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Para el gran público

MISIÓN CONSEGUIDA

MISIÓN CONSEGUIDA

De la mano de Tom Cruise, para el que no parece pasar el tiempo, el agente Ethan Hunt vuelve a las andadas. Señoras y señores: Misión Imposible 4: Protocolo Fantasma.

Una nueva amenaza se cierne contra la humanidad, unos códigos para la activación de misiles nucleares han caído en manos de un desequilibrado, quien pretende iniciar una guerra nuclear con el fin de seguir con el ciclo de la vida...La trama y su desarrollo es increíblemente inverosímil, pues si no fuera de éste modo, sería una película indigna de la saga. Es lo que el público espera y no defrauda.

Esta vez, el bueno se Cruise se acompaña de la bella Paula Patton, del cómico Simon Pegg y del próximo Ojo de halcón en Los Vengadores, Jeremy Renner.

Juntos hacen un equipo imbatible para mantener al espectador pegado a la butaca en las dos horas que dura la cinta. La acción se sucede a raudales, dejando algunos espacios de tempo relajado para no enervar en exceso al espectador. El guión es francamente bueno, pues combina elementos clásicos del cine de espionaje -en este sentido, la saga vuelve a sus orígenes- con sutiles toques de humor, principalmente a cargo de los personajes de Pegg y Renner.

Los lugares donde nuestros héroes se jugarán el tipo combinan localizaciones ya clásicas en las cintas de espías, tales como Budapest o Moscú, con nuevas ambientaciones más en boga en este mundo tan globalizado, como la ultramoderna Dubai y una impoluta Bombai.

Todo ello, concebido para el espectáculo y el entretenimiento a gran escala. Misión 4 viene pisando fuerte y quiere hacerse no sólo con la taquilla, sinó con el favor de los espectadores ávidos de acción y diversión.

JOSÉ RAMÓN PALOMAR.-

Pie de foto: Unos glamourosos Paula Patton y Tom Cruise en una película con aroma de cine de espías tradicional.

¡SORPRESA, SORPRESA!

¡SORPRESA, SORPRESA!

En la cocina del séptimo arte siempre hay lugar para nuevos platos basados en alimentos muy tradicionales, que pueden saber a gloria para todos los paladares.

La trama es sencilla: George Valentin, un exitoso actor del cine mudo, cae en el olvido y en la miseria tras la irrupción del cine sonoro. ¿será capaz Peppy Miller, una pizpireta y brillante actriz del cine sonoro, de cambiar la vida del desdichado hombre?

The Artist es un rara avis, pues lo que actualmente está en boga es digitalización de la imagen y la irrupción del 3D. Esta película parte de elementos cinematográficamente más que clásicos, cabría hablar de cuasi arcaicos: actores sin voz e imagen en blanco y negro. También existen múltiples referencias al cine de Hollywood de la época de transición del mudo al sonoro. Y el resultado final es exquisito.

Pero ¿qué es lo que sucede entonces? La simplificación del mensaje de la cinta se basa en la expresión de las emociones y de cómo los actores las interpretan. Por otra parte, la banda sonora se integra de modo tan perfecto en la historia que casi hasta con los ojos cerrados, se puede adivinar qué es lo que sucede en cada momento. Del mismo modo, el director combina los elementos previamente enunciados de manera magistral y añade efectos terriblemente sencillos a la vez que memorables para causar gran impacto al espectador.

Hablando de los actores, son Jean Dujardin, en el rol del desventurado George Valentin y Bérénice Bejo, como la fulgurante Peppy Miller, quienes llevan la voz cantante en la historia. El veterano James Cromwell (L.A. Confidencial) y el siempre efectivo John Goodman acompañan a la pareja protagonista.

Hablando de Jean y de Bérénice, la esposa del director, Michael Hazanavicius, no es la primera vez que ambos coinciden en una película y esto se nota en la chispeante química que ambos destilan en pantalla.

The Artist es la sensación del año porque es deliciosa, divertida y especialmente emocionante. Si anteriormente habéis perdido el interés por el cine, ésta es una magnífica ocasión para reencontraros con el séptimo arte.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: The Artist, un guiño al séptimo arte.

LAS APARIENCIAS ENGAÑAN

LAS APARIENCIAS ENGAÑAN

Maktub, de Paco Arango, es una cinta que al principio, desconcierta. Aparentemente, parece ser una revisión del enorme éxito cosechado por la impronta de Albert Espinosa tales como Planta cuarta o Polseres vermelles. Afortunadamente, va más allá.

El film comienza con el retrato del encuentro de un padre de familia (Diego Peretti) que ignora a sus seres cercanos con un niño (el debutante Andoni Hernández) afectado de una enfermedad terminal.

Los primeros compases no son nada halagüeños pues parecen ser calcados de un lacrimógeno y mediocre telefilme. Para el bien de la película una serie de subtramas adornan de forma acertada adornan la historia principal. En ellas, unas magníficas secundarias tales como Aitana Sánchez Gijón, Goya Toledo, Amparo Baró, Rosa María Sardá y Mariví Bilbao dan vida a unos entrañables personajes.

Entre todos ellos, hacen de Maktub una bella historia acerca de la vida, con sus alegrías y sus tristezas. El mensaje no puede ser más bello para esta cinta prenavideña y que, sin duda, debe ser vista por toda la familia para que los más grandes reflexionen sobre su propia existencia y los más pequeños empiecen a ver matices nuevos.

FACESONTHEBOX.-

Pie de foto: Rosa María Sardá y Diego Peretti en una escena de Maktub.

LÚCIDO Y GAMBERRO HOMENAJE AL CINE DE EXTRATERRESTRES DE LOS 80

LÚCIDO Y GAMBERRO HOMENAJE AL CINE DE EXTRATERRESTRES DE LOS 80

Siempre se ha producido en épocas de crisis una irrupción de películas de corte fantástico en el que un grupo de cotidianos y anónimos protagonistas han de hacer frente a una situación de amenaza exterior. 

Este año, además, se está viviendo en el cine un regreso a las películas de los años 80. Ya lo vimos en Súper 8, un claro homenaje al cine de Steven Spielberg, en especial a E.T. y Encuentros en la Tercera Fase. Incluso en el Festival de Sitges, muchas otras películas abordaban cómo reaccionar en caso de una invasión alienígena, como es el caso de la aún inédita en nuestras pantallas Extraterrestre, de Nacho Vigalondo.

Fue precisamente en la edición de Sitges de este año donde, aparte de Red State, la película ganadora del festival, se encumbró una cinta con cuatro premios importantes, entre ellos el Premio de la Crítica y la Mención Especial del Jurado: Attack the block, que este viernes ha llegado a nuestra cartelera.

La película aborda de nuevo, cómo hacer frente a una invasión extraterrestre. ¿Y entonces, cuál es el secreto de su éxito?

En primer lugar, situar la invasión en un barrio pobre de Londres y a sus habitantes, un grupo de chavales de barrio-que además eran actores no profesionales-, entre sus protagonistas, quienes se verán conducidos a comportarse como héroes cotidianos, con sus escasos medios y su gran ingenio como únicas armas para hacer frente a la amenaza. Unos chicos que nos son cercanos y con los que a un espectador medio le es muy fácil conectar e identificarse.

En segundo lugar, a la original manera de presentar a los invasores, en clara referencia a Critters y Gremlins, cintas ochenteras por excelencia. 

En tercer lugar, por saber hacer una crítica a la actual situación social y económica actual, disfrazada de película de extraterrestres, como las de toda la vida. Este cruce entre comedia negra, sátira social y cine de terror -en los que es más importante lo que se intuye, lo que se oye, la amenaza latente, que lo que se ve- está realmente muy logrado.

La combinación de géneros y el logro de dosificar muy bien, en su justa medida, cada uno de ellos, es lo que convertirá a Attack the block en la película de referencia para una generación y sobre todo para aquellos que se quedaron con la miel en los labios pensando que Super 8 no llevó su trama hasta sus últimas consecuencias.

SONIA BARROSO.- 

Pie de foto: Unos anónimos héroes de barrio harán frente a la amenaza exterior.

ARTHUR CHRISTMAS Y EL SENTIDO DE LA NAVIDAD

ARTHUR CHRISTMAS Y EL SENTIDO DE LA NAVIDAD

Había gran expectación por ver cuál sería la próxima propuesta de Aardman Animation, los creadores de simpáticas y sorprendentes propuestas como Chicken run o Wallace&Gromit. Si los anteriores títulos fueron socios de Dreamworks, esta vez, se estrenan con Sony Pictures y además, en 3D.

Su nueva obra, Arthur Christmas: Operación Regalo conserva la esencia de sus orígenes, la acción disparatada y el ritmo trepidante. En esta ocasión, la trama escenifica cómo en el hipertecnificado y milimétricamente reparto de regalos de Santa Claus, una niña se queda sin su regalo.

A partir de ahí, se suceden los esfuerzos de el atolondrado hijo de Santa Claus, Arthur, doblado por James McAvoy (protagonista esta misma semana de La Conspiración), quien ayudado por su abuelo, un retirado Santa Claus, a quien presta su voz Bill Nighy (2ª y 3ª entrega de Piratas del Caribe) no dudarán en mover cielo y tierra para conseguir su propósito. Santa Claus (doblado por Jim Broadbent, protagonista en Another year) y su primogénito (con la inconfundible voz de Hugh Laurie) y a su vez hermano de Arthur, quienes no prestan demasiada atención a la pérdida del ya mencionado obsequio, deberán decidir cuál es su postura ante este dramático hecho.

Una vez más, en este tipo de cintas de animación navideñas, destinadas a toda la familia, y muy especialmente a los más pequeños de la casa, se muestra cómo valores humanos, tales como el coraje y la pureza de corazón siempre triunfan a pesar de las dificultades y los avatares del destino. No se la pierdan, saldrán con una sonrisa  de oreja a oreja pues últimamente, rara vez se alían una original y entrenida historia con una magníficamente lograda animación en 3D.

DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: Arthur y sus ayudantes en el mayor cometido de su vida.

LA CONSPIRACIÓN: UN ALEGATO CONTRA LA INJUSTICIA

LA CONSPIRACIÓN: UN ALEGATO CONTRA LA INJUSTICIA

La conspiración, la nueva película de Robert Redford, nos sitúa en 1865, tras la Guerra de Secesión Americana, en el brutal asesinato del presidente Abraham Lincoln, su vicepresidente y su secretario de Estado de mano de uno grupo de rebeldes sureños.

La película comienza con un pequeño prólogo sobre el campo de batalla para seguir con una portentosa pero algo confusa secuencia en paralelo, a ritmo de thriller frenético, sobre la planificación y ejecución de dicho asesinato. Ya a continuación se centra en el proceso judicial contra Mary Surratt (una impecable Robin Wright), una de las acusadas, sólo por el hecho de ser la madre de John Surrat, uno de los presuntos conspiradores contra Lincoln.

Con una fotografía e iluminación muy especiales, que nos pretenden acercar a la época histórica, así como arrojar luz sobre los acontecimientos que rodearon al injusto juicio llevado a cabo por un tribunal militar contra Mary Surratt. La cinta se centra en los esfuerzos que lleva a cabo un joven abogado, capitán Unionista (interpretado con convicción por James McAvoy) para superar sus prejuicios contra su defendida y hacer todo lo posible para que tenga un proceso con plenas garantías legales y constitucionales.

Robert Redford nos plantea un feroz alegato contra la injusticia y la intolerancia (de los del norte frente a los del sur). Así como, realiza una crítica a la desproporcionada manera de calmar la sed de venganza de toda una Nación a través de la búsqueda de un "cabeza de turco", en este caso Mary Surratt, para cerrar las dolorosas heridas perpetradas por dicho asesinato.

Es cierto que, a partir de ahí, se pueden encontrar muchos paralelismo post 11-S con la situación actual de Estados Unidos y el modo furibundo de buscar y castigar a los culpables de dicha masacre.

Robert Redford se proclama un firme defensor de los derechos humanos de la persona que, en la cinta, han sido cruelment pisoteados por la todopoderosa Maquinaria del Estado. Además de abogar por el cumplimiento de la ley, las garantías de la obtención de un juicio justo y del respeto a la Constitución por encima de todo. En este sentido, la película consigue lo que se propone. Y si además, lo hace de modo entretenido, con un gran sentido del ritmo y consigue un cinéfilo homenaje a las películas judiciales de la década de los 70 y 80, estamos ante una gran película de mensaje político-social.  

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Defensor y defendida en la búsqueda de la verdad.

ALGUNAS SEGUNDAS PARTES SON BUENAS

ALGUNAS SEGUNDAS PARTES SON BUENAS

Llegan las navidades, ya se notan los escaparates con decoración roja y dorada y en las calles las luces de colores empiezan a brillar. En la cartelera, también hay las propuestas de esta época, Happy Feet 2 es una de ellas.

En esta ocasión, la historia se centra en una grave amenaza para la colonia de pingüinos de Mumble y compañía quien en esta segunda parte ya es un adulto que, junto a su mujer Gloria y a su "pelusilla" Eric, forman una unida familia.

Con el 3D ya incorporado en la mayoría de propuestas de animación la cinta arranca con una divertida escena musical, para continuar entreteniéndonos con la convivencia entre pingüinos de diversas clases así como con animales de otras especies. Hay subtramas interesantes que animan la trama principal.

Una película navideña no está completa si no se transmiten mensajes amables y positivos. En este caso, el valor integrador de la familia, la solidaridad entre congéneres cercanos y lejanos, pero unidos por un mismo territorio y la certeza de que el destino es tan inexorable que alcanza a dos simpáticos camarones. Éstos, haciendo todos los esfuerzos por cambiar su suerte acaban siendo reclamados por el propio ciclo de la naturaleza. Aunque lo que resulta más curioso es el esperanzador papel de la raza humana en la ayuda para la preservación del ecosistema.

En definitiva, una bonita película familiar en el amplio sentido de la palabra, que gustará más a pequeños que a mayores, pero que contentará a todos.

J.R.PALOMAR.-

Pie de foto: Eric y sus amigos en un divertido número musical.

DESVERGONZADO DESPROPÓSITO

DESVERGONZADO DESPROPÓSITO

Dos años después de Fuga de cerebros, ahora nos llega la segunda entrega y la fórmula vuelve a repetirse de manera muy parecida. Si en aquella era Emilio (Mario Casas), un chico torpe y tímido que se enamoraba de la guapa y lista Amaia Salamanca, huyendo a la Universidad de Oxford detrás de su amor junto a su peculiar cuadrilla de amigos, aquí es el hermano de Emilio, Alfonso, quien toma el relevo.

Interpretado por Adrián Lastra, Alfonso se halla profundamente enamorado de Sara (Paula Prendes) la persigue hasta la Universidad de Harvard donde se reencuentra con Marta (Patricia Montero) el amor de su vida. De nuevo, aparece el curioso rat-pack de amigotes lisiados tanto física como emocionalmente, entre los que destaca Alberto Amarilla.

Otra vez vuelven a sucederse las situaciones patéticas, los gajes escatológicos que parecen sacados de los hermanos Farrelly, mezclados con la rom-com de toda la vida -con un toque más cañí y absurdo-. Las únicas novedades son los cameos de David Hasselhoff, a quien en sus escasas apariciones le cuesta mantener el equilibrio, y de el Langui, siempre dispuesto a reirse de sí mismo.

Si no fuera por este casting de actores quienes no tienen ni miedo ni vergüenza ante ninguna situación por ridícula que sea, la película naufragaría por los cuatro costados. Sólo la planificación de alguna hermosa escena onírica y la presencia de las bellas Patricia Montero y Paula Prendes, compensan un poco tan desvergonzado despropósito.

Sólo apto para fans recalcitrantes de la comedia gamberra con bajas expectativas, una verdadera lástima que el guión no sea más elaborado, pues ciertas escenas romanticonas resultarían indignas del culebrón más casposo.

FACESONTHEBOX.-

Pie de foto: El casting, lo mejor de la cinta.

SPIN-OFF GATUNO

SPIN-OFF GATUNO

Gran expectación para la presentación de El gato con botas. Y no es para menos pues de la saga Shrek era, junto con el asno, uno de los personajes secundarios más carismáticos que maullaba para tener su propia historia.

En esta ocasión nuestro protagonista no se encuentra solo pues en sus aventuras le acompañan la gatita Kitty Garra Suave y Humpty Dumpty. La acción transcurre en el México semidesértico de finales del siglo XIX, en una historia tiene referencias a varios cuentos infantiles, tales como Alicia en el país de las Maravillas o Juan y las habichuelas mágicas.

Y como siempre, una de las gracias de las películas de animación, son sus voces: Antonio Banderas, que ha hecho suyo este personaje, así como Salma Hayek y Zack Galifianakis (de Resacón en las Vegas y en Tailandia). Por ello, lo mejor es dejarse envolver por su magia y su garra en la versión original. 

No hay que negar que tras ciertos inicios más o menos afortunatunados, el 3D se va consolidando como elemento complementario en cintas donde la acción es la tónica del filme. Esta cinta, junto con la reciente versión de Tintín, hará que el público se reconcilie con este nuevo sistema de visionado.

Aptísimo para todos los públicos, aunque más bien para el infantil que para el juvenil, esta cinta se estrena este viernes. Aunque se echa de menos el característico karaoke final de la saga de Shrek, hay una sorpresa que no hay que perderse. 

FACESONTHEBOX.-

Pie de foto: Gato y gatita vivirán todo tipo de aventuras.

DESAGRADABLE PRINCIPIO DEL FIN DE UNA SAGA

DESAGRADABLE PRINCIPIO DEL FIN DE UNA SAGA

Amanecer I, es el comienzo del final de la saga Crepúsculo. Esta vez dirigida por Bill Condon y con la misma guionista, Melissa Rosenberg, la historia se tendría que hacer más oscura y dramática, pero...¿realmente ocurre así?

Por fin asistimos a la esperadísima boda entre Bella y Edward, su merecida luna de miel, sus miedos ante el momento de tener relaciones, pues él es vampiro y ella continua siendo humana y, en este sentido, la primera parte de la trama es azucarada y bastante previsible. Aunque hay algunas escenas oníricas que no hacen presagiar un desarrollo nada bueno.

La segunda parte de la película se centra en el embarazo de Bella y las consecuencias de éste en la alianza de no agresión entre vampiros y hombres lobos. Lo que más sorprenderá a los fans de la saga es cuánto de desagradable puede este embarazo llegar a ser, pues no escatiman en momentos asquerosos y gores, tanto que si, el embarazo adolescente ya es complicado de por sí, esperaros a ver el angustiante embarazo y parto de la sufrida heroína, con apariencia de cadáver viviente. Adevertencia para las embarazadas o aquellas que creéis que podéis estarlo, por favor, absteneros de ver esta cinta. En muchos momentos resulta, como mínimo, nauseabunda.

Realmente, la película pretende ser un drama romántico, una cinta de aventuras fantásticas y un relato de terror vampírico y digo pretende ser porque, a pesar de la mezcla de géneros, se queda a medio camino de todo. La película está en tierra de nadie. Además, no hay rastro de la química que la pareja en la vida real, Robert Pattinson y Kristen Stewart, deberían tener para hacer creíble su complicada historia de amor. Quizás Taylor Lautner ha madurado un poco mejor y se le nota que pone más empeño en su papel de Jacob, el torturado hombre lobo enamoradísimo de Bella.

Me pregunto si los fans de la novela original, a la cuál la película le es bastante fiel, van a estar contentos con el resultado final. Pero para nosotros, lo que nos pone realmente la piel de gallina y nos angustia es saber que todavía queda una película para echar el broche definitivo a la saga.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Uno de los pocos momentos felices de la pareja Bella-Edward.

UN COWBOY LLAMADO COWBOY

UN COWBOY LLAMADO COWBOY

Pánico en la granja, Panique Au Village, fue presentada hace dos años por sus directores, Stéphane Aubier y Vincent Patar, en el festival de Sitges donde consiguió el premio a la mejor cinta de animación. Cines Verdi en el ciclo Verdi Kids, que contiene una selección de títulos para los más pequeños de la casa, ha incluido esta pequeña joya de la animación, que se estrena este viernes 18 de noviembre, en su programación.

La película está protagonizada por un indio, un cowboy y un caballo de plástico que viven mil y una peripecias de lo más surrealistas y divertidas. El punto de inicio es una disparatada confusión por un regalo de cumpleaños en una divertida aldea cuya tranquilidad se ve truncada por los errados intentos de volver a la normalidad. Cada escena, por banal que aparentemente se presente, es un derroche de imaginación que sorprende al espectador.

El ritmo es aceleradísimo, sin tiempo apenas a la pausa, pero no resulta apabullante, simplemente mantiene la sonrisa en el rostro del público, sólo interrumpida por el asombro de oníricas situaciones que le maravillan.

La animación es tremandamente peculiar, aparentemente, muy sencilla y, a su vez, enormemente original. Ahí radica el encanto de esta más que recomendable cinta: La inagotable capacidad de sorprender al espectador que ni mirará al reloj ni se atreverá a moverse un ápice de la butaca.

Que nadie tenga la tentación de comparar esta cinta con otra de animación protagonizada por otro cowboy de plástico con nombre de madera: Esto afortunadamente no es Toy Story. Aquí ni hay mensajes acerca del bien y del mal, ni rastro alguno de lacrimógena nostalgia. Tan sólo hay diversión en una delirante película que desborda imaginación y fantasía y que hará las delicias no sólo de los más pequeños de la casa.

FACESONTHEBOX.-

Pie de foto: Cowboy e indio viven surrealistas aventuras en Panique au village.

NO SIN MI CASA

NO SIN MI CASA

Cinco metros cuadrados de Max Lemcke, fue la gran ganadora de la pasada edición del festival de cine español de Málaga y no nos extraña en absoluto. La película trata de algunos de los temas que más preocupan en la actualidad, como son la burbuja inmobiliaria, la especulación en el sector de la vivienda y el paro. 

Se nos narra la historia de Alejandro (Fernando Tejero) y Virginia (Malena Alterio), quienes están a punto de casarse y se buscan un precioso apartamento en la costa de Alicante, pero las cosas comienzan a torcerse cuando ven que allí no trabaja nadie y cuando otro vecino descubre que la estructura de los pisos es defectuosa...

El tercer vértice de la historia es el personaje del constructor Montañés, interpretado con la solvencia habitual de Emilio Gutiérrez Caba, un especulador sin escrúpulos, que hace lo que sea para enriquecerse, aunque sea construyendo de manera fraudulenta donde no está permitido.

La pesadilla de esta joven pareja es seguida desde el dramatismo e incluso el patetismo del personaje de Álex, encarnado a la perfección por el hombre normal superado por las circunstancias que representa Fernando Tejero. Un hombre trabajador y a a punto de casarse, que ve como todos sus sueños en forma de casa y todas las posibilidades de una vida y un futuro mejor se quedan reducidas a la nada.

Las peripecias de la efectiva pareja Tejero-Alterio -que ya han demostrado anteriormente que funcionan a la perfección- se sigue con creciente interés, pues la película tiene buen ritmo y además consigue precisión en el guión, lo que la hace muy efectiva como cinta social de denuncia de una sociedad en crisis, donde ni siquiera el derecho a una vivienda digna por la que los ciudadanos nos hipotecamos, es respectado. 

Y, aunque la resolución del conflicto personal y vital de Álex, es quizás demasiado abrupto y desesperado, la película funciona en todo momento, convirtiéndose en un veraz retrato sobre el problema de la vivienda y la especulación inmobiliaria.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Fernando Tejero es Álex, un hombre normal y corriente que ve desmoronarse su vida.

Nota: La película se estrena hoy 11 de noviembre.

LIVE AND LET DIE

LIVE AND LET DIE

Hay cintas que no merecen ser tomadas al pie de la letra, tales la genial ópera prima de William Monahan, quien ya había trabajado como guionista en Red de mentiras o Infiltrados.

Su bagaje en el cine de acción se refleja en London Boulevard, pero de una manera diferente a lo establecido. Esta es una cinta conceptual. No hay pensar que lo que acontece en la película pretenda ser un reflejo de la realidad. Va más allá. Refleja el Londres en el que el lumpen, mediante los tabloides, es el amo del stablishment. No se queda corto tampoco en su también ácida reflexión acerca del mundo del hampa y de las estrellas mediáticas. Mientras unos pierden el derecho a la intimidad, otros pugnan desde su libertad por una redención que nunca llega.

Personajes disonantes buscan desesperadamente la harmonía de sus vidas encajando entre ellos como lo hacen una mano agarrada a un clavo ardiendo.

Todo se envuelve en un Londres de lo más cool, en el que resulta muchísimo más chic la delgada estrella de turno, enfundada en una sencilla camiseta que el amo de los bajos fondos paseando en su Rolls Royce y embutido en su traje de miles de libras. 

El elenco lo encabeza una atípica pareja: La aristocrática y etérea Keira Knighley con el canalla en vías de redención Collin Farrel. Junto a ellos, les acompañan unmuy acertado grupo de secundarios tales como David Thewlis o Ray Winstone quienes parecen estar directamente extraídos de cintas de Tarantino o Guy Ritchie.

El conjunto es francamente redondo, cóctel ambiguo de thriller con drama romántico no exento de acertadas y contadas dosis de humor negro.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: La bella y el bestia.

GUERRA ENTRE NIÑOS, GUERRA ENTRE NACIONES

GUERRA ENTRE NIÑOS, GUERRA ENTRE NACIONES

La guerra de los botones, de Louis Pergaud, es un clásico de la literatura infantil que se ha llevado varias veces al cine. Este año, en Francia, coincide el estreno de sus dos últimas versiones: La guerre des butons, de Yann Samuell y la Nouvelle guerre des butons, que es la que ahora os avanzamos.

Christophe Barratier, quien alcanzó gran notoriedad en su descripción de la infancia en la celebrada, Los chicos del Coro, vuelve en una historia donde los niños son los grandes protagonistas de la historia.

La trama, ambientada en un pueblo de Francia de 1944, gira alrededor de un grupo de niños de Longeverne, que se tiene una gran rivalidad con los niños de Velrans y su venganza en desposeer a sus adversarios de sus botones, en la llamada "guerra de los botones". Paralelamente, el líder de la banda de Longeverne, el rebelde Lebrac (Jean Texier) conoce el primer amor con Violette (Ilona Bachelier), una inteligente niña judía escondida por su padrina para huir del nazismo en Francia.

En el relato, no sólo destacan los papeles interpretados por los niños, sinó también los que desempeñan los mayores, en especial, el profesor de escuela, interpretado por Guillaume Canet. Kad Merad, Laetitia Casta y un divertidísmo Gérard Jugnot -quien ya repite con el director tras Los chicos del coro- completan el reparto.

En este transfondo de guerra, los niños no hacen sinó reproducir en sus batallas los comportamientos de venganza, tiranía y rivalidad de los mayores, es como si se enfrentasen nazis y aliados.

Ante todo, la película es un canto a la solidaridad entre las personas como paso previo a la solidaridad entre los pueblos y las naciones, en este sentido, la cinta funciona como un alegato en contra del nazismo y de la opresión de las minorías, en este caso, la judía. Además, sigue bien los postulados de igualdad, libertad y fraternidad que propugnaban los franceses desde la Revolución.

Aunque sin olvidarnos que la película es completamente blanca e inocente, lo que la hace una propuesta adecuada para grandes y pequeños.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Los niños de esta particular guerra.

Nota: la película se estrena este viernes 11 de noviembre.

UN OCEAN´S ELEVEN CON MENOS GLAMOUR Y MÁS COMEDIA

UN OCEAN´S ELEVEN CON MENOS GLAMOUR Y MÁS COMEDIA

Se nota que nos acercamos a navidades y esto se ve en las propuestas de corte para todos los públicos que empiezan a poblar nuestra cartelera.Un golpe de altura encaja a la perfección con ese tipo de peliculas que entretienen a los adultos, pero no desubican a los pequeños infantes.

Con Ocean´s Eleven como película referencial en la mezcla de acción con toques de comedia -pero sin el glamour de aquella-, Un golpe de altura marca más la comedia y, por ello, se le perdona que ciertos capítulos de acción queden en lo inverosímil.

Dirige el polifacético y prolífico Brett Ratner, quien entre otras firmó la saga de Hora Punta,El dragón rojo, X-Men 3: la decisión final, etc. Del nutrido elenco sobresalen un divertido, pero no payaso, Eddie Murphy así como el siempre solvente Ben Stiller. Les acompañan el camaleónico Michael Peña (El inocente) y la siempre incisiva Gabourey Sidibe (Precious). Es una lástima que ni Casey Affleck ni Matthew Broderick aprovechen esta divertida y entretenida cinta en mostrar más chispa en su actuación.

La cinta, que parece estar inspirada en un famosísimo estafador financiero de alto copete en la ciudad de los rascacielos, funciona más como cinta de acción que como pura comedia que entretiene y, acompañada de una potente banda sonora, hace pasar un buen rato.

DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: Dos cómicos en acción.

DREAM HOUSE: ¿TRAS LAS HUELLAS DE SHYAMALAN?

DREAM HOUSE: ¿TRAS LAS HUELLAS DE SHYAMALAN?

El género del misterio está trillado de recientes propuestas como Intruders, de Juan Carlos Fresnadillo, o Shutter Island, de Martin Scorsese. A estas cintas se añade ahora el thriller psicológico, Detrás de las paredes (Dream House).

En su reparto se halla Daniel Craig, Rachel Weisz y Naomi Watts. Bajo la batuta de la dirección, Jim Sheridan, quien sobresalió en propuestas como Mi pie izquierdo o En el nombre del padre.

Esta nueva película, es sólo para grandes fans del citado género, pues el guión es demasiado previsible y, ciertamente, agoniza debido al tedio que produce en el espectador, sobre todo en su primera mitad; y le lleva a una mayor extreñeza por culpa de sus extraños y oníricos giros argumentales.

Sólo la ira interpretativa del siempre creíble Daniel Craig y el habitual buen hacer de Rachel Weisz -ahora marido y mujer, que se enamoraron durante este rodaje- salvan del naufragio a una propuesta, que además hace referencia a la notable El Sexto Sentido del entonces exitoso Shyamalan, sin que vaya a conseguir las cuotas de éxito de público y crítica de ésta. Una verdadera lástima que un director y actores tan excelentes no consigan que esta película sobresalga por encima de la media del género de terror y casas encantadas.

Aunque eso sí, reiteramos que los fans del género y de la pareja protagonista, público potencial de esta película, no se la deberían perder. 

JOSÉ RAMÓN PALOMAR.-

Pie de foto: Daniel Craig, perdido entre cuatro paredes.

THE HELP: VOCES CONTRA EL RACISMO

THE HELP: VOCES CONTRA EL RACISMO

The Help (Criadas y Señoras) es una película profundamente femenina. Tate Taylor, su director, se ha rodeado de un elenco de actrices brillante, que saben dotar a sus personajes de los matices necesarios, entre ellas, Emma Stone (como la escritora Skeeter), Viola Davies (la sufrida criada Aibeleen), Bryce Dallas Howard (la malvada señora Hilly), Octavia Spencer (la irónica criada Minny) y Jessica Chastain (la ingenua señora Celia).

La historia, basada en una novela de Kathryn Stockett, se sitúa en la década de los 60 en Jackson, una ciudad del segragacionista sur de EEUU -donde curiosamente se criaron el director y la escritora, amigos desde su infancia-. Aquí las mujeres negras sólo pueden ser las criadas de las señoras y señoritas blancas. Estas criadas, además, son las niñeras de los niños blancos, a los que cuidan como si fuesen sus propias madres, en ocasiones desocupándose de sus propios hijos. Estas criadas negras viven en una sociedad que las deniega incluso el uso de los mismos baños que los blancos, sentarse en su mesa, tener sus mismos derechos, en definitiva.

La trama arranca cuando una joven de clase acomodada, Skeeter, decide dar voz en un libro a todas esas "mamis" negras, a pesar de lo peligrosos que puede resultar en una sociedad tremendamente racista, hipócrita y de doble moral.

Aunque la película se convierte en un alegato contra el racismo y a favor de la igualdad entre blancos y negros, nos damos cuenta que también existe discriminación entre blancos mismos, en la subtrama que envuelve al personaje de Jessica Chastain, repudiada por otras señoras blancas por algunos motivos que no conviene desvelar.

Esta violencia soterrada contra los negros, se explica en la película de mil y una formas, en tono de melodrama, la cinta funciona especialmente cunado se da voz a las negras confronrándolas con las blancas.

Lo que podia haberse convertido en un telefilm de sobremesa, remonta el vuelo, especialmente gracias a un buen guión y a un grupo de actrices que nos emocionana con sus relatos. Algunos encontrarán la búsqueda de la emoción como algo condenable pero, en un mundo globalizado donde imperan los datos macroeconómicos, acaso no es lícito sentir y vibrar con una historia que llega directamente al corazón de las personas, independientemente de cuál sea su color de piel? Muy recomendable.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Skeeter y Aibeleen,Emma Stone y Viola Davis, señora y criada, alzaran sus voces contra el racismo y la intolerancia.

EVA: ¿LOS ROBOTS TIENEN ALMA?

EVA: ¿LOS ROBOTS TIENEN ALMA?

Eva es una cinta sobre la inteligencia artificial y la robótica y cómo ésta afecta en la vida de las personas. La película fue muy bien acogida en los festivales de Venezia y de Sitges, donde fue premiada en el apartado de efectos especiales.

Daniel Brühl es Álex, un ingeniero que está buscando un prototipo de niño para hacer un robot con emociones más humanas, sensible y divertido. Entonces conoce a Eva, una niña despierta y traviesa y quiere trabajar con ella.

Bajo esta premisa y, con un triángulo amoroso de fondo, con la deliciosa Marta Etura y el casi-ausente Alberto Amman, la película comienza un tanto floja y dubitativa, pero va in crescendo y conforme avanza el metraje (un tanto corto, 90 minutos) se hace más interesante.

La película plantea algunas cuestiones éticas para la reflexión, tales como si un robot podría sustituir una persona humana, haciendo suyas emociones como la alegría, la tristeza, la ira, etc. Es decir, si la inteligencia artificial llegará a superar a la inteligencia humana.

Aunque, en algunos momentos, es un poco fría, muy de acorde a sus paisajes invernales nevados. Parece como si faltase alguna cosa que redondease el conjunto. Quizás un poquito más de alma en los personajes y en la historia hubiese mejorado la cinta.

Hay que estar atentos a la inquitetante presencia de Claudia Vega, como la niña que da origen al título, que es uno de los alicientes del film, que lleva la sorpresa más grande, así como al siempre brillante Lluís Homar en un simpático papel.

Es un debut prometedor y, aunque no es una película redonda ni brillante, tiene momentos muy intensos, especialmente es su tramo final, que es cuando se precipitan todos los acontecimientos, la película se queda sin aire y casi deja sin aliento a los espectadores. Habrá que seguir la pista a su director, Kike Maíllo, que debuta con esta película basada en un las leyes de la robótica de Isaac Asimov.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Claudia Vega encarna a la Eva del título.

Nota: La película se estrena este viernes 28 de octubre.

EL ANSIADO REGRESO DE TINTÍN

EL ANSIADO REGRESO DE TINTÍN

La esperada adaptación a la gran pantalla del héroe belga por excelencia no desmerece en absoluto en Tintín: El secreto del Unicornio. Sobre el papel Steven Spielberg dirige y Peter Jackson produce, pero en los créditos finales de la cinta, el creador del universo de la Tierra Media aparece como director de la segunda unidad.¿A caso Spielberg corona de este modo a Jackson como su heredero natural?

Asuntos sucesorios a parte, sobre las cabezas de los mismos estaba el rodar con una técnica aperentemente similar a la visulamente decepcionante Polar Express. En este caso, los resultados son asombrosos, a ello se une un fenomenal 3D que hará que los excépticos más recalcitrantes replanteen su postura, pues se trata de un 3D amable con el espectador que aporta gran profundidad de campo a esta propuesta realizada en stop motion.

Pasemos al capítulo de los actores, Jamie Bell es Tintín; Andy Serkis, ya acostumbrado a trabajar sin mostrar su rostro, sea en forma de King Kong, Gollum o el primate César de El planeta de los simios, en este caso, encarna al capitán Haddock. No nos podemos olvidar de Daniel Craig, quien pasa a ser el villano Sakharine. De ellos sólo podemos decir bondades a destacar la expresividad facial de Haddock, reflejo fiel de los monumentales enfados característicos -marca de la casa- de su personaje en el cómic original.

La acción es trepidante, cualquiera se podría aventurar a decir que los firmantes de esta propuesta fueron en su juventud ávidos lectores de las aventuras de este aventurero reportero belga. No hay que olvidar los ingeniosos cambios de escenas, los entretenidos créditos o la excelente banda sonora. Se podría escribir mucho acerca de sus referencias cinéfilas, quizás la más clara sería al personaje de Indiana Jones ¿o podríamos decir que el intrépido arqueólogo se parece a Tintín?

Por lo que respecta a la historia, ¿qué decir de ella? Es una fiel adaptación de tres de los títulos firmados por Hergé: "El secreto del Unicornio", "El cangrejo de las pinzas de oro" y "El tesoro de Rakham el Rojo" a la que seguramente le seguirán dos películas más si se confirma la trilogía anunciada en 2008. Con la expectación que existe tanto entre los fans como entre los neófitos, el éxito está asegurado.

DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: Tintín, esta vez de perenne flequillo pelirrojo, y el capitán Haddock. 

Nota: Tintín se estrena este viernes 28 de octubre en cines.

EL ORIGEN DE LA CRISIS FINANCIERA ACTUAL

EL ORIGEN DE LA CRISIS FINANCIERA ACTUAL

Margin Call, ópera prima de J.C. Chandor, es una película que pretende arrojar luz sobre un tema espinoso y de rabiosa actualidad: cuáles fueron las causas de la crisis económica del 2008.

La trama parte de noche fatídica en que un empleado (Zachary Quinto, también productor de la cinta) descubre un "marrón" que puede llevar a su compañía a la bancarrota. Éste alerta a sus superiores, produciendo toda una negociación y estrategias contrareloj para tratar de vender toda su deuda hipotecaria para tratar de salvar el cuello y el de la empresa. Aquí se pone en jaque las personalidades de cada uno de los empleados de la empresa, desde los subordinados a los cargos superiores hasta llegar al presidente de la entidad. Pues en esta operación, tanto los egos como el honor y la reputación de cada uno de los peones de este gran y perverso ajedrez llamado "economía" pueden salir malparados.

Los actores están todos muy creíbles en sus roles, desde los jóvenes Zachary Quinto (Star Trek) y Penn Bardley (Gossip Girl) a los más veteranos como Kevin Spacey, Demi Moore o Jeremy Irons, sin olvidarnos de Stanley Tucci, Paul Bettany (El sicario de Dios) o Simon Baker (de la serie El Mentalista). 

La película está contada a ritmo de thriller, es el Wall Street del siglo XXI y posee una gran virtud: explicar a los neófitos en temas económicos cómo se origina una crisis financiera a gran escala. Una película de la que no conviene saber mucho para llevarse una agradable sorpresa, pues es un film más que notable, entretenido, actual y didáctico. ¿Se puede pedir más?

SONIA BARROSO.- 

Pie de foto: Kevin Spacey es Sam Rogers, el jefe que alienta a sus subordinados.

Nota: La película se estrena hoy viernes 21 de octubre.