Para el gran público

UNA MUERTE LENTA Y SUAVE: LA DEGRADACIÓN MORAL DE OCCIDENTE

Killing them softly, de Andrew Dominik, es mucho más que la película donde Brad Pitt es un asesino a sueldo muy cool, es muchísimo más que un reparto masculino de campanillas: Scoot McNairy (Buscando un beso a medianoche, Monsters), Ben Mendelhson (The Dark Knight Rises), Ray Liotta (Uno de los nuestros), Richard Jenkins (The Visitor), James Gandolfini (Los soprano), etc. Ambientada en una ciudad cualquiera de EEUU, con una estética gris, lluviosa y un tanto post-apocalíptica, aunque está claro que es contemporánea, la película es mucho más que neo-noir.

Mátalos suavemente nos habla de algo sensiblemente más importante que unos ladrones de pacotilla y unos mafiosos de medio pelo que deciden ajustar cuentas entre ellos, la película nos está contando la degradación moral de todo un país, EEUU, que es sólo un negocio, cómo exclama uno de los protagonistas en una sentencia lapidaria. Esta degradación moral es exportable a todos los países occidentales, acuciados por una tremenda crisis económica, acompañada por una falta de valores humanos brutal, alimentados por discursos de políticos presumiblemente revolucionarios (como el ya mítico "Yes, we can", de Obama), que en realidad está anclado en el que hizo Thomas Jefferson el siglo XIX. 

Los "pobres diablos" que salen en la cinta no representan a "los trabajadores productivos" de los que se vanagloriaba George Bush en uno de los discursos que en la película hábilmente se intercala, sinó a las marionetas rotas de una sociedad donde la ambición por el dinero y el consumismo han conducido a la corrupción moral de las almas.

Dominik, a través de esta historia de gángsters, consigue hacer una denuncia efectiva y a veces efectista del mundo occidental en el que más que seres vivientes, somos supervivientes entre el caos y la miseria, consumidores frustrados a los que el crédito de la Visa nos nubla a la hora de conseguir nuestros sueños. No en vano, la cinta contiene uno de los asesinatos más esteticistas y elegantemente filmados de los últimos tiempos.

Heredero de Quentin Tarantino y Guy Ritchie y con un sentido del humor, muy cínico algunas veces y demasiado deslenguado -en otros diálogos explícitos y bastante inncesarios, todo hay que decirlo-, el director neozelandés autor de El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford y de una impactante ópera prima como Chopper, nos regala una de las películas más contundentes del año. Un título indispensable para entender los tiempos que corren.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Relaciones humanas mercantiles y vacías de significado.

ROMÁNTICA Y CÉLEBRE CITTÁ ETERNA

A Roma con amor es la nueva cita anual de Woody Allen con sus seguidores. Tras la fallida Vicky Cristina Barcelona y la inspiradísima Midnight in Paris -que consiguió el Oscar al mejor guión original-, nos llega esta postalista de vacaciones woodyalleniana, esta vez ambientada en la bellísima Roma.

Estructurada en varias historias y con un reparto coral lujosísimo, entre los que destacan el propio Allen, nuestra Pe, Roberto Benigni, Alec Baldwin, Judy Davis, Ellen Page y Jesse Eisenberg, como caras más conocidas, la película es un collage del propio universo y personajes "made in Allen", que no se reiventa, sinó que se copia a sí mismo.

El personaje de Alec Baldwin cumple la misma función que el Humprey Bogart de Sueños de un seductor; Allen hace de neurótico, al igual que Page, que es un sucedáneo de las intelectuales bohemias interpretadas por Diane Keaton en Annie Hall; Pe es una prostitura del estilo de Mira Sorvino en Poderosa Afrodita, aunque con menos dulzura y más energía...

Algunas historietas son una crítica amable a qué es ser célebre y las consecuencias de ser rico y famoso, otras son cuentos vodevilescos de amor e infidelidades varias, etc. Algunas situaciones sorprenden de primer momento (la escena del enterrador en la ducha, por ejemplo), aunque luego las tramas se reiteran y alargan demasiado, sin aportar gran cosa al conjunto

Se ha de reconocer que la película se ve con facilidad, que el espectador se ríe en muchos momentos y que, a pesar de su ligereza, Woody Allen ha filmado una preciosa estampa de la Cittá Eterna, la cual, seguramente no contentará a sus fans, pero que sí servirá para que el público en general viva unas vacaciones en Roma sin levantarse de la butaca, aunque eso sí, muy distinta a la deliciosa aventura de Audrey Hepburn y Gregory Peck en la película de William Wyler.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Penélope Cruz es Anna, una prostituta que "ayuda" a un tímido joven casado.

NICOLAS CAGE NOS LLEVA CONTRARRELOJ

Contrarreloj supone el reencuentro después de 15 años desde Con Air, de su realizador, Simon West y de su actor principal, Nicolas Cage. Aunque si en aquella ocasión la trama de acción giraba entorno a tres personajes principales, dos de ellos canallas (John Malkovich y Nicolas Cage) y un poli bueno que iba tras ellos para darles caza (John Cusack) en esta ocasión el rey de la función es el sobrino de Coppola, quien parece sentirse como pez en el agua con las cintas frenéticas de persecuciones, peleas, secuestros express, etc.

La trama brevemente es la siguiente: tras cumplir ocho años en la cárcel, Will Montgomery (Nicolas Cage) sale. Su misión: convertirse en un hombre decente, sobre todo para su hija. Aunque sus planes no salen como esperaba cuando un antiguo compinche de robos (Josh Lucas) comienza a amenazarle...Gracias a una antigua colega (Malin Akerman) podrá dar caza a su secuaz.

La película parte de una premisa sencilla en el cine de acción moderno, como es el del secuestro express y el tour de force de un rescate "a contrarreloj", como el propio título de la cinta indica. En ésta, no hay nada nuevo bajo el sol, pero se ve que tanto Simon West, solvente director de la divertidísima y adenalínica Los Mercenarios 2, como Nicolas Cage disfrutan en el género y se entienden a la perfección.Y eso, el espectador que va al cine en busca de evasión, lo tiene.No hay más secretos. Parece que Nicolas Cage se quiere incorporar en el reparto de Los Mercenarios 3.

JR. PALOMAR.-

Pie de foto: Nicolas Cage, sufrido héroe de acción.

TORBELLINO DE RELACIONES FAMILIARES Y AMISTOSAS

Le prénom, de Alexandre De Lapatelllière y Michael Delaport, parte de una obra teatral, como ya sucedía en La Cena de los idiotas, para construir una desternillante vuelta de tuerca a las relaciones familiares y de amistad.

La cinta, siguiendo la tradición de grandes comedias francesas, como la citada La Cena de los idiotas, de Francis Weber; Cena de amigos, de Danièle Thompson, y Pequeñas mentiras sin importancia, de Guillaume Canet, reúne bajo un mismo techo a varios familiares y amigos con el pretexto de una reunión común. Dicha celebración, que en principio tenía que ser amistosa y "de buen rollo", se acaba convirtiendo en una auténtica pesadilla, pues comienzan las salidas de tono, las bromas pesadas y los malentenidos en una escalada de memorables momentos entre la comedia más disparatada y el melodrama más vodevilesco. 

La película, que guarda algún paralelismo con Un Dios Salvaje (Carnage), de Roman Polanski, en lo referente a la puesta en escena un poco teatral en el comedor de la casa y en la escala de situaciones cada vez más comprometidas, es menos cínica y más humana y cercana al espectador que el muy acidísimo film de Polanski.

En este caso, todo gira alrededor del nombre que uno de los protagonistas, Vincent (Patrick Bruel) quiere poner a su hijo y, a partir de ahí, se desencadenan todos los acontecimientos. Todos los actores tienen mucha química entre ellos y, además, el buen sentido del ritmo del guión, hacen que pases de la carcajada a la sonrisa congelada en poco tiempo, de la risa a la emoción contenida. Y tiene muchísimo mérito, pues hace reflexionar sobre algunas cuestiones de la vida, de las relaciones familiares y sociales, sin aburrir ni un instante.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Juntos y muy revueltos.

ESPIONAJE, GUERRA Y SEDUCCIÓN

Shangai, de Mikael Hafström, está ambientada en el Shangai del 1941 en los días previos al ataque de Pearl Harbour,donde un oficial de la inteligencia americana encubierto de periodista, Paul Soames (John Cusack), está investigando la muerte de su amigo Conner. Esto le llevará a entrar en contacto con un mafioso local, Chow Yun-Fat y su bella y enigmática esposa, Anna (Gong Li) por la que se sentirá irremediablemente atraído, así como con el capitán Tanaka (Ken Watanabe), perdidamente enamorado de la gheisa Sumiko (Rinko Kikuchi), amante de Conner.

La película es una cinta de espías, amor, celos y traición, con una cuidada ambientación y dirección artística. La recreación del Shangai de los años 40 es espectacular. Así mismo, sus coqueteos con el cine negro son evidentes, pues posee múltiples referencias a otros títulos míticos de dicho género, desde Casablanca, de Michael Curtiz, (por lo que se refiere al triángulo amoroso) hasta Camino a la perdición, de Sam Mendes (la escena del tiroteo bajo la lluvia) o El buen alemán, de Steven Soderbergh.

No obstante, aunque es una película entretenida y bien ambientada, la trama no es lo envolvente que nos imaginábamos que sería. Gracias al buen hacer de una espectacularmente exquisita y seductora Gong Li y a los matices del personaje de Ken Watanabe, la película gana puntos. John Cusack no se luce demasiado, a pesar de ser el protagonista y Chow-Yun-Fat tiene un papel demasiado conciso y esquemático. 

No obstante, si queréis disfrutar con una historia como las de antes y no sois demasiado exigentes en cuanto a originalidad de la trama y esquematismo de algunos personajes, probablemente Shangai satisfaga la necesidad de pasar un buen rato en el cine.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: La atractiva y peligrosa, Anna (Gong Li), uno de los alicientes de Shangai.

INFIERNOS COTIDIANOS

Las temática de las posesiones resulta ser un subgénero recurrente dentro del terror con base real. En esta ocasión, el danés Ole Bornedal nos hacen llegar "The Posession (El origen del mal)". Hay que tener en cuenta que esta cinta se halla bajo el amparo (productor) del semi-diós Sam Raimi, quien sorprendiera allá por el 1981 con mucho más conseguida Posesión Infernal.

La historia trata de cómo una cría es poseída de modo accidental por un espíritu hebreo maligno que estaba encerrado en una caja. Cómo transcurre la demoníaca transformación es el eje de la trama con los sustos, exabruptos, palabras en idiomas ininteligibles y tantos típicos y tópicos tics habituales de este tipo de cintas.

El contexto en el que se sitúa es en el de un divorcio en una familia de clase media estadounidense. Y es en este contexto más típico del melodrama más casposo de sobremesa donde reside el interés de la cinta, dónde se halla el verdadero terror de la cotidianeidad: la pérdida del amor en la familia como nexo de unión entre los miembros de la misma.

Hay que tener en cuenta la planificación, la iluminación, la fotografía y el montaje pues técnicamente destacan y realzan la historia.Otro elementos inquientante y perturbador es la banda sonora de la misma pues acaba siendo un personaje más de la cinta.

Como curiosidad, mencionar que la cinta está basada en hechos reales aunque como en estos casos, sucede como la lotería: nadie conoce a alguien que le haya tocado...

J.R.PALOMAR.-

Pie de foto: Niña, en la caja hay algo que es mejor no desvelar.

MISIÓN CUMPLIDA: 35 AÑOS DE DREDD

Coincidiendo con el 35 aniversario del personaje creado por John Wagner y aprovechando las reediciones del cómic original, por parte de ediciones Kraken, llegan las aventuras del juez Dredd por segunda vez a la gran pantalla. La primigenia y tan socorrida frase con la que nos dicen que se iniciaban los rodajes, parece haber sido la fuente de inspiración de este nuevo Dredd, de Pete Travis (director de En el punto de mira).

En un mundo dónde las normas por las que se rigen los hombres són solo eso, normas, la justicia no sólo se impone, se aplica a sangre y fuego.

Siguendo la máxima del personaje: "Yo soy la Ley", la cinta posee un argumento sencillo y tiene similitudes con todas aquellas propuestas en las que el héroe (por decirlo de algún modo) debe enfrentarse con muy pocos medios y muchas malas pulgas a una ingente cantidad de enemigos antes de concluir su misión. En este caso, es el Juez Dredd (interpretado por un enmascarado Karl Urban, El señor de los anillos: el retorno del rey) quien debe atrapar a la mala malísima Ma-Ma (encarnada por una afeadísima Lena Headey-300,Juego de Tronos-).

Hay acción a raudales en esta entretenida cinta que parece haber sido rodada para alabar las bonanzas del cuestionado formato 3D. La cinta no aporta nada que no haya sido visto antes, y es que parece que no hay nada nuevo bajo el sol tras los efectos de Matrix y la visión de la casquería mostrada en CSI.

La cinta entretiene, mantiene la atención y, a diferencia de su desafortunada versión de 1995 con Sylvester Stallone al frente, cumple con lo esperado. Por lo tanto la sentencia en este caso es rotunda: mision cumplida.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Dredd y su Rookie, dispuestos para dictar sentencias.

NO ES INDY...ES TADEO Y VIENE DISPUESTO A DIVERTIRNOS

Tadeo Jones, de Enrique Gato parece venir con la última llamada para las películas infantiles del verano. Llega a nuestras pantallas con el calificativo de la mejor película de animación de la historia y a nuestro entender, no sólo está a la altura, sino que supera a la exitosa Planet 51.

La idea de esta propuesta parte de un corto del mismo nombre y director y por el que se llevó el Goya en el año 2006 al mejor corto de animación.

La película narra la historia de Tadeo, un ingenuo albañil, todo él bienintencionado, quien hace de su vida diaria un sueño de arqueólogo. Hasta que un dia le surge una interesantísima oportunidad de ver cumplidos sus sueños de infancia que se verá convertida en una entretenida aventura...

El nombre y la trama parecen remitirnos inevitablemente al famoso arqueólogo interpretado por Harrison Ford. Pero no nos engañemos, nuestro Tadeo tiene más corazón que ingenio y más suerte que habilidad. Para quien no lo conozca, diremos que nuestro particular héroe comparte muchos puntos en común con el mítico Superlópez. A nuestro aventurero cotidiano le acompañan en su travesía unos divertidos secundarios, tales como Momia.

La trama es más bien sencilla, pensada para los críos pero no aburrirá a padres con ganas de pasar una tarde en el cine. La parte técnica está bien resuelta y el 3D no resulta intrusivo. A destacar la banda sonora, tanto la parte rockera a cargo de "The Monomes", como la filarmónica interpretada por la Filarmónica de Bohemia.

D.PALOMAR.-

Pie de foto: Tadeo junto a su compañera Sara y su perro Jeff.

ABRAHAM LINCOLN PROMETE ACCIÓN, SANGRE Y ESPECTACULARIDAD

Abraham Lincoln fue el 16º presidente de los Estados Unidos y el primero del Partido Republicano, luchó contra la esclavitud y se vio inmerso en una guerra contra los estados secesionistas del sur entre 1861 y 1865. Timur Békmambetov-director kazajo, quien nos sorprendiera con su poderosa imaginería visual en Guardianes del Día y de la Noche y en Wanted- se encarga de adaptar la novela Abraham Lincoln, Vampire Hunter, de Seth Graham-Smith (autor de Orgullo, prejuicio y zombies y guionista de esta propuesta) a la gran pantalla por todo lo alto.

La película parte del personaje histórico -desde su más tierna infancia hasta su juventud y madurez- y le hace una reinterpretación histórica. ¿Qué hubiese pasado si Lincoln hubiese compaginado su estudio de las leyes y su entrada en política con el solitario oficio de cazavampiros? En la cinta se muestran las razones que le llevan a esta decisión, su entrenamiento como cazador de vampiros por parte de Henry Stuges, un extraño cazavampiros que oculta un secreto (excéntrico Dominic Cooper -Mamma Mía-) y su incansable lucha contra esos monstruos de la noche. Un hecho curioso es que para matar a un vampiro usa un hacha y también balas de plata (arma que normalmente se usaba para combatir a los hombre lobo).

La estética es de terror gótico y su estilo visual es potente y arrollador. El sello de Békmambetov está presente en todos y cada uno de sus fotogramas e incluso se aprecia el influjo de su ilustre productor, Tim Burton, éste es uno de los grandes atractivos de la película. Aparte, el 3D refuerza las escenas de acción y las cacerías de Lincoln, que no se hacen nada repetitivas, sinó que son bastante dinámicas y entretenidas. Además, estos chupasangres no se parecen en nada a los tímidos y mojigatos vampiritos de Crepúsculo, sinó que, bajo un porte culto, refinado y muy cool, están sedientos de sangre y venganza.

Aunque en contra de la cinta juegan dos factores. El primero es que la película se toma demasiado en serio a ella misma, si fuese un poco más jovial y lúdica y no tan grandilocuente en sus discursos y exposición de ideas, mejoraría. La reinterpretación histórica del personaje de Lincoln y de los dos bandos que combaten en la Guerra de Secesión Americana es lo suficientemente jocosa y festiva para que la película fuese más gamberra, cosa que no sucede en casi ningún momento del film. Aunque no nos olvidemos que ésta es la versión menos ortodoxa del personaje, pues en enero de 2013, Steven Spielberg estrenará una versión histórica con Daniel Day-Lewis de protagonista.

El segundo es que el actor principal, Benjamin Walker, le imprime poco nervio a un personaje que necesitaba ser más carismático para captar la atención de los espectadores. Suerte que hay un buen plantel de personajes secundarios que se erigen como esenciales en el desarrollo de la trama que arropan y mitigan esta carencia del protagonista. Anthony Mackie (En tierra hostil), quien interpreta a su amigo y aliado negro, Will Johnson; Mary Elisabeth Winstead (la hija de Bruce Willis en Jungla de Cristal), que encarna a la esposa de Lincoln, Mary Todd; Dominic Cooper, como su mentor en el arte de cazar vampiros, Henry Sturges y Rufus Sewell (Dark City), como Adam, jefe de los vampiros.

En definitiva, un entretenido y visualmente impactante blockbuster veraniego con un punto de partida original e innovador, pero que lo desaprovecha por culpa de tomarse demasiado en serio a sí misma.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Abraham Lincoln, hacha en mano, y su aliado Will Johnson en su lucha contra los monstruos de la noche que amenazan con destruir EEUU.

ACTION & HUMORISTIC MEN

Los Mercenarios 2 es una película homenaje al cine de acción de los 80, aquellas películas de acción a raudales, testosterona desbocadada, muchos tiros, explosiones por doquier, diálogos limitados y actores de expresividad gestual casi nula. Algunas de aquellas estrellas del cine de acción se volvieron a reunir hace dos años y la jugada les fue tan bien, que repiten.

Sylvester "Sly" Stallone, Arnold "Arnie" Schwarzennegger, Chuck Norris, Jean-Claude Van Damme, Dolph Lundgren se unen a Bruce Willis, Jason Statham, Jet Li, Randy Couture y el joven Liam Hemsworth para hacer una película de acción como las de antes, aunque aún más sangrienta, más excesiva y con mucho más sentido del humor. Atención a los divertidos cameos de Arnie y Norris quienes son capaces de reirse de sí mismos, sin resultar ridículos, en un dignísimo baño de nostalgia, testosterona y mucha pólvora. 

Una película que bien funcionaría en una sesión de Phenomena, en la que se produce un relevo generacional natural con Statham recogiendo el testigo de Sly. El tiempo no parece haberles pasado factura, eso sí, ayudados por trucos de cámara y uso de stunts para según qué tipo de escenas, que antes realizaban los actores.

La trama es lo que menos importa, aunque quizás lo que más sorprenda y la diferencie de aquellas cintas ochenteras que veíamos en sesión doble en cines de barrio, es la ausencia de cualquier elemento político, social o de denuncia para ser sólo acción, diversión y todo tipo de chascarrillos humorísticos. Para divertirse durante 1h 45 min, sin complejos. Y en más de una ocasión, sorprenderse a uno mismo riéndose a mandíbula batiente.

JR PALOMAR.-

TRAVESÍA PIRATA ENTRE LONDRES Y EL CARIBE

El verano y las navidades suelen ser épocas propicias para el estreno de propuestas de corte infantil. Este año la cosecha es buena y ¡Piratas! lo confirma.

Los estudios Aardman nos sorprendieron con Chicken Run, nos entusiasmaron con Arthur Christmas y este verano, se reinventan con la divertida y entretenidísima ¡Piratas!, sin perder las raíces de su huella artística en forma de la técnica del stop-motion. El sello de la casa sigue brillando por su frescura, esta vez en 3D, aunque éste último no aporte nada. La ambientación brilla por la calidad de los detalles de cada escena, no dejando nada al azar e incluso mostrando habilísimas y muy sutiles muestras de humor.

Una peculiaridad de esta cinta es que en la versión en castellano, un desacomplejado Andrés Iniesta presta su voz al Pirata Albino. En la versión catalana es su colega Gerard Piqué el que pone la voz al poderoso Rey Pirata. Mientras que en su versión original anglosajona son Hugh Grant y Salma Hayek quienes se llevan al gato al agua a la hora de poner voz a los personajes de Capitán Pirata y de la aguerrida Corsaria Sablazo Liz, respectivamente.

La acción no se representa de un modo tan acelerado como en Arthur Christmas, del mismo modo, también carece de sus ralentizadas escenas, por lo que el conjunto, pasa de ser de una montaña rusa a una entretenida travesía, entre Londres y el Mar del Caribe.

El argumento va más allá de las aventurillas de toda la vida del gremio de los corsarios y bucaneros, incluso con una trama más compleja que la protagonizada por la saga del pirata más excéntrico del Caribe apellidado Sparrow...

La película nos cuenta la rocambolesca historia de un grupo de corsarios de poco ingenio quienes aúnan esfuerzos para que su carismático líder, el Capitán Pirata, opte al premio de "Pirata del año". En su camino se cruzan el mismísimo Charles Darwin y la reina Victoria de Inglaterra, quien muestra una curiosísima faceta. 

El entretenimiento para grandes y pequeños está asegurado.

 

D.PALOMAR.-

Pie de foto: Pirata Albino, Número 2, Capitán Pirata con su inseparable Polly, Pirata de Curvas Sorprendentes y Pirata con gota, ¡todos al abordaje!

TED, UN PELUCHE NO TAN TIERNO NI ADORABLE

Aunque Ted resulte en principio de lo más tierno y adorable por su presencia, no nos engañemos, el mejor amigo de Johnny Bennett (un Mark Walhberg que se lo ha pasado de miedo rodando la película) no es un peluche encantador.Ni la película es una cinta apta para todos los públicos.

Esta comedia hace gala de un humor gamberro, irreverente y obsceno.Todo ello, marca Seth MacFarlane (el creador de Padre de familia), que aquí ejerce de director, productor y doblador del oso Ted, quien debería lavarse la boca con jabón antes de hablar, en la mayoría de ocasiones. 

Ted ha sido el mejor amigo de Johnny desde que tenía 8 años pero, ahora que Johnny tiene 35 y vive con su novia Lori (Mila Kunis), quizás sea el momento de madurar y empezar una nueva vida...Y hasta ahí podemos desvelar.

Las referencias a los 80´s son constantes, con la aparición de un mítico actor, cuyo personaje de ciencia-ficción hizo las delicias de los niños de aquella década. Aunque a veces, esos referentes resulten exagerados y dañinos para la educación y el desarrollo de muchos"Johnnys Benetts", tales como el protagonista y el "malo" de la película (un Giovanni Ribisi muy "pasado de vueltas").

Hay momentos de gran comicidad y diversión, otros de cuento de hadas y algunas escenas dramáticas.Quizás lo peor es que el final resulte demasiado previsible y un poco convencional, visto la irreverencia general del conjunto. Para las chicas que quieran ir a ver la película y sientan una cierta repulsión hacia el prototipo de mujeres que hayan podido ver en los tráilers de la cinta, podemos deciros que también hay una bonita lección de amistad y amor. Así pues, si se quiere pasar un buen rato en el cine, Ted es bastante disfrutable.  

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Los dos amigos inseparables, Ted y Johnny y un mítico actor de los 80´s de espaldas. ¿Adivináis quién es?

VUELVE BOURNE...NO, ES AARON CROSS DISPUESTO PARA LA ACCIÓN

El legado de Bourne, de Tony Gilroy (Michael Clayton), es la cuarta parte de la saga de Jason Bourne y heredera natural de esta trilogía de películas: El caso Bourne, el mito de Bourne y El últimátum de Bourne, las tres protagonizadas por Matt Damon.  No es necesario haber visto las tres precedentes para disfrutar de ésta, pues funciona de modo independiente.

En esta ocasión, es Jeremy Renner (En tierra hostil, The Town, Los Vengadores) el que toma el relevo con otro personaje de pasado complicado: es el agente Aaron Cross, programado para obedecer órdenes y no para romper las reglas.

Cuando el departamento de Defensa de EEUU decide cerrar el programa Outcome de agentes -programados para misiones arriesgadas y de larga duración-, comienzan a eliminar uno a uno a los que quedan. Aunque Aaron consigue sobrevivir. Paralelamente, la Dra. Marta Shearing (la siempre solvente Rachel Weisz -El jardinero fiel, My blueberry nights-) ve cómo toda su vida profesional y personal se desmorona...Los destinos de ambos parece que van a encontrarse...Y hasta aquí podemos explicar para no desvelar una trama en la que se mezclan diversos elementos del cine de espías a la antigua usanza, con el thriller científico, la acción pura y dura y el romance en circunstancias poco convencionales.

El dúo Renner-Weisz funciona con la precisión de un mecanismo de relojería, sus personajes se complementan a la perfección, son versátiles, solventes y polivalentes y son muy resultones y explosivos como pareja de acción; a la vez que su incipiente romance -más allá de las circunstancias extremas que les toca sufrir- resulta totalmente creíble. El único punto negativo es que se le podría haber sacado más jugo al personaje de Edward Norton, una verdadera lástima tratándose de un actor tan competente.

Si que es cierto que hay momentos en que el guión es tramposo, rocambolesco y en algunas secuencias un poco inverosímil -como son sus memorables y bien resueltas escenas de acción, tales como las del tramo final en Manila-, pero qué importa. Si lo que estáis buscando es pasarlo pipa durante dos horas y cuarto en una sala de cine, ésta es una propuesta adrenalínica de lo más estimulante.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Una resultona pareja de acción, Jeremy Renner y Rachel Weisz.

CÓMO SER UNA ESTRELLA DE HEAVY

Como si de un sucedáneo de Casi Famosos, de Cameron Crowe, se tratase, y recogiendo el espíritu de películas como El bar coyote,Dirty Dancing 2 y la más reciente Mamma Mía!, nos llega Rock of ages, de Adam Shankman, director del remake de Hairspray.

La película, concebida como un musical -un tanto hortera-, para el lucimiento de un Tom Cruise, más estrella-divo del rock que nunca. Su Stacey Jaxx es, de lejos, lo mejor de una cinta muy justita, tanto en cuanto a historia: la de dos jóvenes y guapos (insulsos Julianne Hough y Diego Bonetta), que sueñan con abrirse paso y convertirse en famosos en el siempre duro y competitivo mundo de la música.

En un delirante one-man-show, Tom Cruise, quien parece haberle tomado el gustillo al mundo de la parodia -se despachó a gusto con la figura del productor de Hollywood en Tropic Thunder- se cree Axel Rose; Bret Michaels, el rubio oxigenado líder de Poison; y cualquier estrella heavy-metalera de los ochenta que se os ocurra y lo recrea bien, canta y baila ocho números con empaque, cuál animal escénico se tratase.

Bon Jovi, Scorpions, Styx, Pat Benatar, Journey y Def Leppard forman parte de la excelente banda sonora de una película que, si no fuese por la presencia de Cruise y por la buena música, pasaría sin pena ni gloria por las carteleras. Así pues, sólo para fans del actor de Mission Impossible, quienes le verán en una faceta a los que no nos tiene muy acostumbrados.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Tom Cruise canta y baila como una estrella del heavy de los 80´s.

MÉRIDA, LA PRINCESA INDEPENDIENTE

Merida es una princesa pelirroja, de largos cabellos rizados y muy aguerrida. Tendrá que demostrar su valentía para salvar su reino y sus dotes de habilidad con el arco...Este personaje femenino fuerte y decidido es la protagonista de Brave, de Mark Andrews y Brenda Chapman,la nueva apuesta de Disney-Pixar para arrasar en la taquilla este verano.

Aunque el dibujo es de trazo neto y técnicamente impecable, la historia no llega a la profundidad de obras maestras de Pixar, tales como Up, Wall-E y Toy Story. Eso sí, la película, aunque es una obra menor, es disfrutable, pues las aventuras de la princesa Merida son divertidas y trepidantes. 

Un punto a destacar es su banda sonora, de aires celtas, compuesta por Patrick Doyle (compositor habitual de las películas de Kenneth Branagh). Además, en la versión española hay un tema en castellano, interpretado por Russian Red.

Gustará más a pequeños que a mayores, pues la trama tampoco es demasiado elaborada, aunque se deja ver con una sonrisa en los labios. Para amantes de las historias medievales de princesas, que no se conforman con ser lo que son, sinó que se labran su propio camino en la vida gracias a su independencia y determinación.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Mérida, valiente princesa-arquera.

LA FELICIDAD...¿ES SÓLO COSA DE DOS?

La felicidad nunca viene sola, de James Huth, a primer golpe de vista puede parecer la típica comedia americana trasladada al gusto del cine francés, pero no es exactamente así. Hay algunas particularidades que la distinguen y hacen que sobresalga por encima de la media de este tipo de producciones.

En primer lugar, una pareja con gancho y con probada química romántica, así como vis cómica. Se trata de Gad Elmaleh (cómico televisivo de origen marroquí), que interpreta a Sacha, un músico de jazz fiestero y que rehuye el compromiso; y Sophie Marceau, es Charlotte, una galerista de arte con tres hijos, dos ex-maridos y una vida racional y ordenada. Estos dos polos totalmente opuestos, cómo no, se atraen como imanes.

En segundo lugar, un férreo guión, que potencia que estos dos personajes estén muy bien dibujados y desarrollados en una trama divertida y dinámica, cuya comicidad en muchos momentos roza el slapstick. Además, los hijos de la protagonista contribuyen mucho en este estallido de diversión.

Si la pareja funciona y el guión también, sólo nos queda disfrutar casi dos horas en el cine de una historia que, quizás no es muy original en su concepción -pues lo de chico conoce a chica se ha visto desde que el tiempo es tiempo-, pero sí en su desarrollo. Así pues, una comedia endiabladamente deliciosa y chispeante, que funcionaría más en taquilla si fuese interpretada por dos estrellas norteamericanas, pero que si se la descubre nos llevamos una pequeña y simpática joyita veraniega.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Charlotte y Sacha, ¿destinados a entenderse?

BATMAN ENDS...

Más comercial que El Caballero Oscuro y mucho menos indie, El Caballero Oscuro: La Leyenda Renace (The Dark Night Rises), el cierre de la trilogia Batman de Christopher Nolan, es una buena película. Conjuga a la perfección elementos épicos y momentos de gran espectacularidad, sin olvidar a todos y cada uno de sus personajes, con sus implicaciones morales y psicológicas.

Christian Bale no es lo mejor de la cinta, pues prefiero sus pinceladas de humor a su ser atormentado y torturado (y aquí hay mucho de ésto). En cambio, sorprenderán una sexy Anne Hathaway, cuya ladrona Selina Kyle nos recuerda a una joven Audrey Hepburn, aunque más voluptuosa y con más recovecos; así como Joseph Gordon-Levitt, el oficial y luego inspector de policía Blake -cuyo personaje esconde una sorpresa final que no podemos desvelar-.

La primera hora de metraje nos sitúa en el conflicto del héroe y su posterior descenso a los infiernos. Es luego, con el protagonismo del villano Bane -Tom Hardy en un papel muy exigente tanto a nivel físico como vocal, pues todo el tiempo habla y entona a través de una máscara- y de Catwoman, cuando la cinta gira hacia la acción pura y dura. Es en la lucha cuerpo a cuerpo cuando surgen destellos de pura estética comiquera. Se nota que Nolan ha querido dirigir una película de acción clásica, pues los efectos no son apabullantes, ha renunciado al uso del 3D y además ha utilizado un gran número de extras reales y no generados por ordenador. En este sentido, el director brilla como nadie en el planteamiento visual de una trama absorbente, cuyo guión no siempre está a la altura de su innegable poderío visual. Nolan pretende dejar al espectador sin tregua y sin aliento y consigue mantener su atención durante 2 horas y 43 minutos, que no es poco.

La película tiene dos niveles de lectura. El más profundo es el que subyace entre las sombras: el de las motivaciones morales y psicológicas de los personajes. Y el más manifiesto, que es el de la revolución social que pretende Bane, que entronca con la actualidad de hoy en día. A un nivel todavía más superficial, la película sirve como vehículo de acción fantástica. Así pues, el cierre de la trilogía puede contentar a todo tipo de público y, por ello, le auguramos una muy buena taquilla.

Además los fans del Batman de Nolan disfrutarán aún más descubriendo de nuevo a algunos antiguos personajes presentes en las otras partes de la trilogía y recordando a otros que ya han desaparecido en un festival épico, emotivo y también dramático.

Cristopher Nolan se rodea de su familia real, su hermano Jonathan (guionista) y su mujer Emma Thomas (productora); asi como de su familia cinematográfica: Tom Hardy, Joseph Gordon-Levitt y Marion Cotillard vienen de Origen, mientras que Gary Oldman, Michael Caine, Morgan Freeman y Christian Bale dan continuidad a la trilogía.

Así pues, no es El Caballero Oscuro, pero tampoco lo pretende y, desde nuestro punto de vista ,es altamente recomendable.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Batman y Bane en su lucha cuerpo a cuerpo.

UN TIRANO PARA PARTIRSE DE RISA

El dictador es la tercera colaboración del tándem Larry Charles (director)-Sacha Baron Cohen (actor), tras las ácidas y corrosivas Borat y Brüno. Aunque, si en el caso de las dos anteriores, partían de un personaje televisivo para crear una película semi-documental con actores desconocidos; en esta ocasión, la idea y el personaje han sido creados sólo para el cine y está bien arropado por una serie de actores profesionales-cómplices de la broma, como Ben Kingsley, John C. Reilly, Anna Faris y Megan Fox.

El dictador explica la historia de Aladeen, el dictador de Wadiya (una república africana imaginaria) que es invitado por las Naciones Unidas para explicar su programa nuclear, aunque en Estados Unidos será confundido con un refugiado político...

Charles y Baron Cohen aprovechan, partiendo de la sátira y el falso documental de ficción, para hacer una crítica sobre las potencias occidentales que hacen el doble juego a tiranos y dictadores, llamados sólo por el dinero (como fue el caso de Sadam Hussein o de Gadafi).

Todo ello, salpicado de una sucesión de gags sobre oriente-occidente, sobre la política y la religión, donde no pretenden dejar títere con cabeza. Menos corrosiva -o menos sorpresiva- que Borat -que atacaba más acertadamente al mundo de los medios de comunicación, a la cultura y a la sociedad occidental- e incluso de Brüno -donde parodiaba el superficial mundo de la moda-, El dictador gustará y entretendrá, a partes iguales, a los seguidores de Baron Cohen.

Y, aunque algunas bromas sean demasiado alargadas, la cinta se deja ver por la buena sintonía existente entre sus creadores y entre el resto de los actores.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: El dictador y su objeto de deseo, Megan Fox.

GENERACION NI-NI:NI SUSTOS NI CARCAJADAS

Lobos de Arga de Juan Martínez Moreno, presentada en el Festival de Sitges 2011, no nos ha divertido ni aterrorizado.

La trama gira alrededor de la maldición de la familia de Tomás Mariño, un deslucido protagonista a quien da vida Gorka Otxoa -quien parece arrastrar su peculiar maldición en forma de bluff cinematográfico, tras su deslucido debut en la también fallida ¿Estás ahí?-.

En este caso, la maldición de licantropía que arrastra la saga de los Mariño desde el año 1910 sólo puede romperse con el sacrificio de este desdichado personaje. Y hasta ahí podemos contaros...

La película podría haber resultado otra pequeña joya como Extraterrestre de Nacho Vigalondo, pues ambas propuestas combinan elementos fantásticos con la comedia gamberra. Y lo que en la citada Extraterrestre funciona, en Lobos de Arga no ocurre. Pues ni la comicidad de Carlos Areces, presente en la mencionada cinta de Vigalondo, ni la de Gorka Otxoa, consiguen levantar el vuelo a esta cinta de terror cómica y todo se queda en un "que pudiera haber sido y que finalmente no fue". Una verdadera lástima.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: ¿Qué maldición persigue a Gorka Otxoa en la gran pantalla?

UN NUEVO SPIDERMAN PARA LAS NUEVAS GENERACIONES

Tras las tres versiones para el cine propuestas por Sam Raimi con Tobey Maguire como hombre araña, este año nos llega una nueva película: The Amazing Spiderman con equipo nuevo: Marc Webb -500 días juntos en la dirección- y Andrew Garfield como el sensible trepamuros-.

Además, las novedades incluyen a nuevo villano, el Dr.Connors/el Lagarto -Rhys Ifans- y a una nueva chica, Gwen Stacy, Emma Stone, que además juega con el morbo de ser la actual pareja de Garfield en la vida real. 

Si pretenden reformular la misma historia ya conocida: un chico tímido de instituto, Peter Parker, que vive con sus tíos y con el recuerdo de su difunto padre, que un día es picado por una araña radioctiva y a partir de entonces desarrolla unos poderes increíbles, habían de hacerlo por la puerta grande. El 3D también ayuda, sobre todo en el torbellino que producen las secuencias de acción.

Vibrante y emotiva. The Amazing Spiderman combina con gran acierto escenas de gran espectacularidad con momentos más íntimos. Andrew Garfield consigue superar con nota a Tobey Maguire. Marc Webb aporta a una historia ya conocida por todos, una nueva dimensión más tragicómica y épica.

El personaje también adquiere una nueva cara, mucho más divertida y jocosa, a parte del dramatismo inicial de su situación personal, Parker se convierte en un atolondrado con mucha suerte.

Durante más de dos horas y cuarto, que pasan en un suspiro, comprobamos que la trama, vista desde una nueva perspectiva, puede dar para mucho.Tejiendo los hilos de la nueva tela de araña, Andrew Garfield se va a convertir en el Spiderman para las nuevas generaciones, ávidas de confianza y de esperanza en ellos mismos para construir un mundo mejor y más equitativo.

JR PALOMAR.-