naturaleza, no sólo física sino también en cuanto a carácter. Este es el caso presentado en Dinero fácil, dirigida por Daniel Espinosa en la adaptación de la homónima primera novela del también sueco Jens Lapidus quien también colabora en el guión.

JW, un brillante estudiante de Económicas es tentado por la vida ostentosa de la élite universitaria de Estocolmo y se acerca a un precipicio delictivo, a cuyo abismo había visto de forma lejana. Entonces salta al vacío, pues en su fondo ve un manantial de oro, que tan largamente había anhelado y que hasta la fecha había acariciado haciendo creer, incluso a sí mismo, que era su legítimo amo y señor.

De este modo, nuestro particular Fausto pacta con el diablo para consagrar su amor con una bella patricia nórdica.

En su caída tropieza con una variopinta galería de personajes que cayeron antes de él y tentados por muchísimo menos. Dichos coprotagonistas son Jorge, un latino con sueños de ser el nuevo Pablo Escobar y Mrado, un excombatiente de la fracturada ex-Yugoslavia. Ambos personajes tienen en común, a diferencia de JW, una vida familiar que les recuerda que deben redimirse. Estas subtramas hacen que el ritmo vivo de la cinta no acabe asfixiando al espectador e insufle aire a la trama principal.

Mucho se ha hablado del auge de la novela de género criminal del norte de Europa, pero en este caso estamos hablando más de James Ellroy de de Stieg Larsson. Y si queremos hacer la odiosa comparación cinematográfica esta cinta es mucho más Abel Ferrara que Martin Scorsese.

Quien quede contento con Dinero fácil que sepa que se están rodando las otras dos partes de la trilogía negra de Estocolmo de Jens Lapidus.

DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: JW, nunca debiste quitarte el traje...

Nota: La película se estrena este viernes 26 de agosto.

AMOR, SEXO Y TELEVISIÓN

Lo contrario al amor, de Vicente Villanueva, ópera prima de un director forjado en cortometrajes, sería una comedia romántica al uso más de no ser por algunos detalles que la elevan de la media de este tipo de producciones.

En primer lugar, por el plantel de actores, comenzando por su atractiva pareja protagonista, Hugo Silva y Adriana Ugarte, que están arropados por un nutrido grupo de secundarios, como Rubén Sanz y Álex Barahona, caras conocidas de series de comedia de la pequeña pantalla. Los tres chicos interpretan a tres bomberos con el "síndrome de Peter Pan", amigos y colegas, que un buen día conocen en acto de servicio a Merce (Adriana Ugarte) y se apuestan quién se la llevará antes a la cama. 

La película acusa bastantes tópicos sexuales y juega intencionadamente con el mito sensual del bombero y de los hombres de uniforme. Al menos, tiene gracia en bastantes momentos, quizás por el buen hacer de los actores y de un guión que pretende retratar los trenteañeros españoles de hoy en día, sus juergas, su trabajo, etc. Por otra parte, la cinta se encarga de poner en tela de juicio los miedos e inseguridades de los jóvenes en cuanto al amor y al sexo se refiere y todo lo que puede echar a perder una relación de pareja.Todo ello en clave de comedia.

Aunque quizás lo más jugoso de la función sea el personaje de Loreto Monedero, la hermana de la protagonista (una creíble Guadalupe Lancho), una cantante-actriz-presentadora de televisión, cuyas peripecias sirven para poner en el ojo crítico a todos aquellos personajillos o famosetes de medio pelo que la "televisión basura" actual ha creado.

Si lo que buscáis es un entretenimiento veraniego inofensivo, distraído y sin demasiadas complicaciones, ésta es vuestra película, pasaréis un buen rato.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Los televisivos Adriana Ugarte y Hugo Silva son la atractiva pareja protagonista.

¿AMIGAS PARA SIEMPRE?

El subgénero de bodas dentro de la nueva comedia americana ha dado un giro argumental y de personajes en estos últimos tiempos, con la irrupción de cintas como Resacón en las Vegas, donde importan más que la pareja de novios y el día de la boda, las peripecias de los amigos del novio antes del día del enlace.

La boda de mi mejor amiga se inscribe dentro de esta nueva tendencia, aunque no es exactamente el reverso femenino de Resacón, aunque sí que nos presenta las peculiaridades de cada una de las amigas de la novia, centrándose en dos de ellas. La primera, Annie (que cuenta con la comicidad de Kristen Wiig), es una treiteañera quien sus relaciones amorosas se limitan a unos cuantos encuentros furtivos sexuales con una hombre que la valora sólo como un "pedazo de carne" y que tiene un trabajo que no la satisface. La parte que más la llena es la amistad con Lillian. Aunque le ha salido una competidora: Helen (Rose Byrne), una nueva amiga de la novia, rica y pija, perfecta en su apariencia y muy buena organizadora de fiestas. La rivalidad entre Annie y Helen proporciona algunos de los momentos más divertidos de la cinta.

En la película no sólo hay rivalidad femenina, sinó también amistad, compañerismo, servido con pinceladas de humor grosero, sexual y escatológico, tan en boga en las películas donde Judd Appatow tiene algo que ver, ya que se reserva las tareas de productor ejecutivo, en este caso.

Si buscáis una película de mujeres (pero no sólo "para mujeres"), divertida, con sentido del ritmo y con gags bien servidos, ésta es vuestra película. Mucho más original que Resacón 2 sí que lo es.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: El original cartel de la película.

LA INTEGRIDAD DE UN SAMURAI

El viernes 12 de agosto llega a nuestras pantallas una de las películas que causó más furor en las pasadas ediciones de los festivales de Venezia y de Sitges: 13 Assassins, de Takashi Miike.

En ella se narra la historia de una venganza, la de un padre al que un señor feudal asesina a su hijo y a su nuera de forma salvaje, así como a muchos criados, torturándolos violentamente -como se puede ver en el impactante y sangriento comienzo de la película-. Éste, con la ayuda de otro veterano samurai consigue reclutar a un grupo de samurais, dispuestos a dar su vida para reestablecer el orden perdido.

La cinta combina momentos más intimistas, como la descripción de los códigos de lealtad, honor e integridad de los samurais, con secuencias de aventuras y acción. En ella, hay ecos del cine clásico japonés y referencias a maestros como Ozu o Kurosawa.

El tramo final de la película es el de una batalla y está rodado como una pieza de orfebrería: pues es de tal precisión, ritmo y maestría, que hacen que Miike haya filmado un clásico contemporáneo. Ante todo está el honor de los samuráis, que es más fuerte y más válido que la propia vida humana, pues vale la pena sacrificarla por dicho honor.

SONIA BARROSO.- 

Pie de foto: El grupo de samuráis preparado para la batalla final.

INTELIGENCIA SIMIESCA

El origen de El Planeta de los simios, de Rupert Wyatt, es una de las mejores precuelas (o reboots) que se han hecho últimamente. Y es que la película te atrapa desde el primer momento y no te suelta en toda la proyección. Cosa que tiene muchísimo mérito, teniendo en cuenta que nos hayamos en plena canícula y que hay pocos blockbusters que valgan la pena.

Nos cuenta la historia de Will, un científico (interpretado por James Franco, que cuando se pone serio, la verdad es que gana muchísimo como actor) que está ensayando con chimpancés una vacuna contra el Alzheimer, tema que le toca muy de cerca, pues su padre está afectado por esta terrible enfermedad. Pero un día las cosas se tuercen y una chimpancé muere. Ésta ha dejado un bebé chimpancé, que Will criará en casa durante varios años, como si fuese su propio hijo. La relación que se establece entre Will, el chimpancé César y su padre es de lo mejor de la cinta, sin desmerecer el resto, pues es entrañable, sin resultar para nada empalagosa.

Aunque luego, César crece, sale al exterior y comienzan los problemas...Hasta aquí lo que os podemos desvelar de una trama con un ritmo poderoso, aunque no apabullante que combina momentos de intimidad, como el descubrimiento y el forjamiento de la identidad del chimpancé con otros de acción, como su tramo final, que no desvelaremos, que no es tampoco demasiado explosivo ni increíble para lo que suelen ser este tipo de producciones.

Mención aparte merecen los efectos de captura del movimiento que se emplean para recrear a César y al resto de los simios, pues son muy reales y, además, están muy bien conseguidos. Andy Serkis, que ya es veterano, pues recreó tanto a Gollum como a King Kong da vida a César, este chimpancé con una inteligencia superior a su raza.

Así pues, os recomendamos esta cinta para todos aquellos amantes de las películas de acción y ciencia ficción, pero que quieren encontrar algo más bajo su superficie.

SONIA BARROSO.

Pie de foto: César, un chimpancé de una prodigiosa inteligencia.

SALVANDO AL MUNDO SIN DESPEINARSE

En tiempos de crisis, no sólo económica sinó también de valores surgen revulsivos para elevar el ánimo de la población.

Desde Hollywood proponen un "back to the basics" y sacan del baúl de los recuerdos a Capitán América. El encargado de dirigir tan mesiánica tarea es Joe Johnston, un profesional con experiencia en cine de acción y fantástico, pues suyas son Rocketeer, Jumanji y la tercera parte de Jurassic Park.

El actor quien se enfunda las mallas, repartiendo mamporros y sonrisas sin despeinarse para salvar no sólo América, sinó, también el mundo, es Chris Evans.

El film parece en toda regla una fidedigna adaptación del cómic de inicios de los ’40 (del siglo pasado, se entiende) a la gran pantalla. Las emociones mostradas en los caracteres son muy dualistas: los buenos son muy buenos y los malos son muy malos. En este caso, la inocencia de una bondad desbordante sin mácula alguna es recompensada con la mayor de las glorias que ayudan a aliviar las penas del camino. Aunque este mensaje parece ligeramente demodé en los tiempos modernos, conjuga a la perfección con el resto de los elementos del film en la que se destaca una interesante ambientación del ambiente de Nueva York de los ’40.

Nuestro héroe no está solo, pues la bella Hayley Atwell es la sufrida enamorada: un romance con recuerdos de bigudí, Heno de Pravia y loción de afeitado Floïd.

La vuelta al mundo real la pone Samuel L. Jackson quien con su presencia consigue, de modo literal, entusiasmar y casi alborotar al respetable. Con él se anuncia que nuestro héroe es el primero de Los Vengadores.

Muy importante: quien se espere al final de los créditos tendrá una agradable sorpresa en este sentido...

DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: Por tierra, mar o aire, Capitán América está dispuesto a todo.

DESDE FRANCIA CON AMOR

De todos es sabido que el principal mercado de cine es en Cannes, también que la publicación de cabecera de los cinéfilos más sesudos es Cahiers du Cinema. Es por ello que, a pesar de no contar con una industria tan potente como la hollywoodiense, a nadie le debe sorprender la afirmación que el cine que se hace en Francia es, cualitativamente, el mejor del mundo. Hace un tiempo que de tierras galas nos vino El profeta y ahora le llega el turno a El caso Farewell.

En esta cinta se combinan, como en la vida géneros como el drama, la comedia, el thriller...y es que la vida a veces imita al arte. Ésta es una historia de espías de la vieja escuela, de realidades cotidianas en las que el deber de la patria se ha de conjugar con recoger los niños de la escuela. La historia como tal podría resultar un esperpento o un telefilme perfecto para ver a duermevela, pero tal y como podéis deducir, no lo es.

De ello se encarga el polifacético Christian Carion quien compagina la dirección con el guión. Delante de las cámaras se hallan dos actores que también son realizadores: Guillaume Canet (director de la inolvidable Pequeñas mentiras piadosas) y Emir Kusturica (responsable de las eclécticas Underground y Gato negro gato blanco).

Poco más puedo decir del argumento, pues la gracia de la película está basada en una excelente recreación de unos hechos reales. Que esté basada en una historia real no ha de suponer un prejuicio, sinó que los amantes del buen cine, cansados ya de tanto blockbuster veraniego, vayan a verla y se dejen envolver por una historia realmente cautivadora en todos los sentidos.

DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: Dos espías en horas libres.

Nota: La película se estrena el 5 de agosto.

ENTRE TOCHOS ANDA EL JUEGO

Hay ideas buenas y malas. Si una buena idea se lleva a cabo en un formato que no le corresponde, hay riesgo de perderse por el camino.

Este es el caso de El hombre de al lado. La historia es original, pero contiene visos de cotidaneidad que la hacen perfectamente interpretable para el amplio público. Los personajes principales son estereotipos que podemos encontrar a la vuelta de la esquina, o en el mismo replano de casa.

Dichos personajes se ven envueltos en una mundana discusión por una obra y en la defensa de sus intereses hace que surjan de ellos instintos irreprimibles que a la sazón son los que marcan su personalidad y definen las relaciones que tienen con el resto de las personas de su entorno.

Hasta aquí lo bueno. Lo malo es que dicha historia se podría explicar en formato de cortometraje y seguramente hubiera tenido un resultado muchísimo más notable que el que nos ocupa. Las subtramas son insípidas y repetitivas por lo que hacen que el desarrollo de la trama se ralentice en exceso. Excepcionalmente, hay momentos muy inspirados, tales como, cuando los dos amigos "gafapastas" descubren "nuevas" melodías en el sofá, o las ocasiones en las que el coche de uno de los protagonistas, un rara avis de Citröen C6, aparece en pantalla.

El final de la historia no es nada previsible y hace que cuando abandonemos la sala casi lleguemos a olvidarnos del excesivo metraje y valoremos en que buena idea se basa el film.

DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: En el rostro de Daniel Aráoz se reflejan la inseguridad y pobreza de espíritu de su afamado vecino.

LA MAMMA ES SIEMPRE LA MAMMA

El cine italiano actual nos está dando buenas muestras de que, cuando se trata de recreaciones setenteras, ellos son los mejores en realizarlas. Excelentes pruebas de ello son Romanzo Criminale, de Michele Placido, donde, a partir de la descripción de unos hechos delictivos llevados a cabo por La Banda Magniana de Roma, se retrataba toda una época; asimismo sucedió en Mi hermano es hijo único, de Daniele Luchetti, donde la historia de los dos hermanos queda enmarcada fielmente en la década de los 70. 

La Prima Cosa Bella va un poco más allá. Pues el ejercicio de nostalgia que se nos plantea es tan grande como en las tragicomedias italianas de la Loren o la Magnani. La película, desde nuestro punto de vista, es un extraño cruce entre Matrimonio a la italiana (donde había un memorable tête-a-tête entre Marcello Mastroianni y Sofia Loren) y la más reciente, Una chica cortada en dos, de Claude Chabrol, aunque sin tanta mala bava.

La película es una historia de amor y desamor pasional y "muy italiana", con colorido, expresividad y emoción, así como un retrato de distintas generaciones de una misma familia para llegar a la conclusión que pase lo que pase entre sus miembros la mamma siempre será la mamma y que los pecados de familia siempre serán perdonados, de un modo u otro. 

Si queréis pasar por distintos estados de ánimo, de la risa al llanto, ésta es su película. No en vano, la cinta cuenta con tres David de Donatello, a los mejores actores principales y al mejor guión y representó a Italia en los Oscar. Nos hallamos, pues, ante una gran historia italiana y, por ende, universal. No os la perdáis. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Micaela Ramazzotti interpreta a una mamma muy italiana y pasional.

AYUDAR A LOS DEMÁS PARA COMPRENDERSE A UNO MISMO

Dicen que los buenos sentimientos están pasados de moda, pero no hay nada más reconfortante que sentarte ante una pantalla y dejarse transportar por una historia que es como la vida misma, con personajes de carne y hueso, que viven, sienten y padecen como cada uno de nosotros.

Silencio de amor, de Philippe Claudel es una extraodinaria historia de un hombre ordinario (interpretado por un excelente Stafano Accorsi) que es profesor, padre de una adolescente en plena “edad del pavo”, hermano de su hermano que no quiere salir de casa hasta que Berlusconi caiga del poder y sobre todo, sigue enamorado del recuerdo de su difunta esposa. 

Lo que sucede en la trama, mejor no saberlo, pues la gracia es dejarse llevar por el fluir de unos personajes entrañables, de unos diálogos chispeantes de comedia y tristes y trascendentes cuando han de serlo.

Nada sobra ni falta en esta historia de personas que intentan ayudar a los demás, sin ayudarse primero a sí mismas. Los actores están en comunión unos con otros en una de las sinfonías más bonitas que se han visto últimamente en la gran pantalla.

Una preciosa película para todos aquellos que aman salir del cine con una sonrisa y con la emoción a flor de piel.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: La película aborda las no siempre sencillas relaciones entre padres jóvenes e hijas adolescentes.