LOS VERDI RINDEN HOMENAJE A ALFRED HITCHCOCK

Un avión que fumigaba cosechas donde no las había ante la atónita mirada de un granjero y Roger Thornhill (Cary Grant). Un hombre solitario, propietario de un motel de carretera, aficionado a la taxidermia, a vestirse de mujer y a espiar a Janet Leigh. Una terrible torre de campanario, donde se cernía la tragedia entre James Stewart y Kim Novak. Todo un pueblo pendiente del cielo y de sus inquietantes y amenazadores habitantes alados.

Éstas y muchas otras imágenes nos vienen a la retina al recordar cuatro obras maestras de Alfred Hitckcock: Con la muerte en los talones; Psicosis, Vértigo y Los pájaros. 

Los cines Verdi de Barcelona y Madrid han tenido el acierto de programar a partir del miércoles 4 de abril estos cuatro títulos en copias restauradas y en alta definición para disfrutar como nunca de cuatro clásicos del suspense, imprescindibles, tanto para los que ya las han visto como para los que aún no. Además, todas en versión original subtitulada.

A las 16h, Psicosis, con la escena de la ducha más mítica y terrorífica de la historia del cine, acompañada de la inquietante banda sonora de Bernard Herrmann y el perturbado Norman Bates (Anthony Perkins). Como curiosidad, destacar que Hitckcock tuvo que eliminar algunas escenas menores de la película para sortear la censura de la época que la condenaban por sexo y violencia. La actriz Janet Leight tuvo que vivir permanentemente con cartas amenazantes hasta su muerte, que fueron invertigadas por el FBI.

A las 18.10h, Los Pájaros, una película que resultó una auténtica tortura para su protagonista, Tippi Hedren, que resultó herida en una de las secuencias claves de la cinta y necesitó tres días para recuperarse. Además, la sensación de desasosiego la consiguió sin música -sólo con los sonidos de las aves- y omitiendo el clásico "The End" al final de la cinta.

A las 19.30h, Vértigo. De entre los muertos, donde se narra la obsesión de un detective de policia (James Stewart), que padece vértigo a causa de un terrible accidente, por una bella y traumatizada mujer (Kim Novak). Incluye unos espectaculares créditos iniciales y algunas secuencias inquietantes que se quedan grabadas para siempre en la memoria del espectador. Incluso la reciente The Artist hace un homenaje sonoro a su partitura.

A las 22h, Con la muerte en los talones, una divertida, romántica y tensa cinta de espías, con un memorable Cary Grant y una deliciosa Eve Marie Saint y con una secuencia de avioneta planeadora, muy referencial en toda la historia del cine. Además, es la primera vez que se acuña el término mcguffin, o excusa argumental irrelevante pero que hace avanzar la trama.

Así pues, sería un delito perderse estas cuatro joyas en pantalla grande.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Roger Thornhill (Cary Grant), perseguido por la muerte.

AMOR, SANGRE Y ZOMBIES

Llega la nueva entrega de Rec 3, cuyo máximo responsable es Paco Plaza, pues Jaume Balagueró consta sólo como productor creativo y únicamente se ocupará de la cuarta y última parte de la saga.

Esta vez la infección se rpopaga durante una celebración de boda. Los novios, Koldo (Diego Martín) y Clara (Leticia Dolera) harán todo lo posible por sacar adelante el que tenía que ser el día más feliz de sus vidas.

Esta película, a diferencia de sus antecesoras, es menos inquietante y más humorística y gore. En este sentido, sus referentes parecen haber sido Braindead, de Peter Jackson y Posesión Infernal, de Sam Raimi.

Aparte de su sentido del humor macabro, otro de los aciertos de la película es convertir a su protagonista, la novia "pija", que interpreta Leticia Dolera en una aguerrida guerrera mata-zombies que nos recordó a Alice (Mila Jovovich) en Resident Evil. Ya en Very Bad Things, Cameron Díaz demostró de lo que era capaz una novia rabiosa por sacar adelante el día de su boda, y aquí Clara, con motosierra incluída, hará todo lo posible por destruir a todos aquellos zombies que les perturban...Así mismo, hay una divertida referencia en la transformación del novio Koldo en un caballero catalán legendario, que lucharará por el mismo fin: salvar su amor.

Así pues, estamos ante una festiva celebración del amor, aderezada con sangre, muertos vivientes y escenas de truculencia divertida, a ritmo de una BSO ecléctica que va del "Gavilán o Paloma", por Pablo Abraira al "Chup chup", de Australian Blonde o "Mi novio es un zombie", de Fangoria. 

Un entretenido divertimento que no defraudará ni a los amantes del gore más "festivo" ni a los fans de la saga.

J.R.PALOMAR.-

Pie de foto: Clara, una novia muy sufrida en el día más feliz de su vida.

LA PASIÓN PROHIBIDA DE CATHY Y HEATHCLIFF

Wuthering Heights (Cumbres Borrascosas), de la escritora británica decimonónica Emily Brönte, es, ha sido y seguirá siendo una obra cumbre sobre la pasión amorosa. La relación imposible entre Catherine y Heathcliff ha sido adaptada infinidad de veces en la gran pantalla con más o menos acierto. Una de las mejores fue la que protagonizaron Laurence Olivier y Merle Oberon en 1939, de la mano de William Wyler. Algunas adaptaciones curiosas fueron la versión de Luís Buñuel titulada Abismos de Pasión (1954) y la japonesa Agashi Ga Oka (1988). En el año 92, eran Juliette Binoche y Ralph Fiennes, quienes recuperando el academicismo volvían a ponerse en la piel de los desdichados amantes.

Ahora nos llega una versión menos académica que las anteriores, pero que conserva su misma esencia: el alma inmortal de su romanticismo. La directora de Fish Tank, Andrea Arnold, nos propone su versión de la historia y consigue hacer algunas modificaciones que no restan intensidad dramática al relato.

¿Qué tiene de especial esta nueva Wuthering Heights?

Para comenzar, haber escogido unos protagonistas, los cuáles son prácticamente desconocidos para el gran público, Kaya Scodelario (Furia de Titanes) y el debutante James Howson, creíbles como la señorita Cathy y el criado Heathcliff. En este caso, es la primera vez que Heathcliff es de raza negra, lo que aún añade más imposibilidad a esta relación amorosa, tormentosa y difícil ya en la novela por la diferencia de clases sociales. Además, la historia está explicada desde el punto de vista de Heathcliff, lo que la llena de una crueldad, una obsesión y una visceralidad sin precedentes en versiones anteriores.

Por otra, la naturalista fotografía,realizada con iluminación natural, de los parajes de Yorkshide, cuyo brumoso y a veces fantasmagórico paisaje se convierte en el tercer vértice de la historia. Además, su ausencia de banda sonora y el uso de la cámara al hombro también nos permiten acercarnos a la trama, de manera íntima y delicada, sin artificios.

Así pues, si ya la reciente Jane Eyre, de Cary Fukuyama, era una adaptación con un tamiz distinto a las demás, por focalizar la historia en la relación entre sus protagonistas y dar un halo de misterio a través del paisaje, esta nueva Cumbres Borrascosas es ciertamente una rara avis en las adaptaciones literarias, pues está más cerca del cine de autor más experimental, rompiendo el academicismo más encorsetado.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Los abismos de la pasión amorosa, según Andrea Arnold.

COMO EN LOS MEJORES MATRIMONIOS, SE DESATA EL INFIERNO

Jueves 12 de mayo, son casi las dos de la tarde y cae un sol de justicia. Estamos en la fachada principal de una casa señorial, cerca de Barcelona, de cuyo nombre no quiero acordarme. A pesar de la belleza de la mansión y de sus jardines estamos a punto de entrar en las puertas del infierno. Rec 3. Génesis encara sus dos últimas semanas de filmación. Silencio, se está rodando...

Un enjambre de periodistas, reporteros, cámaras y fotógrafos nos dirigimos hacia donde Leticia Dolera, vestida de novia, por obra y gracia de Rosa Clará, se dispone a brindar con sus damas de honor en el que, presumiblemente, va a ser el día más feliz de su boda. Vemos a Paco Plaza, el director, dando las últimas instrucciones. Un ensayo tras otro de la escena, mientras que en la parte baja de los jardines, transcurre plácidamente un banquete de boda, donde los extras-invitados al evento comen, beben y ríen animosamente, como si se tratara de una escena de La boda de mi mejor amigo o Cuatro bodas y un funeral más que de una película de género.

Flashes y grabaciones para inmortalizar el momento durante media hora. Un poco antes de las tres de la tarde, los artífices de esta tercera parte de Rec, el director Paco Plaza, el productor de Filmax, Julio Fernández y los dos actores principales, Leticia Dolera y Diego Martín, que posan radiantes con sus trajes de novios, se someten al obligado photocall, soportando estoicamente el calor.

SECRETOS BIEN GUARDADOS

A las tres es el momento en que ellos mismos nos van a desvelar algunos de los secretos mejor guardados de esta entrega, ¿o no? Más bien no.

Plaza nos confirma lo que ya intuíamos: "Rec 3 trascurre durante una boda, lo que me interesaba contar era el horror máximo en el día de más felicidad. Se desata el infierno justo en ese momento. En el cine de terror te has de implicar emocionalmente con los personajes, Leticia y Diego representan esa cercanía y esa calidez y humanidad para ser héroes de esta película porque existe muy buena química entre ellos". Los dos protagonistas, Dolera y Martín, nos hablan de los personajes de Clara y Koldo con prudencia, con miedo a un spoiler que desvele la trama que tan celosamente se está guardando.

El director, bromeando, nos dice que "igual baja el número de matrimonios consumados después de ver esta película, ya que es la cinta ideal para llevar a tu novia si te está presionando con casarse para que cambie de opinión".

Plaza mima a sus protagonistas y los define como "encantadores, aunque como en los mejores matrimonios llega un momento en que se desata el infierno". 

INFLUENCIAS DE LA NUEVA ENTREGA

Así pues, esta nueva película es una cinta de terror con dosis de humor negro y claustrofobia y que, además, deriva hacia el género de aventuras, intenta ser Indiana Jones y la última cruzada."Es una mezcla de disparate o esperpento, tipo Berlanga, con una violencia muy cruda". 

Lo que os podemos avanzar es que, aunque sea claustrofóbica hay escenas a plena luz del día y fuera del edificio, a diferencia de las anteriores entregas.Y, además, para satisfacción de muchos fans esta tercera entrega se acercará más al primer Rec que a Rec 2. 

De esta tercera parte se ocupa en solitario en la dirección, Paco Plaza, mientras que Jaume Balagueró lo hará de la cuarta entrega. "Como una especie de custodia compartida". De momento, a dos semanas de su conclusión, esta película promete a los amantes del género nuevas y sorprendentes emociones fuertes...

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Leticia Dolera, una novia sangrienta para Rec 3.

NACHO VIGALONDO: "EXTRATERRESTRE ES COMO LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS PERO PASADO POR EL FILTRO DE LA COMEDIA"

Nacho Vigalondo, director del corto 7:35 de la mañana y de Los Cronocrímenes, ha conseguido hacer reír en un Auditorio tan terrorífico como el del festival de Sitges y lo ha hecho con Extraterrestre, una vuelta de tuerca a las películas de invasiones alienígenas de toda la vida. La película trata con un humor muy especial de cómo reaccionan cuatro personajes muy distintos Julio, Julia, Ángel y Cralos, interpretados respectivamente por Julian Villagrán, Michelle Janner, Carlos Areces y Raúl Cimas, a una invasión alienígena. Sobre este film, su carrera y sus nuevos proyectos hablamos con él en esta entrevista. La película se estrena en cines este viernes 23 de marzo.

Felicidades por la película, la platea del Auditori del Festival de Sitges estaba llena y había muchas risas. ¿Es intencionado el cambio de género a comedia?

Nacho Vigalondo (N.V.): No escribes una comedia para cambiar de registro, sinó que escoges entre las ideas que tienes. A uno le apetece variar respecto lo que uno ha hecho, es algo más intuitivo que pensado. Esta diversidad de géneros es lo que he intentado mantener a flote.

La película parte de una premisa muy original: qué harían cuatro personas ante una invasión alienígena, ¿cómo se te ocurrió esta idea?

N.V: Varias veces he pensado cuál sería nuestra reacción real nuestra ante un hecho de este tipo, cuántos huiríamos despavoridos por las calles y cuántos nos quedaríamos en casa viendo la tele a ver qué pasa. Cuántos tendríamos una reacción lógica y consecuente y cuántos haríamos el imbécil.

¿Con qué personaje simpatizas más?

N.V: Cuando escribes te proyectas incluso en el personaje de la chica y sobre todo, al escribir las miserias y las mediocridades uno tiene en cuenta las propias. A partir de ahí me veo reflejado en todos. En esta vida me ha dado tiempo a ser cutre de muchas maneras y el compendio de mis mediocridades abarca a todos los personajes.

¿Te gustan las películas sobre invasiones alienígenas, el fin del mundo? ¿Qué referencias tenías a la hora de plantear Extraterrestre?

N.V: Tenía referencias para hacer algo diferente.  La referencia que tuve más en mente, sobre todo por los códigos que plantea, pero para hacer algo diferente fue La invasión de los ultracuerpos, de Don Siegel, es una de mis película favoritas y tuve muy claro que está película iba a ser La invasión de los ultracuerpos, pero pasada por un filtro peculiar. Le debe mucho a esa película.

¿Qué relación te une con el festival de Sitges?

N.V.: Traer las películas a Sitges es como una manera de vengarme del pasado, en que no pude venir como fan, o bien por cuestiones laborales o económicas. Es una especie de deuda pagada. Aunque realmente no puedo hacer lo que querría, que es ver películas de otros...

¿No has visto ninguna película?

N.V: He visto Emergo, de Torrents y Cortés y tengo muchas ganas de ver Apollo 18, de López Gallego, pero fue imposible porque se presentaba a la misma hora que la mía. Tampoco puede ir al acto que se organizó de Phenomena.

¿En qué sentido te cambió la vida el corto 7:35 de la mañana, aparte de ir a los Oscar?

N.V: Me cambió la vida pues fue un salto. Estar haciendo cortometrajes e ir a los Oscar fue un salto tan grande que es imposible que ya haga nada en la vida que me permita hacer un salto tan vertiginoso. La distancia que recorrí de golpe fue tanta que es imposible que ocurra algo de tanta magnitud.

Trabajas como director, actor, productor e incluso haces bandas sonoras, ¿en qué faceta te sientes más realizado?

N.V: Me gusta hacer todo aquello que me divierte y cada vez me atrae más el lenguaje cinematográfico, ser director.

¿Y hacer televisión?

N.V: Me encantaría, pero tendría que encontrar un proyecto que se adecuara a los intereses de la cadena y también a los míos.

¿En qué estás trabajando actualmente?

N.V: Estoy preparando un cortometraje para la película The ABCs of Death , una recopilación de 26 cortometrajes de 3 minutos que van a hacer 26 directores de cine. Cada corto se basa en una letra del abecedario para explicar una variante del asesinato. Es una película que va a hablar de 26 formas de morir y yo tengo el honor y la responsabilidad de hacer la letra A. No puedo decir la palabra, pero es una manera de morir terrible.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Nacho Vigalondo y Julián Villagrán presentando Extraterrestre.

COMPORTAMIENTOS HUMANOS ANTE UNA INVASIÓN ALIENÍGENA

Por fin llega a nuestra pantallas una de las películas que contagió más risas y buen rollo en la pasada edición del Festival de Sitges: Extraterrestre, la nueva comedia de Nacho Vigalondo.

La película parte de una premisa de qué harían una pareja de jóvenes desconocidos, Julia y Julio, (Michelle Janner y Julián Villagrán) que no recuerdan mucho cómo acabaron la noche, cuando se despiertan al día siguiente con aún más extrañeza, pues se ha producido una invasión alienígena. 

La cinta recoge un tema propio de la ciencia ficción como pretexto para narrar de qué manera podemos compartarnos los humanos ante una situación extraordinaria y explica las reacciones de cuatro personajes ante la invasión.

Todo ello, en clave de comedia, contando con la complicidad de, además de los citados Janner y Villagrán, con dos ases de la comicidad española, como son Carlos Areces (Balada triste de trompeta) y Raúl Cimas (de la troupe de Muchachada Nui).

Los diálogos están muy bien cuidados, el ritmo es vivo y chispeante y, en todo momento, las situaciones provocan gran comicidad y empatía con los espectadores. Ello produce que la comedia funcione al cien por cien y sea una película entretenida y disfrutable para todo tipo de espectadores. 

SONIA BARROSO.-

MARK WALHBERG, CONTRABANDISTA

En el 2008 una cinta pequeña con toques de thriller y de comedia negra, que venía de los países nórdicos, alcanzó una cierta notoriedad. Se trataba de Reykjavík Rotterdam, de Óscar Jónnasson.

Ahora, el que fuese su protagonista principal, Baltasar Kormákur, se ha hecho cargo de una nueva versión de la historia, Contraband, esta vez ambientada en Estados Unidos, en vez de en Islandia.

La trama sigue siendo la misma: un contrabandista que ya parecía redimido tiene que volver a delinquir por culpa de su cuñado, que tiene tratos con un peligroso personaje que pone en apuros incluso a su propia mujer.

En este caso, Mark Walhberg toma las riendas de la función, en un papel de delincuente que, a pesar de sus actos más que discutibles, se hace simpático al espectador -incluso se implica en las tareas de producción-. Le acompañan un sólido plantel de secundarios, entre los que destacan Kate Beckinsale (Underworld) en el rol de su mujer; Giovanni Ribisi (Avatar), como malo-malísimo; y Diego Luna, entre otros. 

No hay sorpresas en el argumento, que pierde el humor característico de la película original en favor de la acción más adrenalínica. Desde el primer momento, la cinta funciona como un entretenido mecanismo de relojería, con trepidantes secuencias llenas de tensión, al más puro estilo hollywoodiense.

Por ello mismo, la recomendamos a todos aquellos que amen la acción sin fisuras, pues se trata de un sólido producto de impecable factura técnica y de muy entretenido visionado.

SONIA BARROSO.-

PORQUÉ LO LLAMAN AMOR...

Emilio Martínez Lázaro vuelve a la comedia de enredo romántico-sexual tras El otro lado de la cama y los dos lados de la cama. En La montaña rusa repite con tres de sus actores-fetiche: Verónica Sánchez, Alberto San Juan y Ernesto Alterio.

Ada (Verónica Sánchez), violinista de música clásica, siempre ha tenido relaciones sexuales insatisfactorias durante su juventud, ahora con trentaitantos no han mejorado las cosas. Un día vuelve a encontrarse con dos compañeros del colegio que no pueden ser más distintos. Luís (Alberto San Juan) es un presentador de televisión con el que podría mantener una relación amorosa estable, segura y satisfactoria. Mientras que Lorenzo (Ernesto Alterio) es un payaso de vida caótica y desordenada con el que se lanza a vivir la aventura del sexo. 

La película pretende poner sobre la palestra dos cuestiones: ¿el amor tiene que ir acompañado necesariamente de buen sexo? y ¿el sexo es posible sin estar sentimentalmente implicado? 

El problema de el guión es que se suple la falta de situaciones cómicas ingeniosas por momentos demasiado reiterativos y previsibles. Hay muchas escenas de cama para relatar el descubrir de la plenitud sexual de la protagonista que, en realidad, no son absolutamente necesarias. Parece que la belleza física de Verónica Sánchez sea lo más sobresaliente de un relato en el cuál los diálogos adolecen de falta de chispa y sus protagonistas no tienen la química requerida para levantar el vuelo de la historia. 

Así pues, La montaña rusa no es una cinta vertiginosa, ni mucho menos, sinó que se deja ver como un simple entretenimiento. Aunque con este trío protagonista nos esperábamos una comedia más inspirada, fresca y con más garra. En cambio, la cinta está llena de lugares comunes para hablarnos de un triángulo amoroso-sexual donde los miedos de la infidelidad, los celos, las inseguridades, la confianza (o la falta de ella) salen a relucir. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Ada, entre Luís y Lorenzo, ¿a quién elegirá?

LECCIÓN MAGISTRAL DE VIDA

Las películas que vienen avaladas por gran éxito de crítica, público o galardones suelen ser las más comentadas, las más leídas y cuyos tráilers son los más descargados en youtube. 

El problema de Intocable es que ya se sabe demasiado de ella y que no se debería explicar tantos detalles del argumento para dejarse llevar por la magia de una historia, inspirada en hechos reales, que es una lección magistral de vida y que ello lo consigue sin la pretensión de aleccionar a nadie, sin entrar en moralismos ni sentimentalismos facilones. Y que además, no se asusten los más escépticos, pues afortunadamente no se trata de una "película-manual-de autoayuda".

Sus protagonistas son, por una parte, el histérico caza-comadrejas que brilló en la historia coral "Pequeñas mentiras sin importancia", un François Cluzet que para nosotros es el hermano joven de Dustin Hoffman en Francia. Por la otra, está Omar Sy, un popular cómico francés muy en la onda del Will Smith en sus inicios.

¿Cómo esta extraña pareja formada po Phillippe, un millonario de gustos exquisitos que se ha quedado tetrapléjico y Driss, un naufragado inmigrante  de los suburbios parisinos llegará a entenderse tan bien?

Porque uno ve el otro aquello de que carece, más allá de la simple movilidad física, Phillippe encuentra en Driss el descaro, el arrojo y la energía de él mismo cuando era más joven. Él no le ofrece una mirada compasiva sobre su infortunio, sinó un soplo de aire fresco, la única vía para evadirse de la apatía de su encorsetado entorno. Para Driss, Philippe le representa, en una primera instancia, salir de la pseudomarginalidad y luego un referente del buen gusto y el refinamiento de los que él carece. Ninguno de ellos pretende cambiar al otro, sinó que su relación profesional evoluciona en una amistad en la cuál ambos se enriquecerán de su mútua compañía. 

La química entre los dos actores es contagiosa, los personajes se saben reír de ellos mismos. Olivier Nakache y Éric Toledano imprimen a la cinta de un buen ritmo narrativo y situaciones delirantes, que hacen gala de un humor muy francés y a veces, con muy mala bava.

Una gran película que servirá para levantar los ánimos y devolver la sonrisa a todo aquel que la busque, se sienta o no alicaído por las circunstancias que le hayan tocado vivir. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Driss y Philippe le ponen una sonrisa a la vida.

FÁBULA SHAKESPERIANA SOBRE LOS IDEALES Y LA AMBICIÓN

Tras diseccionar el mundo del periodismo televisivo de los años 50 contraponiéndolo a la esfera política, es decir, mostrando los conflictos entre Edward R.Murrow y el senador de "la caza de brujas" McCarthy en Buenas noches y buena suerte, nos llega Los Idus de Marzo.

Con guión de Grant Geslow (nominado al Oscar por este trabajo y que ya se encargó del script de su obra precendente), George Clooney nos presenta una película política con tintes biográficos, pues su padre, Nicholas Clooney tuvo una breve carrera política como candidato demócrata al congreso por Kentucky.

Filmada en Cincinatti -cerca de su Kentucky natal-, la cinta nos cuenta los entresijos de la campaña presidencial del gobernador Mike Morris (el propio Clooney), ayudado por su mano derecha, Stephen Meyers (un Ryan Gosling cada vez más consolidado como actor de qualité) y por todo un gabinete que le respalda. Philip Seymour Hoffman, Marisa Tomei, Paul Giamatti o Evan Rachel-Wood son el elenco que acaba de redondear esta historia centrada en los personajes.

Como si de una tragedia shakesperiana se tratase, la película cuenta los mecanismos del poder, los sacrificios que habría que hacer por los propios ideales en favor de los ajenos y responde a la pregunta de hasta dónde una persona estaría dispuesta a llegar aún sabiendo que su decisión puede implicar el prejuicio de los demás. Todo ello en forma de intriga política, donde las decisiones morales equidistan entre las posiciones demócratas y republicanas, en función del momento de la historia que nos narra.

Así pues, en esta fábula sobre la ambición, nos encontramos todo tipo de referencias a figuras políticas relevantes. El título, los idus de Marzo, no puede ser ya más significativo en su aproximación a Shakespeare: fue el día en que Julio César fue asesinado. Y hasta aquí podemos contaros.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: ¿Ryan Gosling es el sucesor de George Clooney?

LA ANGUSTIA DE LO COTIDIANO

Dictado es la nueva película de Antonio Chavarrías, un director que nos tiene acostumbrados al género negro y al thriller y que esta vez cambia de registro al presentarnos una historia de terror psicológico.

De la trama, de la que no conviene desvelar demasiado para mantener la tensión y la sorpresa en el espectador, os vamos a hacer unos breves apuntes: Julia (Mágica Pérez) es una niña traumatizada por el suicidio de su padre que es acogida por la pareja formada por Daniel (Juan Diego Botto), amigo de su progenitor y Julia (Bárbara Lennie). La niña tiene depresión y, aunque parece que poco a poco se siente más alegre, por otro lado, ciertas actitudes hacia Daniel parecen no presagiar nada bueno...

En esta película el terror surge de lo cotidiano y de las acciones más normales de la vida diaria. No es una cinta oscura, sinó que es muy luminosa y los personajes son una pareja interpretada por Bárbara Lennie y Juan Diego Botto -quien ya funcionaron perfectamente en Obaba- que sólo buscan ser felices y ayudar a que Julia, la niña traumatizada, vuelva a recuperar la sonrisa y las ganas de vivir de nuevo. En esta cotidianidad, el director nos plantea que el terror puede aparecer de la forma más repentina. 

Con elementos muy simples el espectador va sintiendo que algo va mal, se va angustiando y alertando ante las señales que le ofrece este extraño cuento donde la pérdida de la infancia, los sentimientos de culpa y el peso de pasado sobre el presente caen como una verdadera losa. El destino se convierte en algo incontrolable, del que no se puede escapar fácilmente.

Así pues, los amantes de los cuentos encontrarán fácilmente muchas referencias de historias infantiles -una niña perdida, una bruja, un hada madrina, etc-, aunque con con elementos de historias de terror psicológico. Atención a una escena en la bañera, de lo mejor de la cinta. 

Y, si no fuera por algunos sustos o golpes de efectos no del todo conseguidos, se trata de una buena historia, donde del amor y la felicidad a la amenaza y el miedo más irracional sólo hay una línia bien fina. De los espectadores depende si entramos en el juego que Antonio Chavarrías nos propone y la traspasamos (o no).

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: La debutante Mágica Pérez nos sorprende como Julia.

 

 

 

 

CONTRADICCIONES DE UNA ESTRELLA

La semana de los Oscar también ha llegado otra película dedicada a una de las estrellas de cine con más glamour: Marilyn Monroe. Marilyn era un ser terriblemente complejo y contadictorio. Por una parte, en su esfera pública era una celebridad del la gran pantalla, adorada por todos gracias a su magnético poder de seducción. Por otra, era una mujer frágil y vulnerable, llena de miedos e inseguridades acerca de sus relaciones personales y profesionales.

Mi semana con Marilyn, de Simon Curtis, nos acerca a este gran icono de los años 50 desde el prisma de Colin Clark, un joven estudiante de cine de buena familia, quien decide perseguir su sueño y se convierte en ayudante de dirección de Sir Laurence Olivier. 

La película se centra en el rodaje de El príncipe durmiente, conocida luego como El príncipe y la corista, en que el reputado actor y director inglés rodó con la Monroe. En el set se aprecian las tensiones y angustias de Marilyn porque quiere ser una gran actriz del Método y no sólo una chica sexy. Asimismo, pone de manifiesto el ansia de perfeccionismo de Olivier, quien creía que actuar con la Monroe iba a convertirle en una gran estrella. 

Aparte de las interioridades del rodaje, Marilyn se muestra con toda su vulnerabilidad y con una gran necesidad de amar y ser amada. Las inseguridades de ella y del joven ayudante Clark sirven para que entre ellos se establezca una relación muy especial -que más tarde Colin Clark recogió en sus memorias El príncipe, la corista y yo-.

La cinta transita muy equilibradamente entre las dos esferas de la polifacética estrella, en parte al buen hacer de sus protagonistas. Michelle Williams (ganadora del Globo de Oro y nominada al Oscar por este rol) interioriza muy bien la poliédrica personalidad de la actriz y un sensible Eddie Redmayne (visto en la serie Los pilares de la Tierra) está perfecto en el papel de eterno enamorado y luchador perserverante.

Asimismo, no hemos de olvidar a Kenneth Branagh quien homenajea a su siempre admiradísimo Laurence Olivier, aunque nos lo presenta un tanto maniático y déspota, pero de buen corazón. Judi Dench aporta un distinguido toque de humanidad a su papel de la veterana actriz Sybil Thorndike. Además, destacan las apariciones de grandes nombres asociados a la órbita de la Monroe, como es el caso de su entonces marido Arthur Miller; el fotógrafo Milton Greene o la esposa de Olivier, Vivien Leigh, que aportan su personalidad al relato.

En definitiva, se trata de una muy recomendable visión acerca de una gran dica del Hollywood clásico quien, 50 años después de su muerte el 5 de agosto de 1962, sigue siendo admirada y venerada, pues poseía un extraordinario don que la convirtió en inmortal.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Marilyn (Michelle Williams) tomando un baño de modo muy sensual.

HOLLYWOOD CONSAGRA THE ARTIST EL AÑO EN QUE REGRESA A SU PASADO MÁS ESPLENDOROSO

El año que Hollywood realiza un ejercicio de nostalgia y de homenaje hacia tiempos pasados, The Artist se ha impuesto en cinco de las principales categorías: mejor película, director para Michael Hazanavicius, actor para Jean Dujardin (arrebatando la estatuilla a George Clooney), banda sonora y vestuario. La invención de Hugo se ha tenido que conformar con otras cinco de características técnicas: fotografía, dirección artística, dirección de sonido, mezcla de sonido y efectos visuales. 

Meryl Streep por La dama de Hierro; Christopher Plummer por Beginners y Octavia Spencer por Criadas y Señoras han hecho buenos los pronósticos y se han llevado los Oscars de interpretación principal y secundarios, respectivamente.

¿Qué tienen en común muchas de las cintas que competían este año?

La vuelta a los orígenes, como si la meca del cine pensase que en tiempos de crisis, cualquier tiempo pasado fue mejor.

La invención de Hugo, de Scorsese, planteaba un cuento ambientado en los orígenes del séptimo arte, en la época en que el cine era magia, donde Méliès y los hermanos Lumière hacían soñar en que otro mundo llena de ilusión y fantasía era posible.

The Artist rememoraba otra época clave del cine: el paso del mudo al sonoro y lo hacia recuperando una historia muy cinematográfica: el ascenso y caída de una estrella que representa el pasado (interpretado por Jean Dujardin) para dejar paso a una actriz en ciernes (Berenice Béjo) que significa el porvenir. Todo ello, aderezado con múltiples guiños cinéfilos y una trama donde la redención y el amor toman un gran protagonismo.

También Midnight in Paris, que ha obtenido el Oscar al mejor guión original para Woody Allen parte del presente para realizar un salto hacia el pasado: el París dorado de los años 20, lleno de bohemia, intelectualidad y magia.

Así mismo, Mi semana con Marilyn vuelve a hacer un ejercicio de nostalgia cinéfila sobre una estrella del Hollywood de los 50: Marilyn Monroe y también nos habla de cómo era un rodaje en la época clásica del cine norteamericano.

En una época de vacas flacas, las películas que ha encumbrado Hollywood en esta 84ª edición de los Oscar, pretenden rememorar la grandeza de un pasado esplendoroso donde soñar e ilusionarse desde el cine proporcionaba un gran placer para todos los sentidos. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: El equipo de The Artist celebrando sus cinco Oscar.

LA INVENCIÓN DE HUGO: ESPECTÁCULO Y SENTIMIENTO

Es curioso como La invención de Hugo y The Artist, dos películas homenaje al mundo del cine competirán en los Oscars, siendo sólo su estética y su historia la que los separa, pero con un tema central que las une. Se trata de dos poéticas cartas de amor fílmicas al séptimo arte, que poseen una nostálgica y entrañable mirada. 

La invención de Hugo, de Martin Scorsese, nominada a 11 Oscars, es una rareza en su filmografía, acostumbrados a su peculiar sello y a sus retratos del mundo de los gángsters o de los bajos fondos, en general.

En este caso, se trata de una película infantil y en 3D, más deudora del estilo de Steven Spielberg, que del suyo. 

La historia del joven Hugo (Asa Buttelfield, que nos recuerda al "niño triste" Freddie Highmore), enmarcada en el París de los años 30, permite hacer un sentimental homenaje a aquellos pioneros del cine, como los hermanos Lumière o George Méliès, no en vano el personaje de Ben Kingsley es un trasunto de este último inventor del celuloide. Por ello, toda la trama se impregna de magia y de imaginación, dos ingredientes esenciales en los orígenes del cine. 

El romanticismo del escenario de la estación de trenes de Montparnasse donde Hugo vive, le da un plus de aroma antiguo y nostálgico al relato en el que intervienen todo tipo de curiosos personajes que animan la cinta, desde el padre de Hugo, al que da vida  Jude Law; su mejor amiga, Isabelle (Chlöe Grace-Moretz, inolvidable en Kick Ass o Let me in) o el estrambótico y malvado jefe de estación encarnado por Sacha Baron Cohen.

Con una secuencia de apertura prodigiosa, la maquinaria del film se pone en marcha y el 3D ayuda al espectador a introducirse en la historia y a amar a sus protagonistas. El componente emocional de este hermoso cuento es tan alto que el propio Scorsese afirmó haberse inspirado en su propia nieta de 12 años al componer esta película que busca que el espectador haga aflorar sus emociones. Una cinta que gustará a mayores y a pequeños, especialmente a aquellos que crean que el cine es puramente un gran espectáculo acompañado de buenos sentimientos.

SONIA BARROSO.-

UN THRILLER TREPIDANTE PARA SUFRIR

El thriller europeo no tiene nada que envidiar al norteamericano. Esta semana nos llega de Francia Cuenta atrás (À bout portant), de Fred Cavayé, una mezcla de thriller policíaco y de acción con drama.

Gilles Lellouche (uno de los amigos de Pequeñas mentiras sin importancia) asume el rol de Samuel, un hombre normal y corriente quien, obligado por las circunstancias, tendrá que convertirse en un héroe cotidiano. Samuel está a punto de ser enfermero y trabaja en un hospital. En una de sus guardias se topa con un peligrosos criminal que está herido y que, compinchado con una banda, ha secuestrado a su mujer Nadia (Elena Anaya), que está sufriendo un embarazo de ocho meses de alto riesgo, para hacer que Samuel les vuelva a unir. Huyendo de la policia, Samuel se tendrá que aliar con este peligrosos delincuente, Hugo (Roshdy Shem) para poder sobrevivir y tratar de salvar a su esposa. 

En esta peligrosa contrareloj se dará cuenta que ni todos los policias están del lado de la ley ni que todos los delincuentes son tan malvados como parecen.

Por la estructura sin tregua y a en tiempo real de la trama (sólo dura 84 minutos), nos recuerda a A la hora señalada de John Badham, con un Johnny Depp en el papel de sufrido y espídico protagonista.

Así pues, la película ofrece una historia, a veces tramposa, pero siempre trepidante que funciona gracias al buen hacer de los dos actores protagonistas (condenados a entenderse y a ir juntos) y sobre todo, por el dramatismo de la situación que viven Samuel y Nadia, unos Gilles Lellouche y Elena Anaya con mucha química en la pantalla, que humanizan su relación y consiguen hacer la historia creíble. Así pues, el espectador, a menudo, sufre y lo pasa tan mal como ellos. 

Si sois amantes de los thrillers de acción tensa y muy física, pero con un toque de humanidad, nos os la podéis perder. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Samuel no da crédito a las circunstancias que le tocará vivir.

DESCENSO A LOS INFIERNOS DE LA PERVERSIÓN

Shame, de Steve McQueen, es la segunda colaboración de este director con el actor Michael Fassbender, una película dura, de difícil visionado y no apta para todo tipo de público. El cada vez más solicitado actor (Jane Eyre, Un método peligroso o la próxima Haywire, de Steven Soderbergh) se alzó con la Copa Volpi por esta interpretación en el pasado festival de Venezia. 

La película se estructura en dos partes claramente diferenciadas. En la primera parte, conocemos a Brandon, su obsesión enfermiza por todo lo que tenga que ver con el sexo -tanto virtual como real-. Una obsesión que le ciega y que le atormenta por partes iguales. Así como su relación, o mejor dicho, la falta de comunicación y de buena sintonía, con su hermana Sissy (Carey Mulligan), una joven vulnerable e indefensa, con una gran necesidad de afecto y reconocimiento. 

En la segunda, el personaje, lejos de redimirse y huyendo del compromiso y de la implicación emocional que supondría una relación con una compañera de trabajo, da rienda suelta a sus más bajos instintos carnales, como un animal sediento, que desciende a los infiernos de la depravación. Cabe decir que en esta parte, la película abandona la contención formal de la primera y se desboca en escenas muy explícitas que le han valido a la cinta, nada más ni nada menos que la calificación R en Estados Unidos.

Este ser, desprovisto de toda implicación emocional, no es capaz de amar ni de dejar que le amen, ni siquera a quien es de su propia sangre y se condena a vagar eternamente en un sinfín de escarceos sexuales y degradación moral. 

Por ello mismo, se nos hace complicado recomendar una película de este calibre, puesto que el vacío emocional que siente el protagonista nos deja helados y con el corazón encogido. Sólo el personaje de Carey Mulligan despierta en el espectador un poquito de compasión ante la indiferencia que siente Brandon ante los seres humanos. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Sissy y Brandon, dos hermanos condenados a no entenderse.

DESDE FRANCIA CON ARDOR

Hay películas que cuando son presentadas al público lo hacen con la imagen preconcebida. The French Kissers es una de ellas pues lo hace con la pesada losa qde haber sido anunciada como la versión europea de Supersalidos.

Al otro lado del Atlántico hacen muy buen cine, y los retratos generacionales les salen de fábula, y en Francia también, -no hay que olvidarse de Pequeñas mentiras sin importancia-, pero en esta ocasión no se han lucido en exceso.

El dibujante de cómic Riad Sattouf lleva a la gran pantalla una historia de dos adolescentes "pringaos". Hervé (Vincent Lacoste) y Camel (Anthony Sonigo) navegan en la adolescencia con las penas de la edad llegándoles al cuello y frustantes expectativas como único salvavidas en un triste entorno vacío de encanto. Este semideprimente estado físico y mental en el que se hallan sumidos muta hacia una vida más digna cuando Hervé encuentra una parteinaire, lo que desencadena en si mismo y en su entorno un torbellino de nuevas y aún más patéticas situaciones.

Con esta suma de elementos de la edad del pavo, la revolución de hormonas está servida. Como curiosidad, atención al curioso cameo de una de las musas del director, Valeria Golino, a años luz de la famosa e hilarante Hot Shots. 

Aunque, desafortunadamente, en la propuesta no se muestra nada nuevo, puesto que los verdaderos amos de este subgénero no se hallan en Francia, al menos, por esta vez. Seguiremos esperando.

J.R.PALOMAR.-

AMARGA VUELTA A LA ADOLESCENCIA

Jason Reitman, quien nos sorprendió y nos cautivó con la historia de Juno, una adolescente muy madura para su edad -interpretada convincentemente por una inspirada Ellen Page-, que se queda embarazada y decide iniciar un proceso de adopción, ahora con Young Adult nos propone aún una cara más amarga.

Charlize Theron es Mavis Gary, una mujer de 37 años, cosmopolita y liberal, que se dedica a escribir una serie de novelas juveniles y se comporta como el personaje femenino principal de una de ellas, pues decide volverse su pueblo natal de Minnesota para tratar de recuperar a Buddy Slade (Patrick Wilson), su gran amor de instituto, que está felizmente casado con Beth (Elisabeth Raser) con la que acaba de teenr un bebé.

Las artimañas de la protagonista para hacerse suyo a su novio de adolescencia nos podrían recordar vagamente a las que empleaba Julia Roberts en La boda de mi mejor amiga, pero Jason Reitman se olvida de la comedia para plantearnos la infelicidad de una mujer guapa y que aparentemente lo tiene de cara, pero que se siente incompleta. Esto le ocurre porque, tras divorciarse, todavía no ha cerrado aquella etapa de su adolescencia en la que era la reina de la belleza, la chica más guapa y deseada de la clase y considera que aquellos fueron sus años más maravillosos y que le fueron terriblemente arrebatados.

Con la complicidad de Matt (Patton Oswald), un compañero de clase del instituto que quedó lisiado tras una brutal paliza, intentará por todos los medios de recuperar el tiempo perdido con Buddy. 

En esta ocasión Diablo Cody, guionista de Juno, vuelve a hacer referencia a la época de instituto pero sólo para poner en evidencia la cara más amarga y triste de una persona quien, pudiéndolo tener todo para ser feliz, vive en anclada en su etapa de adolescencia más dichosa en sus recuerdos que lo que lo fue en realidad. 

Quien se espere ver una comedia romántica al uso, absurda con momentos hilarantes, se ha equivocado de película, pues éste es un retrato implacable de una mujer inmadura que tendrá que hacerse adulta como le corresponde a su edad.

Hay momentos en los que odiamos las acciones y decisiones de la protagonista pero, en el fondo, busca que el espectador empatice con ella, sobre todo en una escena clave absolutamente devastadora en la que descubrimos, de una manera humillante, las verdaderas motivaciones de Mavis.

Una película imprescindible para aquellos que crean que hay que saber valorar en su justa medida los dones que la vida nos ofrece en cada una de sus etapas. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Charlize Theron interpreta a la inmadura Mavis Gary.

 

 

LA SIEMPRE EXÓTICA BÚSQUEDA DE UNO MISMO

Katmandú,un espejo en el cielo, de Icíar Bollaín, plantea el viaje íntimo y físico de una mujer del mundo occidental al oriental, através de un relato apasionante, inspirado en la historia de Vicky Sherpa.

En la película es Laia -interpretado por una magnífica Verónica Echegui, nominada al Goya por este papel-, quien abandona su cómoda vida de profesora en Barcelona por una vida en el Nepal, donde abrirá, no sin dificultades, varias escuelas para mejorar la educación de una sociedad muy tradicional y cerrada. Allí las mujeres son un punto y aparte, totalmente dependientes de los varones, especialmente las casadas, quienes deben dejar de trabajar cuando contraen matrimonio. 

El sello de la directora se nota en la denuncia de las injusticias sociales en la sociedad nepalí, de la corrupción, de la prostitución, de la falta de recursos, etc. Además, vuelve a poner al frente a un personaje femenino fuerte, valiente y sin miedo a la vida que incluso debe casarse con un hombre por conveniencia para poder quedarse allí a realizar la labor para la que se siente íntimamente llamada. 

Verónica Echegui es la única actriz profesional del relato, pues todo el resto del casting está formado por actores no profesionales que contribuyen a dar a la historia más autenticidad. Al igual que los idiomas en los que se cuenta las peripecias de Laia: castellano, inglés y nepalí. Por ello, es absolutamente imprescindible la versión original para no perder los matices de una cinta para amantes de los viajes no sólo interiores, sinó también exteriores. Lástima que, a menudo, la mirada del otro se vea empañada por la mirada del turista occidental en búsqueda no sólo de encontrarse a sí mismo, sinó en búsqueda de la parte más exótica de ese nuevo mundo.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Laia y Tseng, el amor y sus diversas etapas.

PROMOCIÓN DE PROMESAS

Del director Javier Ruiz Caldera quien destacó en el año 2009 con la brillante y renovadora Spanish Movie, ahora vuelve a la carga con Promoción Fantasma.

Si en aquella ocasión se trataba de llevar por primera vez al terreno patrio las tan populares cintas cargadas de parodias de grandes éxitos del cine, ahora la novedad radica en la comedia fantástica con tintes musicales.

El elenco los forman actores que en los últimos años han aparecido en la gran pantalla y en series: Raúl Arévalo (Azuloscurocasinegro, Primos), Alexandra Jiménez (Spanish movie, La pecera de Eva), Andrea Duro (Física o química).

La trama se basa en el encuentro de Modesto (Raúl Arévalo), un atribulado profesor de instituto con influencias del persona de Bruce Willis en El sexto sentido, con un grupo de alumnos quienes por una extraña razón parecen estar anclados en los ’80...El conjunto resulta equilibrado pues a la entretenida trama se le suma una buena selección musical. Es una buena noticia que aparezcan cintas como la que nos hace llegar Javier Ruiz Caldera, pues tanto en su forma como en su fondo, supone una muy buena opción para entretenerse con una animada comedia.

JOSE RAMÓN PALOMAR.-

Pie de foto: El confundido profesor y su extraño grupo.