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SINFONÍA BONAERENSE DE LA VIDA Y EL AMOR

SINFONÍA BONAERENSE DE LA VIDA Y EL AMOR

Medianeras, la ópera prima del argentino Gustavo Taretto, es una historia de amores-desamores, búsqueda de un lugar en el mundo e incomunicación a pesar de la intercomunicación de la era tecnológica actual.

La trama se articula a partir de dos historias que trascurren paralelas, la de Martín (Javier Drolas), un joven diseñador web, hipocondríaco y sin demasiada suerte en el amor y la de Mariana (Pilar López de Ayala), una arquitecta que trabaja arreglando maniquís y que acusa una cierta depresión por culpa de una relación fallida.

Estos dos personajes, dos almas gemelas, que no se conocen a pesar de vivir en edificios casi contiguos, reflejan la soledad y la insatisfacción de los jóvenes de hoy en día que, a pesar de estar siempre comunicados virtualmente, a menudo fracasan en sus relaciones interpersonales.

El director construye una sinfonía de la ciudad de Buenos Aires, que se convierte en un personaje con vida propia, sus edificios, sus medianeras, sus rincones adquieren vida propia como las personas que los habitan.

La película es una acertada reflexión sobre el mundo actual y además, deconstruye una historia de amor tradicional. La cinta no es drama ni comedia, pues la vida es así, como la de Martín y Mariana, con sus alegrías y sus tristezas, con sus fracasos y sus logros.

En momentos muy original, la película no recurre a los típicos y tópicos lugares comunes de este tipo de cintas románticas, sinó que reinventa un universo propio, que bebe de las fuentes de Woody Allen e incluso del libro Dónde está Wally -que tiene un peso importante y decisivo en la trama-. Además, se sirve del lenguaje del cómic y de la animación en algunos instantes y del tono casi documental en otros, lo que resulta un cóctel bastante atrevido y acertado, que conjuga un sinfín de lenguajes en una película pequeña pero que realmente merece la pena.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Martín y Mariana, destinos cruzados.

UN COWBOY LLAMADO COWBOY

UN COWBOY LLAMADO COWBOY

Pánico en la granja, Panique Au Village, fue presentada hace dos años por sus directores, Stéphane Aubier y Vincent Patar, en el festival de Sitges donde consiguió el premio a la mejor cinta de animación. Cines Verdi en el ciclo Verdi Kids, que contiene una selección de títulos para los más pequeños de la casa, ha incluido esta pequeña joya de la animación, que se estrena este viernes 18 de noviembre, en su programación.

La película está protagonizada por un indio, un cowboy y un caballo de plástico que viven mil y una peripecias de lo más surrealistas y divertidas. El punto de inicio es una disparatada confusión por un regalo de cumpleaños en una divertida aldea cuya tranquilidad se ve truncada por los errados intentos de volver a la normalidad. Cada escena, por banal que aparentemente se presente, es un derroche de imaginación que sorprende al espectador.

El ritmo es aceleradísimo, sin tiempo apenas a la pausa, pero no resulta apabullante, simplemente mantiene la sonrisa en el rostro del público, sólo interrumpida por el asombro de oníricas situaciones que le maravillan.

La animación es tremandamente peculiar, aparentemente, muy sencilla y, a su vez, enormemente original. Ahí radica el encanto de esta más que recomendable cinta: La inagotable capacidad de sorprender al espectador que ni mirará al reloj ni se atreverá a moverse un ápice de la butaca.

Que nadie tenga la tentación de comparar esta cinta con otra de animación protagonizada por otro cowboy de plástico con nombre de madera: Esto afortunadamente no es Toy Story. Aquí ni hay mensajes acerca del bien y del mal, ni rastro alguno de lacrimógena nostalgia. Tan sólo hay diversión en una delirante película que desborda imaginación y fantasía y que hará las delicias no sólo de los más pequeños de la casa.

FACESONTHEBOX.-

Pie de foto: Cowboy e indio viven surrealistas aventuras en Panique au village.

NO SIN MI CASA

NO SIN MI CASA

Cinco metros cuadrados de Max Lemcke, fue la gran ganadora de la pasada edición del festival de cine español de Málaga y no nos extraña en absoluto. La película trata de algunos de los temas que más preocupan en la actualidad, como son la burbuja inmobiliaria, la especulación en el sector de la vivienda y el paro. 

Se nos narra la historia de Alejandro (Fernando Tejero) y Virginia (Malena Alterio), quienes están a punto de casarse y se buscan un precioso apartamento en la costa de Alicante, pero las cosas comienzan a torcerse cuando ven que allí no trabaja nadie y cuando otro vecino descubre que la estructura de los pisos es defectuosa...

El tercer vértice de la historia es el personaje del constructor Montañés, interpretado con la solvencia habitual de Emilio Gutiérrez Caba, un especulador sin escrúpulos, que hace lo que sea para enriquecerse, aunque sea construyendo de manera fraudulenta donde no está permitido.

La pesadilla de esta joven pareja es seguida desde el dramatismo e incluso el patetismo del personaje de Álex, encarnado a la perfección por el hombre normal superado por las circunstancias que representa Fernando Tejero. Un hombre trabajador y a a punto de casarse, que ve como todos sus sueños en forma de casa y todas las posibilidades de una vida y un futuro mejor se quedan reducidas a la nada.

Las peripecias de la efectiva pareja Tejero-Alterio -que ya han demostrado anteriormente que funcionan a la perfección- se sigue con creciente interés, pues la película tiene buen ritmo y además consigue precisión en el guión, lo que la hace muy efectiva como cinta social de denuncia de una sociedad en crisis, donde ni siquiera el derecho a una vivienda digna por la que los ciudadanos nos hipotecamos, es respectado. 

Y, aunque la resolución del conflicto personal y vital de Álex, es quizás demasiado abrupto y desesperado, la película funciona en todo momento, convirtiéndose en un veraz retrato sobre el problema de la vivienda y la especulación inmobiliaria.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Fernando Tejero es Álex, un hombre normal y corriente que ve desmoronarse su vida.

Nota: La película se estrena hoy 11 de noviembre.

LIVE AND LET DIE

LIVE AND LET DIE

Hay cintas que no merecen ser tomadas al pie de la letra, tales la genial ópera prima de William Monahan, quien ya había trabajado como guionista en Red de mentiras o Infiltrados.

Su bagaje en el cine de acción se refleja en London Boulevard, pero de una manera diferente a lo establecido. Esta es una cinta conceptual. No hay pensar que lo que acontece en la película pretenda ser un reflejo de la realidad. Va más allá. Refleja el Londres en el que el lumpen, mediante los tabloides, es el amo del stablishment. No se queda corto tampoco en su también ácida reflexión acerca del mundo del hampa y de las estrellas mediáticas. Mientras unos pierden el derecho a la intimidad, otros pugnan desde su libertad por una redención que nunca llega.

Personajes disonantes buscan desesperadamente la harmonía de sus vidas encajando entre ellos como lo hacen una mano agarrada a un clavo ardiendo.

Todo se envuelve en un Londres de lo más cool, en el que resulta muchísimo más chic la delgada estrella de turno, enfundada en una sencilla camiseta que el amo de los bajos fondos paseando en su Rolls Royce y embutido en su traje de miles de libras. 

El elenco lo encabeza una atípica pareja: La aristocrática y etérea Keira Knighley con el canalla en vías de redención Collin Farrel. Junto a ellos, les acompañan unmuy acertado grupo de secundarios tales como David Thewlis o Ray Winstone quienes parecen estar directamente extraídos de cintas de Tarantino o Guy Ritchie.

El conjunto es francamente redondo, cóctel ambiguo de thriller con drama romántico no exento de acertadas y contadas dosis de humor negro.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: La bella y el bestia.

GUERRA ENTRE NIÑOS, GUERRA ENTRE NACIONES

GUERRA ENTRE NIÑOS, GUERRA ENTRE NACIONES

La guerra de los botones, de Louis Pergaud, es un clásico de la literatura infantil que se ha llevado varias veces al cine. Este año, en Francia, coincide el estreno de sus dos últimas versiones: La guerre des butons, de Yann Samuell y la Nouvelle guerre des butons, que es la que ahora os avanzamos.

Christophe Barratier, quien alcanzó gran notoriedad en su descripción de la infancia en la celebrada, Los chicos del Coro, vuelve en una historia donde los niños son los grandes protagonistas de la historia.

La trama, ambientada en un pueblo de Francia de 1944, gira alrededor de un grupo de niños de Longeverne, que se tiene una gran rivalidad con los niños de Velrans y su venganza en desposeer a sus adversarios de sus botones, en la llamada "guerra de los botones". Paralelamente, el líder de la banda de Longeverne, el rebelde Lebrac (Jean Texier) conoce el primer amor con Violette (Ilona Bachelier), una inteligente niña judía escondida por su padrina para huir del nazismo en Francia.

En el relato, no sólo destacan los papeles interpretados por los niños, sinó también los que desempeñan los mayores, en especial, el profesor de escuela, interpretado por Guillaume Canet. Kad Merad, Laetitia Casta y un divertidísmo Gérard Jugnot -quien ya repite con el director tras Los chicos del coro- completan el reparto.

En este transfondo de guerra, los niños no hacen sinó reproducir en sus batallas los comportamientos de venganza, tiranía y rivalidad de los mayores, es como si se enfrentasen nazis y aliados.

Ante todo, la película es un canto a la solidaridad entre las personas como paso previo a la solidaridad entre los pueblos y las naciones, en este sentido, la cinta funciona como un alegato en contra del nazismo y de la opresión de las minorías, en este caso, la judía. Además, sigue bien los postulados de igualdad, libertad y fraternidad que propugnaban los franceses desde la Revolución.

Aunque sin olvidarnos que la película es completamente blanca e inocente, lo que la hace una propuesta adecuada para grandes y pequeños.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Los niños de esta particular guerra.

Nota: la película se estrena este viernes 11 de noviembre.

EL ÁNGEL DE BUDAPEST TRIUNFA EN EL ZOOM

EL ÁNGEL DE BUDAPEST TRIUNFA EN EL ZOOM

Ayer sábado 5 de noviembre se falló el Palmarés de la 9ª edición del Zoom Festival Europeo de Cine para TV de Igualada, celebrado en la capital de la Anoia, entre el 2 y el 6 de noviembre. Los premios se dieron a conocer en el trascurso de la gala de clausura.

El Ángel de Budapest, de Televisión Española, dirigida por Luís Oliveros y protagonizada por Francis Lorenzo (de la serie Águila Roja), se llevó el premio al mejor telefilm. La historia narra las vicisitudes del diplomático español Ángel Sanz Briz en la capital húngara, considerado "el Schindler español". Este premio tiene una dotación económica de 3.500 euros.

Mientras que Le Piège Afghan consiguió el galardón para su director, Miguel Curtois (conocido por el film El Lobo). Se trata de un conmovedor drama ambientado en la guerra de Afganistán.

Otros premios relevantes fue el de mejor guión para Bon Voyage, de Margien Rogaard y el de mejor miniserie para Operación Jaque, de Sílvia Quer. 

La gala de clausura donde se entregaron estos premios contó con la presencia de Montserrat Carulla, Lluís Soler, Roger Coma, Marc Cartes, Cesca Piñón, Jordi Martínez, Llum Barrera, Ariadna Cabrol y Laura Guiteras; directores de películas programadas en esta edición del certamen, tales como Miguel Bardem, Silvia Quer y Simón Casal de Miguel; premiados e invitados de lujo como Rodrigo y Gonzalo Aragón -en representación de los míticos Payasos de la tele-, Kiko Ruiz -director de la nueva serie de TV3, Kubala, Moreno, Manchón, proyectada ayer en el certamen-, etc.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Francis Lorenzo da vida al "ángel de Budapest", telefilm ganador del Zoom.

VICISITUDES DE UN PAPA CON DUDAS

VICISITUDES DE UN PAPA CON DUDAS

Habemus Papam, de Nani Moretti, es una cinta que tanto creyentes como agnósticos o ateos sabrán apreciar, puesto que no ataca ni a unos ni a otros por causa de su fe.

La película se desarrolla durante un Cóclave para elegir al nuevo Papa, tras la muerte de Juan Pablo II, y después de la votación y la fumata blanca, el nuevo Elegido, el cardenal Melville (un excelente y creíble Michel Piccoli) siente un ataque de pánico ante la gran responsabilidad que le ha recaído y considera que debe tomar un tiempo para reflexionar, a pesar de que en la Plaza de San Pedro del Vaticano y en toda la cristiandad, el mundo está en vilo ante la espera...

Nanni Moretti, quien se reserva un divertido papel de psicoanalista, cuyas escenas quitan hierro a todo el conflicto íntimo que vive el recién escogido pontífice y que llena intensamente la pantalla cada vez que aparece, ha creado una cinta reflexiva e intimista. En el que las decisiones importantes no se toman a la ligera y en el que las personas siempre son consecuentes consigo mismo de sus acciones.

Además, curiosamente, Roma parece la ciudad que inspira la huída de las obligaciones reales o papeles. Si una Audrey Hepburn convertida en princesa, escapaba de palacio, huyendo de su agenda protocolaria en Vacaciones en Roma, aquí Michel Piccoli huye de sus responsabilidades papales en el Vaticano para encontrase a sí mismo.

Nos ha gustado el tono reposado del relato íntimo, en contraposición al desenfado de algunas situaciones en una película que no es lo que te esperas y en las que no son dudas de fe, sinó dudas personales las que asolan al nuevo Elegido.

El final es consecuente y contundente, emotivo en su ejecución y en su planteamiento, de los mejores finales posibles para una cinta que en ningún momento pretende cuestionar la fe (o la carencia de ella) de las personas, sinó que pone en jaque los deseos más profundos del ser humano.

SONIA BARROSO.-

UN OCEAN´S ELEVEN CON MENOS GLAMOUR Y MÁS COMEDIA

UN OCEAN´S ELEVEN CON MENOS GLAMOUR Y MÁS COMEDIA

Se nota que nos acercamos a navidades y esto se ve en las propuestas de corte para todos los públicos que empiezan a poblar nuestra cartelera.Un golpe de altura encaja a la perfección con ese tipo de peliculas que entretienen a los adultos, pero no desubican a los pequeños infantes.

Con Ocean´s Eleven como película referencial en la mezcla de acción con toques de comedia -pero sin el glamour de aquella-, Un golpe de altura marca más la comedia y, por ello, se le perdona que ciertos capítulos de acción queden en lo inverosímil.

Dirige el polifacético y prolífico Brett Ratner, quien entre otras firmó la saga de Hora Punta,El dragón rojo, X-Men 3: la decisión final, etc. Del nutrido elenco sobresalen un divertido, pero no payaso, Eddie Murphy así como el siempre solvente Ben Stiller. Les acompañan el camaleónico Michael Peña (El inocente) y la siempre incisiva Gabourey Sidibe (Precious). Es una lástima que ni Casey Affleck ni Matthew Broderick aprovechen esta divertida y entretenida cinta en mostrar más chispa en su actuación.

La cinta, que parece estar inspirada en un famosísimo estafador financiero de alto copete en la ciudad de los rascacielos, funciona más como cinta de acción que como pura comedia que entretiene y, acompañada de una potente banda sonora, hace pasar un buen rato.

DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: Dos cómicos en acción.

DREAM HOUSE: ¿TRAS LAS HUELLAS DE SHYAMALAN?

DREAM HOUSE: ¿TRAS LAS HUELLAS DE SHYAMALAN?

El género del misterio está trillado de recientes propuestas como Intruders, de Juan Carlos Fresnadillo, o Shutter Island, de Martin Scorsese. A estas cintas se añade ahora el thriller psicológico, Detrás de las paredes (Dream House).

En su reparto se halla Daniel Craig, Rachel Weisz y Naomi Watts. Bajo la batuta de la dirección, Jim Sheridan, quien sobresalió en propuestas como Mi pie izquierdo o En el nombre del padre.

Esta nueva película, es sólo para grandes fans del citado género, pues el guión es demasiado previsible y, ciertamente, agoniza debido al tedio que produce en el espectador, sobre todo en su primera mitad; y le lleva a una mayor extreñeza por culpa de sus extraños y oníricos giros argumentales.

Sólo la ira interpretativa del siempre creíble Daniel Craig y el habitual buen hacer de Rachel Weisz -ahora marido y mujer, que se enamoraron durante este rodaje- salvan del naufragio a una propuesta, que además hace referencia a la notable El Sexto Sentido del entonces exitoso Shyamalan, sin que vaya a conseguir las cuotas de éxito de público y crítica de ésta. Una verdadera lástima que un director y actores tan excelentes no consigan que esta película sobresalga por encima de la media del género de terror y casas encantadas.

Aunque eso sí, reiteramos que los fans del género y de la pareja protagonista, público potencial de esta película, no se la deberían perder. 

JOSÉ RAMÓN PALOMAR.-

Pie de foto: Daniel Craig, perdido entre cuatro paredes.

THE HELP: VOCES CONTRA EL RACISMO

THE HELP: VOCES CONTRA EL RACISMO

The Help (Criadas y Señoras) es una película profundamente femenina. Tate Taylor, su director, se ha rodeado de un elenco de actrices brillante, que saben dotar a sus personajes de los matices necesarios, entre ellas, Emma Stone (como la escritora Skeeter), Viola Davies (la sufrida criada Aibeleen), Bryce Dallas Howard (la malvada señora Hilly), Octavia Spencer (la irónica criada Minny) y Jessica Chastain (la ingenua señora Celia).

La historia, basada en una novela de Kathryn Stockett, se sitúa en la década de los 60 en Jackson, una ciudad del segragacionista sur de EEUU -donde curiosamente se criaron el director y la escritora, amigos desde su infancia-. Aquí las mujeres negras sólo pueden ser las criadas de las señoras y señoritas blancas. Estas criadas, además, son las niñeras de los niños blancos, a los que cuidan como si fuesen sus propias madres, en ocasiones desocupándose de sus propios hijos. Estas criadas negras viven en una sociedad que las deniega incluso el uso de los mismos baños que los blancos, sentarse en su mesa, tener sus mismos derechos, en definitiva.

La trama arranca cuando una joven de clase acomodada, Skeeter, decide dar voz en un libro a todas esas "mamis" negras, a pesar de lo peligrosos que puede resultar en una sociedad tremendamente racista, hipócrita y de doble moral.

Aunque la película se convierte en un alegato contra el racismo y a favor de la igualdad entre blancos y negros, nos damos cuenta que también existe discriminación entre blancos mismos, en la subtrama que envuelve al personaje de Jessica Chastain, repudiada por otras señoras blancas por algunos motivos que no conviene desvelar.

Esta violencia soterrada contra los negros, se explica en la película de mil y una formas, en tono de melodrama, la cinta funciona especialmente cunado se da voz a las negras confronrándolas con las blancas.

Lo que podia haberse convertido en un telefilm de sobremesa, remonta el vuelo, especialmente gracias a un buen guión y a un grupo de actrices que nos emocionana con sus relatos. Algunos encontrarán la búsqueda de la emoción como algo condenable pero, en un mundo globalizado donde imperan los datos macroeconómicos, acaso no es lícito sentir y vibrar con una historia que llega directamente al corazón de las personas, independientemente de cuál sea su color de piel? Muy recomendable.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Skeeter y Aibeleen,Emma Stone y Viola Davis, señora y criada, alzaran sus voces contra el racismo y la intolerancia.

SENTIMIENTOS DULCES COMO EL CHOCOLATE

SENTIMIENTOS DULCES COMO EL CHOCOLATE

Esporádicamente visitan nuestras pantallas propuestas bien edulcoradas, dirigidas a un público necesitado de afecto y, sobre todo, de ilusión por la vida y por los pequeños y grandes placeres que nos endulzan la existencia.

Tímidos anónimos del director Jean-Pierre Améris, recoge el testigo de la añorada Amélie y de la exitosa Odette, un cuento sobre la felicidad.

Esta película cuenta la naif historia de Angélique (Isabelle Carré), una joven con tanto talento en el arte del chocolate como retraída, y de Jean-René (Benoît Poelvoorde), un tímido obsesivo-compulsivo, que se halla al cargo de una ruinosa empresa chocolatera.

El azar hace que ambas personas de encuentren. A partir de aquí, ambos comparten curiosas experiencias en las que se mezclan el amor por los dulces como su cuasi-enfermiza timidez, dando como resultado...algo previsible tras ver el cartel del film.

La cinta es una pequeña fábula que tiene un metraje corto, el suficiente para que quien no sepa qué ha venido a ver se llegue a arrepentir y para que aquellos enamorados de las edulcoradas narraciones se sientan llenos de suaves mariposas en sus estómagos.

DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: Los protagonistas de Tímidos anónimos vivirán una dulce historia de amor.

Nota: La película se estrena hoy 28 de octubre.

ACTORES QUE PISAN FUERTE (II)

ACTORES QUE PISAN FUERTE (II)

Un grupo de jóvenes actores que van a entrar con fuerza este año y el próximo son Ryan Gosling, Emma Stone, Jessica Chastain y Jamie Bell. Ninguno de ellos supera la trentena, pero todos están sobradamente preparados para enfrentarse con versatilidad a roles de lo más variados, huyendo del encasillamiento.

Ryan Gosling ha estrenado hace unas semanas Crazy Stupid Love donde, el protagonista de El Diario de Noa, se atreve con un cambio de registro, en esta comedia co-protagonizada por Steve Carell, es un seductor nato que acaba cayendo en las garras del amor del que tanto parece rehuír. Dentro de poco, el 28 de diciembre, se estrenará Drive, de Nicolas Winding-Refn, que probablemente será el papel que le consagrará. Esta historia, a caballo entre el thriller y el melodrama romántico causó furor en el festival de Cannes y en el de Sitges. Tiene pendiente de estreno, la nueva película de George Clooney, Los idus de Marzo; así como, Only God Forgives, la nueva película que rueda junto al director de Drive; The place beyond the pines -donde encarna a un motorista especialista- y Gangster Squad, que actualmente filma junto a Emma Stone -su partenenaire en Crazy, Stupid, Love-. El actor nos recuerda a Edward Norton por su camaleónico modo de enfrentarse a todo tipo de retos fílmicos.

Precisamente Emma Stone, que saltó a la palestra con Rumores y Mentiras y Zombieland este año, además de Crazy Stupid Love está presente encabezando uno de los repartos femeninos más potentes del año, el de la esperada The Help (Criadas y Señoras), que se estrena este viernes, junto a Viola Davis o Jessica Chastain, entre otras. Además, será Gwen Stacy en The Amazing Spiderman, junto a Andrew Garfield. La joven actriz recoge el testigo de una Sandra Bullock, aunque con más picardía.

Jessica Chastain ha mostrado sus habilidades para los papeles melodramáticos en la polémica El árbol de la vida, de Terrence Malick y en La deuda, de John Madden. Además de The Help, estará presente en lo nuevo de Al Pacino, Wilde Salome y en The wettest County in the world, además de estar filmando de nuevo con el enigmático Malick. Esta versátil pelirroja sería para nosotros la nueva Cate Blanchett por su sensibilidad, su elegancia natural y las sutilezas a la hora de interpretar los papeles más intensos.

Jamie Bell ha dado su voz y movimientos a uno de las películas del año: Las aventuras de Tintín: el secreto del unicornio. Además, estará presente en la notable Jane Eyre, junto a Mia Wasikovska y Michael Fassbender. Cambiará de tercio con los thrillers Man on a ledge y Filth. Nos lo imaginamos como un Colin Farrel, pero con menos testosterona.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Ryan Gosling, conduciendo hacia el éxito.

EVA: ¿LOS ROBOTS TIENEN ALMA?

EVA: ¿LOS ROBOTS TIENEN ALMA?

Eva es una cinta sobre la inteligencia artificial y la robótica y cómo ésta afecta en la vida de las personas. La película fue muy bien acogida en los festivales de Venezia y de Sitges, donde fue premiada en el apartado de efectos especiales.

Daniel Brühl es Álex, un ingeniero que está buscando un prototipo de niño para hacer un robot con emociones más humanas, sensible y divertido. Entonces conoce a Eva, una niña despierta y traviesa y quiere trabajar con ella.

Bajo esta premisa y, con un triángulo amoroso de fondo, con la deliciosa Marta Etura y el casi-ausente Alberto Amman, la película comienza un tanto floja y dubitativa, pero va in crescendo y conforme avanza el metraje (un tanto corto, 90 minutos) se hace más interesante.

La película plantea algunas cuestiones éticas para la reflexión, tales como si un robot podría sustituir una persona humana, haciendo suyas emociones como la alegría, la tristeza, la ira, etc. Es decir, si la inteligencia artificial llegará a superar a la inteligencia humana.

Aunque, en algunos momentos, es un poco fría, muy de acorde a sus paisajes invernales nevados. Parece como si faltase alguna cosa que redondease el conjunto. Quizás un poquito más de alma en los personajes y en la historia hubiese mejorado la cinta.

Hay que estar atentos a la inquitetante presencia de Claudia Vega, como la niña que da origen al título, que es uno de los alicientes del film, que lleva la sorpresa más grande, así como al siempre brillante Lluís Homar en un simpático papel.

Es un debut prometedor y, aunque no es una película redonda ni brillante, tiene momentos muy intensos, especialmente es su tramo final, que es cuando se precipitan todos los acontecimientos, la película se queda sin aire y casi deja sin aliento a los espectadores. Habrá que seguir la pista a su director, Kike Maíllo, que debuta con esta película basada en un las leyes de la robótica de Isaac Asimov.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Claudia Vega encarna a la Eva del título.

Nota: La película se estrena este viernes 28 de octubre.

EL ANSIADO REGRESO DE TINTÍN

EL ANSIADO REGRESO DE TINTÍN

La esperada adaptación a la gran pantalla del héroe belga por excelencia no desmerece en absoluto en Tintín: El secreto del Unicornio. Sobre el papel Steven Spielberg dirige y Peter Jackson produce, pero en los créditos finales de la cinta, el creador del universo de la Tierra Media aparece como director de la segunda unidad.¿A caso Spielberg corona de este modo a Jackson como su heredero natural?

Asuntos sucesorios a parte, sobre las cabezas de los mismos estaba el rodar con una técnica aperentemente similar a la visulamente decepcionante Polar Express. En este caso, los resultados son asombrosos, a ello se une un fenomenal 3D que hará que los excépticos más recalcitrantes replanteen su postura, pues se trata de un 3D amable con el espectador que aporta gran profundidad de campo a esta propuesta realizada en stop motion.

Pasemos al capítulo de los actores, Jamie Bell es Tintín; Andy Serkis, ya acostumbrado a trabajar sin mostrar su rostro, sea en forma de King Kong, Gollum o el primate César de El planeta de los simios, en este caso, encarna al capitán Haddock. No nos podemos olvidar de Daniel Craig, quien pasa a ser el villano Sakharine. De ellos sólo podemos decir bondades a destacar la expresividad facial de Haddock, reflejo fiel de los monumentales enfados característicos -marca de la casa- de su personaje en el cómic original.

La acción es trepidante, cualquiera se podría aventurar a decir que los firmantes de esta propuesta fueron en su juventud ávidos lectores de las aventuras de este aventurero reportero belga. No hay que olvidar los ingeniosos cambios de escenas, los entretenidos créditos o la excelente banda sonora. Se podría escribir mucho acerca de sus referencias cinéfilas, quizás la más clara sería al personaje de Indiana Jones ¿o podríamos decir que el intrépido arqueólogo se parece a Tintín?

Por lo que respecta a la historia, ¿qué decir de ella? Es una fiel adaptación de tres de los títulos firmados por Hergé: "El secreto del Unicornio", "El cangrejo de las pinzas de oro" y "El tesoro de Rakham el Rojo" a la que seguramente le seguirán dos películas más si se confirma la trilogía anunciada en 2008. Con la expectación que existe tanto entre los fans como entre los neófitos, el éxito está asegurado.

DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: Tintín, esta vez de perenne flequillo pelirrojo, y el capitán Haddock. 

Nota: Tintín se estrena este viernes 28 de octubre en cines.

CUENTO SENSIBLE CON NIÑO Y HADA MADRINA

CUENTO SENSIBLE CON NIÑO Y HADA MADRINA

Si Tintín es el héroe belga por antonomasia para el gran público, los hermanos, Jean-Pierre y Luc Dardenne son dos directores belgas de qualité para exquisitas minorias. Ambos hermanos han sido multipremiados a lo largo de su carrera en el Festival de Cannes, consiguieron dos Palmas de Oro por Rosetta y por El niño, además de un premio al mejor guión por El secreto de Lorna.

Con su nueva película, Le gamin au vélo (El niño de la bicicleta) obtuvieron el Premio Especial del Jurado en este certamen,que les ha convertido en unos cineastas de reputación fílmica intachable.

El niño de la bicicleta vuelve a mostrar las constantes de su cine social y comprometido y vuelven a fijar su particular mirada en otro niño de la clase obrera que vive en una situación dificil, pues está en un centro de acogida, lejos de su padre (Jéremie Ranier-Potiche-, actor habitual en el cine de los Dardenne) y que conoce a Samantha, la que será su hada madrina, interpretada por la cada vez más cotizada Cécile de France (Una casa de locos, Más allá de la vida).

En este cuento de hadas contemporáneo con ecos a Los cuatrocientos golpes, de François Truffaut, los Dardenne vuelven a dar en la diana y a tocar en la fibra sensible (que no sensiblera y sentimental) de los espectadores. Además, lo consiguen con un ritmo vivo y un tono nada melodramático.Pequeño gran cine para minorías en búsqueda de historias verdaderas.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Thomas Doret y Cécile de France encarnan al niño y a su mentora, respectivamente.

Nota: la película se estrena este viernes 28 de octubre.

EL ORIGEN DE LA CRISIS FINANCIERA ACTUAL

EL ORIGEN DE LA CRISIS FINANCIERA ACTUAL

Margin Call, ópera prima de J.C. Chandor, es una película que pretende arrojar luz sobre un tema espinoso y de rabiosa actualidad: cuáles fueron las causas de la crisis económica del 2008.

La trama parte de noche fatídica en que un empleado (Zachary Quinto, también productor de la cinta) descubre un "marrón" que puede llevar a su compañía a la bancarrota. Éste alerta a sus superiores, produciendo toda una negociación y estrategias contrareloj para tratar de vender toda su deuda hipotecaria para tratar de salvar el cuello y el de la empresa. Aquí se pone en jaque las personalidades de cada uno de los empleados de la empresa, desde los subordinados a los cargos superiores hasta llegar al presidente de la entidad. Pues en esta operación, tanto los egos como el honor y la reputación de cada uno de los peones de este gran y perverso ajedrez llamado "economía" pueden salir malparados.

Los actores están todos muy creíbles en sus roles, desde los jóvenes Zachary Quinto (Star Trek) y Penn Bardley (Gossip Girl) a los más veteranos como Kevin Spacey, Demi Moore o Jeremy Irons, sin olvidarnos de Stanley Tucci, Paul Bettany (El sicario de Dios) o Simon Baker (de la serie El Mentalista). 

La película está contada a ritmo de thriller, es el Wall Street del siglo XXI y posee una gran virtud: explicar a los neófitos en temas económicos cómo se origina una crisis financiera a gran escala. Una película de la que no conviene saber mucho para llevarse una agradable sorpresa, pues es un film más que notable, entretenido, actual y didáctico. ¿Se puede pedir más?

SONIA BARROSO.- 

Pie de foto: Kevin Spacey es Sam Rogers, el jefe que alienta a sus subordinados.

Nota: La película se estrena hoy viernes 21 de octubre.

COMPORTAMIENTOS HUMANOS ANTE UNA INVASIÓN ALIENÍGENA

COMPORTAMIENTOS HUMANOS ANTE UNA INVASIÓN ALIENÍGENA

Si una película ha contagiado más risas y buen rollo en Sitges, esa ha sido, sin lugar a dudas, Extraterrestre, la nueva comedia de Nacho Vigalondo. La película parte de una premisa de qué harían una pareja de jóvenes desconocidos, Julia y Julio, (Michelle Janner y Julián Villagrán) que no recuerdan mucho cómo acabaron la noche, cuando se despiertan al día siguiente con aún más extrañeza, pues se ha producido una invasión alienígena. 

La cinta parte de la ciencia ficción como pretexto para narrar de qué manera podemos compartarnos los humanos ante una situación extraordinaria y explica las reacciones de cuatro personajes ante la invasión.

Todo ello, en clave de comedia, contando con la complicidad de, además de los citados Janner y Villagrán, con dos ases de la comicidad española, como son Carlos Areces (Balada triste de trompeta) y Raúl Cimas (de la troupe de Muchachada Nui). 

Los diálogos están muy bien cuidados y, en todo momento, las situaciones provocan gran comicidad y complicidad con los espectadores. Ello produce que la comedia funcione al cien por cien y sea una película entretenida y disfrutable para todo tipo de espectadores. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Michelle Janner y Júlián Villagrán, ¿juntos ante la invasión?

UNA FAMILIA DISFUNCIONAL, UN ASESINO Y UN SEGURO QUE COBRAR...

UNA FAMILIA DISFUNCIONAL, UN ASESINO Y UN SEGURO QUE COBRAR...

Killer Joe, de William Friedkin, fue la película sorpresa en el festival de Sitges. Trata de una familia disfuncional compuesta por Chris (Emile Hirsch), el hijo yonqui y con muchas deudas; Dottie (Juno Temple), la hija adolescente que no ha visto ningún chico en su vida; Ansel, (Thomas Hayden-Church el padre, mecánico y simplón; y Sharla  (Gina Gershon), una liberal madrastra.El hijo quiere contratar a un asesino a sueldo para matar a su madre y cobrar el dinero del seguro, para acabar con todos sus problemas económicos. Aunque desconocen que Joe, este mercenario (Matthew Mcconaughey) va a cobrarles un precio demasiado alto por sus servicios.

En demasiados momentos la trama parece sacada de un melodrama de Antena 3 de sobremesa y, de no ser por las esforzadas interpretaciones de sus protagonistas, la cinta pasaría sin pena ni gloria. Eso sí, William Friedkin la ha dotado de escenas de gran sordidez y violencia y otras más "calientes", a cargo sobre todo de las féminas de la historia. 

A pesar de que es entretenida y tiene algún que otro giro del guión interesante, sobre todo en su tramo final, la película no tendría mucha repercusión si no fuese por venir firmada por William Friedkin, artífice de las excelentes El exorcista y French Connection. Aquí, en cambio, no firma su mejor obra sinó una película un tanto irregular.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Matthew McConaughey y Emile Hirsch saldan deudas pendientes.

MOMO CONFIRMA QUE HAY VIDA MÁS ALLÁ DEL STUDIO GHIBLI

MOMO CONFIRMA QUE HAY VIDA MÁS ALLÁ DEL STUDIO GHIBLI

A letter to Momo, de Hiroyuki Okiura, es una muestra más de cómo la animación tradicional triunfa en la época en que la animación por ordenador y en 3D copa los mercados internacionales. Desde Japón y sin venir del Studio Ghibli, esta película de dibujos animados hechos a mano, es muy deudora del legado y el trabajo del gran Hayao Miyazaki, incluso en la temática del film.

Momo es una niña que pierde a su padre repentinamente y se muda con su madre a una isla del sur de Japón. Allí, la casa parece estar poblada de unos duendecillos que ella sólo puede ver y no son lo que parecen a primera vista...

La cinta potencia las aventuras y el humor, aunque vuelve a hablar de grandes temas universales, como la unión familiar para superar todas las dificultades, la muerte y la enfermedad también están muy presentes en la trama.

Momo es, en gran parte, deudora de la magnífica El viaje de Chihiro, aunque no es tan oscura. Su protagonista, al igual que Chihiro, se ve obligada a madurar por las circumstancias que va a vivir y, en gran medida, sin la ayuda de sus progenitores. Además, también cuenta con la ayuda de duendes. Así que la imagineria de los espíritus japonesa está de nuevo en primer plano. Algunas secuencias del temporal marítimo nos recuerdan a Ponyo en el acantilado.

Esta película es entretenida y emotiva, aunque peque de un final dividido en dos, el cuál lastra un poco la excelencia del conjunto. No obstante, es una notable muestra de que el cine de animación japonés tradicional goza de buenas historias y de buena salud, más allá del Studio Ghibli.

SONIA BARROSO.- 

Pie de foto: Cartel original japonés de A letter to Momo.

DRIVE TO NOWHERE

DRIVE TO NOWHERE

Hay películas que están destindas a convertirse en films de culto, sobrepasar la barrera de lo bueno y convertirse en extraordinarias. Pensaba que éste sería el caso de Drive, de Nicolas Winding-Refn, una cinta que ha levantado gran expectación allá donde se ha proyectado y que ganó, nada más y nada menos, que el premio al mejor director en el festival de Cannes.

¿Cuál es el problema de Drive? Su principal handicap es su intención de hacer un film independiente vestido de película para todos los públicos, cosa que no es en absoluto.

A la cinta le cuesta bastante arrancar, es demasiado lenta y esteticista y cuando lo hace, explota de manera muy precipitada, como si quisiera compensar al espectador por la larga espera para saber por dónde se va a dirigir la trama.

Si que es cierto que hay elementos que me gustan y mucho, su fotografía, su banda sonora son magníficas, de lo mejor que he visto y escuchado últimamente. Aunque pueda sonar tópico, cuando lo que más recuerdas de una película son sus elementos estéticos y sonoros, algo realmente falla.

Su protagonista también es excelente. Ryan Gosling compone a la perfección un personaje sin nombre, que es un especialista de cine de acción -por ello, nos esperábamos escenas de acción y persecuciones de coches a la altura de las circunstancias-. Es un hombre misterioso, no se sabe de dónde viene -aunque intuyes mucha turbiedad en sus actos pasados- ni a dónde va exactamente. Sólo se define cuando busca la redención a través del amor. 

La película pasa de momentos típicos y lugares comunes del cine indie americano a escenas de una brutalidad y violencia impactantes. En este sentido, cabe decir que la cinta va de menos a más. Pero este in-crecescendo narrativo me deja, a menudo, un poco fría y vacía, me decepciona, pues me falta algo que me compense tanta brutalidad. El amor entre la pareja protagonista no es suficiente para redondear una buena película que, por otro lado, está predestinada a convertirse para muchos en un film de culto, ya con su mítica frase: "What did you do? I drive". 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Ryan Gosling, lo mejor de Drive.

Nota: la película se estrena el 25 de noviembre.