Para el gran público

CUANDO POE SE ENCONTRÓ CON SHERLOCK Y CON JACK EL DESTRIPADOR

Edgar Allan Poe fue uno de los más célebres escritores americanos del s XIX, su estilo romántico y oscuro impregnó todas sus obras, desde sus célebres cuentos de terror hasta su poesía, novela y ensayos. 

Precisamente El cuervo fue uno de sus poemas más reconocidos. Ahora llega a nuestras pantallas El enigma del cuervo, de James Macteigue (V de Vendetta), un thriller de época protagonizado por Edgar Allan Poe (un creíble John Cusack) y por el detective Fields (Luke Evans), que quieren dar caza a un psycho-killer que se inspira en los más macabros asesinatos de las obras de Poe para ejecutar a su víctimas. Todo se complica cuando la novia de Poe está en peligro...

La película, gótica y oscura, bebe de las fuentes de las propias obras de Poe, además de impregnarse de la atmósfera sórdida sacada de Desde el infierno, basada en el cómic de Allan Moore sobre Jack El Destripador; o de la novela El club Dante, de Matthew Pearl, también ambientada en el Boston del siglo XIX y con unos terribles asesinatos -en este caso inspirados en las obras de Dante-.

Con un arranque muy prometedor y espectacular y un protagonista de qualité, una fotografía y un diseño de producción muy cuidados, la película se diluye a medida que avanza el metraje y, a su vez, hay algunas escenas gore para compensar el bajón en el pulso narrativo de la cinta. No obstante, es un thriller de época detectivesco con toques a lo Sherlock Holmes y bastante entretenido, que no disgustará a los fans de este tipo de producciones.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: John Cusack se convierte en Poe para desenmascarar a un asesino en serie.

UN HUECO EN EL CORAZÓN ADOLESCENTE

Tengo ganas de tí (TGDT) es la segunda parte de la exitosa A tres metros sobre el cielo, ambas dirigidas por Fernando González Molina, basadas en las novelas juveniles del escritor italiano superventas Federico Moccia.

La película parte del regreso de Hache a su ciudad natal (interpretado de nuevo por Mario Casas) donde conocerá a Gin, una chica dura y tan explosiva como él (Clara Lago). Aunque tendrá que lidiar con el fantasma de su relación amorosa anterior truncada con Babi (María Valverde), su gran amor. En esta película ya son jóvenes de veintitantos -aunque se comporten como si fuesen aún eternos adolescentes-.

TGDT es una película-fenómeno ado que busca descaradamente, como sus protagonistas Hache y Gin, hacerse un hueco en el corazón únicamente del público adolescente en plena revolución hormonal. Sólo así se entienden las carreras ilegales de motos, los combates de boxeo, las chupas de cuero, los amoríos tan entregados como apasionados, los celos...elementos concebidos para que los jóvenes flipen con Mario Casas -quien tiene la responsabilidad de ser un ídolo teen de masas- y Clara Lago -a la cuál le sobra talento para interpretar a esta chica guerrera y vulnerable al mismo tiempo-. María Valverde constituye el tercer vértice de este triángulo amoroso y, al igual que la Babi literaria, la suya también es descafeinada y se diluye en la trama, resultando el personaje más desaprovechado de todos.

Así pues, la película sólo está pensada para una nueva generación de chavales y chavalas que aman la intensidad de las nuevas historias de amor en la gran pantalla, sean de corte fantástico, tipo Crepúsculo o más "fantasmas", como es el caso de TGDT. Para todos los demás, un consejo desde Facesonthebox: absteneos.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Gin y Hache vivirán un romance explosivo.

AMOR Y SUERTE EN LA CUARENTENA

El argentino Daniel Burman vuelve en La suerte en tus manos a sus temas recurrentes: la familia, la relación entre padres e hijos, etc y los hace a través de la historia de Uriel, un judío-argentino instalado en la cuarentena, divorciado y con dos hijos pequeños y no demasiado feliz en su momento vital; y de Gloria, una mujer de más de cuarenta que no parece tampoco vivir sus sueños. Estos personajes interpretados por Jorge Drexler y Valeria Bertuccelli son lo mejor del film, ya que entre ambos existe una compenetración muy especial, una química encantadora que convierte muchas de las escenas que comparten en pantalla en momentos mágicos.

Son dos personas que tienen la suerte en sus manos pero que han de aprender a gestionarla en esta segunda oportunidad que les brinda la vida. En este sentido, existe una comparación entre el poker -al que el protagonista está enganchado- y los juegos que nos depara el azar y el destino.

El debut de Jorge Drexler como actor de cine se supera con nota y los fans del cantautor uruguayo sólo echamos de menos oirle arrancarse en alguna melodía hacia el final de la cinta. Un final, por otra parte, demasiado musical y edulcorado, que no sé si beneficia demasiado al conjunto de una propuesta que se ve fácilmente, pues es una película romántica bastante agradable. Quizás no esté a la altura de títulos precedentes del director, tales como El abrazo partido o Las azafatas van al cielo, pero bien merece ser considerada por aquel público que va al cine en búsqueda de historias cotidianas y sencillas, que le hablen de tú a tú de emociones y sentimientos universales.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: La química entre Bertuccelli y Drexler, lo mejor de la propuesta.

EL SÍNDROME DEL NIDO VACÍO

¡Por fin solos!, de Lawrence Kasdan es una comedia romántica para el lucimiento de su pareja protagonista: Diane Keaton y Kevin Kline.

El argumento gira entorno a cómo se queda una madre cuando sus hijos se independizan del hogar familiar y cómo se siente también como esposa, pues su marido se pasa todo el día fuera de casa trabajando como médico.

La aparición de un perro en su vida producirá las más variadas situaciones y sentimientos, siguiendo la estela de cintas con pareja en crisis y perro, como es el caso de "Una pareja de tres", con Owen Wilson y Jennifer Aniston o la más sentimental "Siempre a tu lado: Hachiko" con Richard Gere,

Temas como la soledad, el síndrome del nido vacío, la crisis de una pareja en la madurez y el valor de la familia son tratados en forma de comedia, a ratos un poco melodramática, pero no excesivamente inspirada. La cinta carece de la frescura y de la profundidad de otros títulos del director, tales como Reencuentro o French Kiss. 

No obstante, si sois fans incondicionales de Diane Keaton, la propuesta puede estar recomendada para pasar un rato entretenido en una sala de cine.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Diane Keaton se siente abandonada una madre y esposa  en ¡Por fin solos!

ÉRASE UNA VEZ UN VAMPIRO TORTURADO Y ENAMORADO

Sombras tenebrosas, la octava calaboración entre Johnny Depp y Tim Burton, que adaptan a la gran pantalla la serie americana de ABC de finales de los 60 del mismo nombre, es la enésima vuelta de tuerca sobre el universo romántico, gótico y melancólico del director de títulos tan memorables como La novia cadáver, Sleepy Hollow, Sweeney Todd o Bitelchús. De todos ellos, la película es deudora y toma prestado elementos que hacen inconfundible el sello Burton.

La película es un tanto irregular, pues hay escenas muy intensas y profundamente hermosas en su romanticismo sombrío, como las del principio y el final de la cinta. Otras, en cambio, resultan de naturaleza confusa y no acaban de funcionar, sobre todo las relacionadas con el personaje de Eva Green, Angelique, una bruja maléfica y despechada que condenó a Barnabás Collins, un rico aristócrata inglés que vivía en Collinport (Maine) convirtiéndole en vampiro y que se dedicó a hacer daño a todos aquellos a quien él más quería.

En cambio, el personaje de Johnny Depp, Barnabás Collins, encarna a la perfección el mito del vampiro romántico, torturado y enamorado a partes iguales, que se siente condenado por su condición y desubicado de su tiempo. Él, juntamente con algunos de los miembros de la familia de Barnabás, tales como la matriarca que interpreta una Michelle Pfeiffer sobría y convincente o la" resacosa" psiquiatra que borda Helena Bonham Carter (esposa del realizador y habitual de su cine, que incluye una sorpresa final), hacen que la película remonte el vuelo. 

A medio camino entre la comedia fantástica, el terror gótico y el melodrama folletinesco y romántico, Sombras Tenebrosas va de más a menos -pues su envolvente planteamiento es lo mejor de una cinta-, que pierde fuelle hacia la mitad cuando se enreda en subtramas y remonta hacia el tramo final -con excepción de una batalla en la mansión un tanto excesiva-. 

Así pues, la película gustará a aquellos incondicionales del tándem Burton-Depp, a quienes se nota que se lo han pasado en grande con la adaptación de una serie que veneraban en su juventud. Aunque echamos de menos un poco más de emoción, magia e intensidad en el relato que nos hace vibrar en sólo algunos pequeños instantes.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Barnabás Collins se siente desubicado en un tiempo que no es el suyo.

MIB3: VIAJES EN EL TIEMPO PARA PERMANECER IGUAL

Regresan Kay (Tommy Lee Jones) y Jay (Will Smith) en una nueva entrega de Men in Black ( ya la tercera), dispuestos a seguir conbatiendo a los alienígenas de la mano del director habitual, Barry Sonnenfeld.

En esta ocasión, la trama incluye como novedad los viajes en el tiempo y nos sitúa en 1969, un día antes de que el hombre viaje a la Luna. Con este "back to the past" (regreso al pasado) conoceremos a un joven Kay (interpretado por Josh Brolin-No es país para viejos) al que quieren asesinar.

También desvelaremos un hecho traumático relacionado con una miembro de la familia de Jay y comprobaremos cómo éste viaja a través del tiempo para descubrir e intentar cambiar la historia.Y descubriremos quién era en realidad Andy Warhol en una de las mejores escenas del film.

Todo ello, con los habituales efectos visuales, -esta vez ampliados con el 3D-, una banda sonora del siempre interesante Danny Elfmann y con un sentido del humor que ya no sorprenderá a los fans de la trilogía.

Si en 1997, su atractiva combinación de sci-fi y humor, resultó un soplo de aire fresco y en 2002, su secuela ya no estaba a la altura, diez años después de la segunda, el divertimento parece estar ya agotado, pues la fórmula se repite, proporcionando una sensación de dejà-vu en los espectadores. Así pues, los men in black viajan al pasado, a los orígenes de la saga, pero no logran remontar el vuelo y se quedan igual. Una propuesta demasiado floja, que nos ha dejado fríos y con ganas de más.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: En esta entrega Jay conocerá al joven Kay.

JÓVENES Y CAFRES POLICIAS

A finales de los 80, concretamente de 1987 al 1990, a algunos nos entretenía y nos emocionaba por las tardes una serie de dos policias con apariencia juvenil que se infiltraban como estudiantes en un instituto. Se trataba de 21 Jump Street, que en nuestro país se llamó Jóvenes Policias. Supuso el espaldarazo definitivo para una actor ahora carismático e indiscutiblemente convertido en estrella: Johnny Depp. Las peripecias de Tom Hanson (Depp) y Doug Penhall (Peter De Luise) han encontrado 25 años después su traslación a la gran pantalla en Infiltrados en clase, sobre todo gracias a la afición y al impulso de Jonah Hill, -que ejerce como productor, guionista y actor-,y que estuvo decidido a resucitarla de sus cenizas.

Schmidt (Jonah Hill), acompañado en esta ocasión por Jenko (Channing Tatum), no se tragaban en la época de instituto, uno era el bajito, gordito y feo del que todos se reían, el otro era el guapo y el popular de la clase. Siete años más tarde de finalizar el instituto, se reencuentran en la academia de policia y las cosas parece que van a cambiar...Convertidos ya en policias, pero sin despuntar en su cometido, van a parar a 21 Jump Street y se les encomienda infiltrase como dos hermanos estudiantes en un instituto para desenmarcarar a un narcotraficante...

La película, más que un homenaje a la serie, en algunos momentos resulta una parodia, ya que lanza dardos envenenados contra la manía de Hollywood de reciclar viejas ideas y volver a los 80. Asimismo, goza de un humor a medio camino entre las "buddy movies" de policias de siempre, ironizando y subvirtiendo a su vez los estereotipos actuales y los clichés de las películas de adolescentes, sus fiestas, sus códigos de amistad, las relaciones en el instituto, etc. Todo ello, salpicado con mucha verborrea escatológica y sal gorda -un poco prescindible-, pero muy en boga en la comedia gamberra actual-.  

Lo mejor es la química entre sus dos protagonistas, que se nota que se lo han pasado en grande haciendo la cinta, la presencia de Dave Franco (hermano de James), bastante convincente en su papel, y un especial cameo de Johnny Depp, muy divertido, que no tiene desperdicio, no diremos más que, se autoparodia a sí mismo como actor.

Si repite el éxito de Estados Unidos, se hará una segunda parte (sólo hay que ver el final), en la que esperamos que vayan un poco más allá y que no sólo nos hagan pasar un rato divertido. Pues, lamentablemente, ahora se ha perdido la magia catódica de aquellos maravillosos años.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Eric (Franco) y los "hermanos", Doug (Hill) y Brad (Tatum), envueltos en asuntos "turbios".

ALGO PASA CON EMMA

Seis puntos sobre Emma es el primer largometraje de Roberto Pérez Toledo, que ha alcanzado notoriedad como cortometrajista de Globos o Los gritones, pues tiene una especial sensibilidad para cuidar tanto sus historias como de realizar una estupenda dirección de actores.

La trama gira alrededor de la Emma que da nombre al título -una cada vez más ascendente Verónica Echegui-, una chica ciega, que ansía tener un bebé y se ve envuelta en un peculiar triángulo amoroso, entre su terapeuta, Germán (Álex García) y su vecino Diego (Fernando Tielve). Y hasta aquí podemos contar...

La historia tiene su mayor baza en el bien elaborado guión y en la gran credibilidad que imprime a su personaje Verónica Echegui, auténtica alma de la película, no en vano, ella consiguió la bieznaga de plata a la mejor actriz y Roberto Pérez Toledo hizo lo propio llevándose el premio al mejor guión en el reciente festival de Málaga.

No os engañéis: no es una comedia romántica al uso, aunque se base en los cánones del género y parta de ellos, para luego subvertilos y cambiar el rumbo a los típicos y tópicos cuentos de hadas tradicionales.

La protagonista, a pesar de ser invidente, es una chica fuerte, valiente y decidida y no una damisela que espera a ser rescatada por su príncipe azul. La película nos habla no sólo de ceguera física, sinó también de la emocional: de lo discapacitados que podemos ser todos en el terreno sentimental y afectivo. Es en este punto, donde los espectadores nos podemos sentir más indentificados e implicados en este sencilla y espontánea propuesta, que hará las delicias de todo tipo de públicos por su sabia combinación de emoción, frescura y reflexión de fondo, sin trampas ni artificios. Es divertida y agridulce como la vida misma. Áltamente recomendable.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Emma, una chica ciega dispuesta a salirse con la suya.

NOSTALGIA VS GAMBERRISMO

Hace 13 años comenzaba una de las sagas más irreverentes de la actual comedia contemporánea, American Pie. Heredera de títulos como Porky´s o Desmadre a la americana, la película era una ingeniosa combinación de gags sexuales y escatológicos mezclados con la comedia adolescente de siempre: chicos que querían perder la virginidad cuánto antes y chicas que buscaban lo mismo, además de encontrar novio. La fórmula dio tan buenos resultados que dio pie a seis secuelas, que repetían una y otra vez la fórmula original. La mezcla de comedia sexual, escatológica y gamberra se ha repetido también en los trabajos de los hermanos Farrelly y Judd Apatow.

En 2012 nos llega la octava entrega de la saga American Pie: el reencuentro, de Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg, que cuenta entre sus alicientes el reunir al reparto original. Los protagonistas: Michelle (Alyson Hannigan) y Jim (Jason Biggs), que están casados y son padres de dos hijos. La mayoría de sus amigos de adolescencia se han emparejado o casado, excepto Stiffler (Sean William Scott), que sigue siendo el más gamberrete del grupo.

Esta nueva película ha perdido la espontaneidad y frescura de los orígenes para convertirse en un ejercicio de nostalgia sobre "qué fue de aquellos maravillosos años de instituto". Gags como el del mítico pastel de manzana -que da nombre a la saga- se han visto superados en esta cinta por reflexiones más o menos lúcidas de sus personajes acerca de la vida en pareja, el paso a la edad adulta, los conflictos personales y laborales, etc.

Así pues, American Pie: el reencuentro tiene sentido siempre y cuando sea el punto y final de la saga y supuestamente contentará a sus fans más incondicionales.

JR PALOMAR.-

RIHANNA, MARINES & ALIENS

Si Cowboys & Aliens, de Jon Favreau proponía la resultona combinación de western con sci-fi de alienígenas, Battleship mezcla a un grupo de marines estadounidenses destinados en la base de Hawaii con unos aliens dispuestos a arrasar con todo.

La película de Peter Berg (Very bad things, Hancock) cuenta entre sus alicientes con la conversión de Rihanna en un trasunto de la Teniente o´Neal encarnada por Demi Moore hace unos años. Desprovista del glamour habitual de estrella, la cantante de Barbados cambia "umbrella" por armamento pesado y se pone en la piel de la soldado Raikes, una marine muy combativa y deslenguada.

Junto a ella, otras caras guapas, como la pareja formada por Álex (Taylor Kitch-visto en John Carter) y Sam (Brooklyn Decker) amenizan la función en la que no falta un actor de qualité consagradísimo como Liam Neeson, cada vez más acostumbrado a hacer de action-hero (El equipo A, Infierno blanco, Ira de titanes), como almirante Shane y padre de Sam.

Inspirada en el popular juego de combate naval Hundir la flota, de Hasbro, la cinta es un adrenalínico divertimento de acción y ciencia ficción non-stop, trepidante y entretenidísima, que ofrece todo lo que se espera de ella previamente. No defraudará a los más ávidos de épica y aventura marítima. Además, de contener un guiño inicial a la tarantiniana Reservoir Dogs. Para disfrutar de dos rapidísimas horas en el cine: como un suspiro.

FACESONTHEBOX.-

AMOR, SANGRE Y ZOMBIES

Llega la nueva entrega de Rec 3, cuyo máximo responsable es Paco Plaza, pues Jaume Balagueró consta sólo como productor creativo y únicamente se ocupará de la cuarta y última parte de la saga.

Esta vez la infección se rpopaga durante una celebración de boda. Los novios, Koldo (Diego Martín) y Clara (Leticia Dolera) harán todo lo posible por sacar adelante el que tenía que ser el día más feliz de sus vidas.

Esta película, a diferencia de sus antecesoras, es menos inquietante y más humorística y gore. En este sentido, sus referentes parecen haber sido Braindead, de Peter Jackson y Posesión Infernal, de Sam Raimi.

Aparte de su sentido del humor macabro, otro de los aciertos de la película es convertir a su protagonista, la novia "pija", que interpreta Leticia Dolera en una aguerrida guerrera mata-zombies que nos recordó a Alice (Mila Jovovich) en Resident Evil. Ya en Very Bad Things, Cameron Díaz demostró de lo que era capaz una novia rabiosa por sacar adelante el día de su boda, y aquí Clara, con motosierra incluída, hará todo lo posible por destruir a todos aquellos zombies que les perturban...Así mismo, hay una divertida referencia en la transformación del novio Koldo en un caballero catalán legendario, que lucharará por el mismo fin: salvar su amor.

Así pues, estamos ante una festiva celebración del amor, aderezada con sangre, muertos vivientes y escenas de truculencia divertida, a ritmo de una BSO ecléctica que va del "Gavilán o Paloma", por Pablo Abraira al "Chup chup", de Australian Blonde o "Mi novio es un zombie", de Fangoria. 

Un entretenido divertimento que no defraudará ni a los amantes del gore más "festivo" ni a los fans de la saga.

J.R.PALOMAR.-

Pie de foto: Clara, una novia muy sufrida en el día más feliz de su vida.

NACHO VIGALONDO: "EXTRATERRESTRE ES COMO LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS PERO PASADO POR EL FILTRO DE LA COMEDIA"

Nacho Vigalondo, director del corto 7:35 de la mañana y de Los Cronocrímenes, ha conseguido hacer reír en un Auditorio tan terrorífico como el del festival de Sitges y lo ha hecho con Extraterrestre, una vuelta de tuerca a las películas de invasiones alienígenas de toda la vida. La película trata con un humor muy especial de cómo reaccionan cuatro personajes muy distintos Julio, Julia, Ángel y Cralos, interpretados respectivamente por Julian Villagrán, Michelle Janner, Carlos Areces y Raúl Cimas, a una invasión alienígena. Sobre este film, su carrera y sus nuevos proyectos hablamos con él en esta entrevista. La película se estrena en cines este viernes 23 de marzo.

Felicidades por la película, la platea del Auditori del Festival de Sitges estaba llena y había muchas risas. ¿Es intencionado el cambio de género a comedia?

Nacho Vigalondo (N.V.): No escribes una comedia para cambiar de registro, sinó que escoges entre las ideas que tienes. A uno le apetece variar respecto lo que uno ha hecho, es algo más intuitivo que pensado. Esta diversidad de géneros es lo que he intentado mantener a flote.

La película parte de una premisa muy original: qué harían cuatro personas ante una invasión alienígena, ¿cómo se te ocurrió esta idea?

N.V: Varias veces he pensado cuál sería nuestra reacción real nuestra ante un hecho de este tipo, cuántos huiríamos despavoridos por las calles y cuántos nos quedaríamos en casa viendo la tele a ver qué pasa. Cuántos tendríamos una reacción lógica y consecuente y cuántos haríamos el imbécil.

¿Con qué personaje simpatizas más?

N.V: Cuando escribes te proyectas incluso en el personaje de la chica y sobre todo, al escribir las miserias y las mediocridades uno tiene en cuenta las propias. A partir de ahí me veo reflejado en todos. En esta vida me ha dado tiempo a ser cutre de muchas maneras y el compendio de mis mediocridades abarca a todos los personajes.

¿Te gustan las películas sobre invasiones alienígenas, el fin del mundo? ¿Qué referencias tenías a la hora de plantear Extraterrestre?

N.V: Tenía referencias para hacer algo diferente.  La referencia que tuve más en mente, sobre todo por los códigos que plantea, pero para hacer algo diferente fue La invasión de los ultracuerpos, de Don Siegel, es una de mis película favoritas y tuve muy claro que está película iba a ser La invasión de los ultracuerpos, pero pasada por un filtro peculiar. Le debe mucho a esa película.

¿Qué relación te une con el festival de Sitges?

N.V.: Traer las películas a Sitges es como una manera de vengarme del pasado, en que no pude venir como fan, o bien por cuestiones laborales o económicas. Es una especie de deuda pagada. Aunque realmente no puedo hacer lo que querría, que es ver películas de otros...

¿No has visto ninguna película?

N.V: He visto Emergo, de Torrents y Cortés y tengo muchas ganas de ver Apollo 18, de López Gallego, pero fue imposible porque se presentaba a la misma hora que la mía. Tampoco puede ir al acto que se organizó de Phenomena.

¿En qué sentido te cambió la vida el corto 7:35 de la mañana, aparte de ir a los Oscar?

N.V: Me cambió la vida pues fue un salto. Estar haciendo cortometrajes e ir a los Oscar fue un salto tan grande que es imposible que ya haga nada en la vida que me permita hacer un salto tan vertiginoso. La distancia que recorrí de golpe fue tanta que es imposible que ocurra algo de tanta magnitud.

Trabajas como director, actor, productor e incluso haces bandas sonoras, ¿en qué faceta te sientes más realizado?

N.V: Me gusta hacer todo aquello que me divierte y cada vez me atrae más el lenguaje cinematográfico, ser director.

¿Y hacer televisión?

N.V: Me encantaría, pero tendría que encontrar un proyecto que se adecuara a los intereses de la cadena y también a los míos.

¿En qué estás trabajando actualmente?

N.V: Estoy preparando un cortometraje para la película The ABCs of Death , una recopilación de 26 cortometrajes de 3 minutos que van a hacer 26 directores de cine. Cada corto se basa en una letra del abecedario para explicar una variante del asesinato. Es una película que va a hablar de 26 formas de morir y yo tengo el honor y la responsabilidad de hacer la letra A. No puedo decir la palabra, pero es una manera de morir terrible.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Nacho Vigalondo y Julián Villagrán presentando Extraterrestre.

COMPORTAMIENTOS HUMANOS ANTE UNA INVASIÓN ALIENÍGENA

Por fin llega a nuestra pantallas una de las películas que contagió más risas y buen rollo en la pasada edición del Festival de Sitges: Extraterrestre, la nueva comedia de Nacho Vigalondo.

La película parte de una premisa de qué harían una pareja de jóvenes desconocidos, Julia y Julio, (Michelle Janner y Julián Villagrán) que no recuerdan mucho cómo acabaron la noche, cuando se despiertan al día siguiente con aún más extrañeza, pues se ha producido una invasión alienígena. 

La cinta recoge un tema propio de la ciencia ficción como pretexto para narrar de qué manera podemos compartarnos los humanos ante una situación extraordinaria y explica las reacciones de cuatro personajes ante la invasión.

Todo ello, en clave de comedia, contando con la complicidad de, además de los citados Janner y Villagrán, con dos ases de la comicidad española, como son Carlos Areces (Balada triste de trompeta) y Raúl Cimas (de la troupe de Muchachada Nui).

Los diálogos están muy bien cuidados, el ritmo es vivo y chispeante y, en todo momento, las situaciones provocan gran comicidad y empatía con los espectadores. Ello produce que la comedia funcione al cien por cien y sea una película entretenida y disfrutable para todo tipo de espectadores. 

SONIA BARROSO.-

MARK WALHBERG, CONTRABANDISTA

En el 2008 una cinta pequeña con toques de thriller y de comedia negra, que venía de los países nórdicos, alcanzó una cierta notoriedad. Se trataba de Reykjavík Rotterdam, de Óscar Jónnasson.

Ahora, el que fuese su protagonista principal, Baltasar Kormákur, se ha hecho cargo de una nueva versión de la historia, Contraband, esta vez ambientada en Estados Unidos, en vez de en Islandia.

La trama sigue siendo la misma: un contrabandista que ya parecía redimido tiene que volver a delinquir por culpa de su cuñado, que tiene tratos con un peligroso personaje que pone en apuros incluso a su propia mujer.

En este caso, Mark Walhberg toma las riendas de la función, en un papel de delincuente que, a pesar de sus actos más que discutibles, se hace simpático al espectador -incluso se implica en las tareas de producción-. Le acompañan un sólido plantel de secundarios, entre los que destacan Kate Beckinsale (Underworld) en el rol de su mujer; Giovanni Ribisi (Avatar), como malo-malísimo; y Diego Luna, entre otros. 

No hay sorpresas en el argumento, que pierde el humor característico de la película original en favor de la acción más adrenalínica. Desde el primer momento, la cinta funciona como un entretenido mecanismo de relojería, con trepidantes secuencias llenas de tensión, al más puro estilo hollywoodiense.

Por ello mismo, la recomendamos a todos aquellos que amen la acción sin fisuras, pues se trata de un sólido producto de impecable factura técnica y de muy entretenido visionado.

SONIA BARROSO.-

PORQUÉ LO LLAMAN AMOR...

Emilio Martínez Lázaro vuelve a la comedia de enredo romántico-sexual tras El otro lado de la cama y los dos lados de la cama. En La montaña rusa repite con tres de sus actores-fetiche: Verónica Sánchez, Alberto San Juan y Ernesto Alterio.

Ada (Verónica Sánchez), violinista de música clásica, siempre ha tenido relaciones sexuales insatisfactorias durante su juventud, ahora con trentaitantos no han mejorado las cosas. Un día vuelve a encontrarse con dos compañeros del colegio que no pueden ser más distintos. Luís (Alberto San Juan) es un presentador de televisión con el que podría mantener una relación amorosa estable, segura y satisfactoria. Mientras que Lorenzo (Ernesto Alterio) es un payaso de vida caótica y desordenada con el que se lanza a vivir la aventura del sexo. 

La película pretende poner sobre la palestra dos cuestiones: ¿el amor tiene que ir acompañado necesariamente de buen sexo? y ¿el sexo es posible sin estar sentimentalmente implicado? 

El problema de el guión es que se suple la falta de situaciones cómicas ingeniosas por momentos demasiado reiterativos y previsibles. Hay muchas escenas de cama para relatar el descubrir de la plenitud sexual de la protagonista que, en realidad, no son absolutamente necesarias. Parece que la belleza física de Verónica Sánchez sea lo más sobresaliente de un relato en el cuál los diálogos adolecen de falta de chispa y sus protagonistas no tienen la química requerida para levantar el vuelo de la historia. 

Así pues, La montaña rusa no es una cinta vertiginosa, ni mucho menos, sinó que se deja ver como un simple entretenimiento. Aunque con este trío protagonista nos esperábamos una comedia más inspirada, fresca y con más garra. En cambio, la cinta está llena de lugares comunes para hablarnos de un triángulo amoroso-sexual donde los miedos de la infidelidad, los celos, las inseguridades, la confianza (o la falta de ella) salen a relucir. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Ada, entre Luís y Lorenzo, ¿a quién elegirá?

LECCIÓN MAGISTRAL DE VIDA

Las películas que vienen avaladas por gran éxito de crítica, público o galardones suelen ser las más comentadas, las más leídas y cuyos tráilers son los más descargados en youtube. 

El problema de Intocable es que ya se sabe demasiado de ella y que no se debería explicar tantos detalles del argumento para dejarse llevar por la magia de una historia, inspirada en hechos reales, que es una lección magistral de vida y que ello lo consigue sin la pretensión de aleccionar a nadie, sin entrar en moralismos ni sentimentalismos facilones. Y que además, no se asusten los más escépticos, pues afortunadamente no se trata de una "película-manual-de autoayuda".

Sus protagonistas son, por una parte, el histérico caza-comadrejas que brilló en la historia coral "Pequeñas mentiras sin importancia", un François Cluzet que para nosotros es el hermano joven de Dustin Hoffman en Francia. Por la otra, está Omar Sy, un popular cómico francés muy en la onda del Will Smith en sus inicios.

¿Cómo esta extraña pareja formada po Phillippe, un millonario de gustos exquisitos que se ha quedado tetrapléjico y Driss, un naufragado inmigrante  de los suburbios parisinos llegará a entenderse tan bien?

Porque uno ve el otro aquello de que carece, más allá de la simple movilidad física, Phillippe encuentra en Driss el descaro, el arrojo y la energía de él mismo cuando era más joven. Él no le ofrece una mirada compasiva sobre su infortunio, sinó un soplo de aire fresco, la única vía para evadirse de la apatía de su encorsetado entorno. Para Driss, Philippe le representa, en una primera instancia, salir de la pseudomarginalidad y luego un referente del buen gusto y el refinamiento de los que él carece. Ninguno de ellos pretende cambiar al otro, sinó que su relación profesional evoluciona en una amistad en la cuál ambos se enriquecerán de su mútua compañía. 

La química entre los dos actores es contagiosa, los personajes se saben reír de ellos mismos. Olivier Nakache y Éric Toledano imprimen a la cinta de un buen ritmo narrativo y situaciones delirantes, que hacen gala de un humor muy francés y a veces, con muy mala bava.

Una gran película que servirá para levantar los ánimos y devolver la sonrisa a todo aquel que la busque, se sienta o no alicaído por las circunstancias que le hayan tocado vivir. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Driss y Philippe le ponen una sonrisa a la vida.

FÁBULA SHAKESPERIANA SOBRE LOS IDEALES Y LA AMBICIÓN

Tras diseccionar el mundo del periodismo televisivo de los años 50 contraponiéndolo a la esfera política, es decir, mostrando los conflictos entre Edward R.Murrow y el senador de "la caza de brujas" McCarthy en Buenas noches y buena suerte, nos llega Los Idus de Marzo.

Con guión de Grant Geslow (nominado al Oscar por este trabajo y que ya se encargó del script de su obra precendente), George Clooney nos presenta una película política con tintes biográficos, pues su padre, Nicholas Clooney tuvo una breve carrera política como candidato demócrata al congreso por Kentucky.

Filmada en Cincinatti -cerca de su Kentucky natal-, la cinta nos cuenta los entresijos de la campaña presidencial del gobernador Mike Morris (el propio Clooney), ayudado por su mano derecha, Stephen Meyers (un Ryan Gosling cada vez más consolidado como actor de qualité) y por todo un gabinete que le respalda. Philip Seymour Hoffman, Marisa Tomei, Paul Giamatti o Evan Rachel-Wood son el elenco que acaba de redondear esta historia centrada en los personajes.

Como si de una tragedia shakesperiana se tratase, la película cuenta los mecanismos del poder, los sacrificios que habría que hacer por los propios ideales en favor de los ajenos y responde a la pregunta de hasta dónde una persona estaría dispuesta a llegar aún sabiendo que su decisión puede implicar el prejuicio de los demás. Todo ello en forma de intriga política, donde las decisiones morales equidistan entre las posiciones demócratas y republicanas, en función del momento de la historia que nos narra.

Así pues, en esta fábula sobre la ambición, nos encontramos todo tipo de referencias a figuras políticas relevantes. El título, los idus de Marzo, no puede ser ya más significativo en su aproximación a Shakespeare: fue el día en que Julio César fue asesinado. Y hasta aquí podemos contaros.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: ¿Ryan Gosling es el sucesor de George Clooney?

LA ANGUSTIA DE LO COTIDIANO

Dictado es la nueva película de Antonio Chavarrías, un director que nos tiene acostumbrados al género negro y al thriller y que esta vez cambia de registro al presentarnos una historia de terror psicológico.

De la trama, de la que no conviene desvelar demasiado para mantener la tensión y la sorpresa en el espectador, os vamos a hacer unos breves apuntes: Julia (Mágica Pérez) es una niña traumatizada por el suicidio de su padre que es acogida por la pareja formada por Daniel (Juan Diego Botto), amigo de su progenitor y Julia (Bárbara Lennie). La niña tiene depresión y, aunque parece que poco a poco se siente más alegre, por otro lado, ciertas actitudes hacia Daniel parecen no presagiar nada bueno...

En esta película el terror surge de lo cotidiano y de las acciones más normales de la vida diaria. No es una cinta oscura, sinó que es muy luminosa y los personajes son una pareja interpretada por Bárbara Lennie y Juan Diego Botto -quien ya funcionaron perfectamente en Obaba- que sólo buscan ser felices y ayudar a que Julia, la niña traumatizada, vuelva a recuperar la sonrisa y las ganas de vivir de nuevo. En esta cotidianidad, el director nos plantea que el terror puede aparecer de la forma más repentina. 

Con elementos muy simples el espectador va sintiendo que algo va mal, se va angustiando y alertando ante las señales que le ofrece este extraño cuento donde la pérdida de la infancia, los sentimientos de culpa y el peso de pasado sobre el presente caen como una verdadera losa. El destino se convierte en algo incontrolable, del que no se puede escapar fácilmente.

Así pues, los amantes de los cuentos encontrarán fácilmente muchas referencias de historias infantiles -una niña perdida, una bruja, un hada madrina, etc-, aunque con con elementos de historias de terror psicológico. Atención a una escena en la bañera, de lo mejor de la cinta. 

Y, si no fuera por algunos sustos o golpes de efectos no del todo conseguidos, se trata de una buena historia, donde del amor y la felicidad a la amenaza y el miedo más irracional sólo hay una línia bien fina. De los espectadores depende si entramos en el juego que Antonio Chavarrías nos propone y la traspasamos (o no).

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: La debutante Mágica Pérez nos sorprende como Julia.

 

 

 

 

CONTRADICCIONES DE UNA ESTRELLA

La semana de los Oscar también ha llegado otra película dedicada a una de las estrellas de cine con más glamour: Marilyn Monroe. Marilyn era un ser terriblemente complejo y contadictorio. Por una parte, en su esfera pública era una celebridad del la gran pantalla, adorada por todos gracias a su magnético poder de seducción. Por otra, era una mujer frágil y vulnerable, llena de miedos e inseguridades acerca de sus relaciones personales y profesionales.

Mi semana con Marilyn, de Simon Curtis, nos acerca a este gran icono de los años 50 desde el prisma de Colin Clark, un joven estudiante de cine de buena familia, quien decide perseguir su sueño y se convierte en ayudante de dirección de Sir Laurence Olivier. 

La película se centra en el rodaje de El príncipe durmiente, conocida luego como El príncipe y la corista, en que el reputado actor y director inglés rodó con la Monroe. En el set se aprecian las tensiones y angustias de Marilyn porque quiere ser una gran actriz del Método y no sólo una chica sexy. Asimismo, pone de manifiesto el ansia de perfeccionismo de Olivier, quien creía que actuar con la Monroe iba a convertirle en una gran estrella. 

Aparte de las interioridades del rodaje, Marilyn se muestra con toda su vulnerabilidad y con una gran necesidad de amar y ser amada. Las inseguridades de ella y del joven ayudante Clark sirven para que entre ellos se establezca una relación muy especial -que más tarde Colin Clark recogió en sus memorias El príncipe, la corista y yo-.

La cinta transita muy equilibradamente entre las dos esferas de la polifacética estrella, en parte al buen hacer de sus protagonistas. Michelle Williams (ganadora del Globo de Oro y nominada al Oscar por este rol) interioriza muy bien la poliédrica personalidad de la actriz y un sensible Eddie Redmayne (visto en la serie Los pilares de la Tierra) está perfecto en el papel de eterno enamorado y luchador perserverante.

Asimismo, no hemos de olvidar a Kenneth Branagh quien homenajea a su siempre admiradísimo Laurence Olivier, aunque nos lo presenta un tanto maniático y déspota, pero de buen corazón. Judi Dench aporta un distinguido toque de humanidad a su papel de la veterana actriz Sybil Thorndike. Además, destacan las apariciones de grandes nombres asociados a la órbita de la Monroe, como es el caso de su entonces marido Arthur Miller; el fotógrafo Milton Greene o la esposa de Olivier, Vivien Leigh, que aportan su personalidad al relato.

En definitiva, se trata de una muy recomendable visión acerca de una gran dica del Hollywood clásico quien, 50 años después de su muerte el 5 de agosto de 1962, sigue siendo admirada y venerada, pues poseía un extraordinario don que la convirtió en inmortal.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Marilyn (Michelle Williams) tomando un baño de modo muy sensual.

LA INVENCIÓN DE HUGO: ESPECTÁCULO Y SENTIMIENTO

Es curioso como La invención de Hugo y The Artist, dos películas homenaje al mundo del cine competirán en los Oscars, siendo sólo su estética y su historia la que los separa, pero con un tema central que las une. Se trata de dos poéticas cartas de amor fílmicas al séptimo arte, que poseen una nostálgica y entrañable mirada. 

La invención de Hugo, de Martin Scorsese, nominada a 11 Oscars, es una rareza en su filmografía, acostumbrados a su peculiar sello y a sus retratos del mundo de los gángsters o de los bajos fondos, en general.

En este caso, se trata de una película infantil y en 3D, más deudora del estilo de Steven Spielberg, que del suyo. 

La historia del joven Hugo (Asa Buttelfield, que nos recuerda al "niño triste" Freddie Highmore), enmarcada en el París de los años 30, permite hacer un sentimental homenaje a aquellos pioneros del cine, como los hermanos Lumière o George Méliès, no en vano el personaje de Ben Kingsley es un trasunto de este último inventor del celuloide. Por ello, toda la trama se impregna de magia y de imaginación, dos ingredientes esenciales en los orígenes del cine. 

El romanticismo del escenario de la estación de trenes de Montparnasse donde Hugo vive, le da un plus de aroma antiguo y nostálgico al relato en el que intervienen todo tipo de curiosos personajes que animan la cinta, desde el padre de Hugo, al que da vida  Jude Law; su mejor amiga, Isabelle (Chlöe Grace-Moretz, inolvidable en Kick Ass o Let me in) o el estrambótico y malvado jefe de estación encarnado por Sacha Baron Cohen.

Con una secuencia de apertura prodigiosa, la maquinaria del film se pone en marcha y el 3D ayuda al espectador a introducirse en la historia y a amar a sus protagonistas. El componente emocional de este hermoso cuento es tan alto que el propio Scorsese afirmó haberse inspirado en su propia nieta de 12 años al componer esta película que busca que el espectador haga aflorar sus emociones. Una cinta que gustará a mayores y a pequeños, especialmente a aquellos que crean que el cine es puramente un gran espectáculo acompañado de buenos sentimientos.

SONIA BARROSO.-