Cine de Autor

EL GATO DESAPARECE: SUSPENSE DE LA MANO DE CARLOS SORÍN

El gato desaparece es la nueva película del bonaeresnse, Carlos Sorín, quien nos deslumbró en 2002 con Historias Mínimas, una cinta donde tres historias aparentemente sencillas sobre gente que luchaba por sus sueños, nos robó el corazón. 

La historia es una combinación de drama y thriller psicológico, Luís (Luís Luque) acaba de salir de un pisquiátrico donde ha estado internado los últimos meses de su vida debido a un brote psicótico muy violento. Su mujer Beatriz (Beatriz Spelzini) teme que Luís no vuelva a ser el hombre con el que ha compartido 25 años de su vida y dos hijos en común. La reacción del gato doméstico es mala y ataca a Luís, luego su mujer comienza a aterrorizarse por las noches...

La película es una muestra más de la habilidad de este director para las tramas íntimas y personales, esta vez confiriendo a la película, gotas de suspense y de terror.

El director ahonda como nadie en sus personajes, los mima y los envuelve de un cáliz de humanidad. En este caso, vuelve con una historia para dejarse sorprender y atemorizar al mismo tiempo.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Cartel de esta inquietante propuesta.

Nota: La película se estrena este viernes 25 de noviembre.

LA DEGRADACIÓN DE LOS VALORES HUMANOS

Un Dios Salvaje es la adaptación de Román Polanski de la obra de Yasmina Reza, una pieza teatral en el que, a partir de un hecho anecdótico, como es la pelea de dos chavales, los padres de ambos se reúnen para limar asperezas y lo que, en principio tenía que ser un encuentro conciliador, se convierte en el peor día de sus vidas.

La película trascurre en un solo espacio, la casa de los Longstreet, los padres del chico agredido y en ella se reúnen los anfitriones, Penelope (Jodie Foster), una escritora librepensadora, que cree en la educación y en la civilización como manera de solucionar todos los conflictos; su marido, Alan  (John C.Reilly), un hombre de ideas "primitivas" al que no parece entusiasmarle el propósito de la reunión. Por otra parte, los Cowan, los padres del agresor, Nancy (Kate Winslet), una agente de bolsa que destapa su verdadera personalidad con la bebida y Michael (Christoph Waltz), un abogado más preocupado por atender el móvil de empresa que por velar por la educación de su hijo.

Lo que pretendía ser una reunión conciliadora se convierte en un crispado encuentro, donde cada uno de ellos saca lo peor de sí mismo e irritables e irritados se enfrentan en una lucha dialéctica que no parece llevar a ningún lado. 

Las reacciones de los personajes, a menudo injustas y desmedidas, son presentadas de manera cínica y socarrona por un Polanski que, sin quererlo ha orquestrado una comedia de situación con momentos donde los personajes caen en el patetismo y el ridículo más absoluto.

Los espectadores asistimos a una lucha sin tregua donde se pone en tela de juicio la institución matrimonial, la educación de los hijos, en la que nos damos cuenta que los padres son el verdadero problema -y no sus hijos-. Por ende, la película  es una metáfora, a pequeña escala, de la actual pérdida y degradación los valores humanos en el mundo occidental. Esta afirmación culmina al ver las reacciones de los personajes cuando se desviven por sus objetos materiales olvidando a las personas que les rodean. En este sentido, la película es desesperanzada, pues parece conducir a ninguna parte. Además, la cinta se desinfla en su tramo final y se echa de menos más contundencia.

Lo mejor de la función, sin lugar a dudas, es la intensidad que transmiten todos y cada uno de los cuatro intérpretes, solventes como siempre, que están en estado de gracia en cada una de las secuencias.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Los cuatro vértices de una reunión "salvaje".

SINFONÍA BONAERENSE DE LA VIDA Y EL AMOR

Medianeras, la ópera prima del argentino Gustavo Taretto, es una historia de amores-desamores, búsqueda de un lugar en el mundo e incomunicación a pesar de la intercomunicación de la era tecnológica actual.

La trama se articula a partir de dos historias que trascurren paralelas, la de Martín (Javier Drolas), un joven diseñador web, hipocondríaco y sin demasiada suerte en el amor y la de Mariana (Pilar López de Ayala), una arquitecta que trabaja arreglando maniquís y que acusa una cierta depresión por culpa de una relación fallida.

Estos dos personajes, dos almas gemelas, que no se conocen a pesar de vivir en edificios casi contiguos, reflejan la soledad y la insatisfacción de los jóvenes de hoy en día que, a pesar de estar siempre comunicados virtualmente, a menudo fracasan en sus relaciones interpersonales.

El director construye una sinfonía de la ciudad de Buenos Aires, que se convierte en un personaje con vida propia, sus edificios, sus medianeras, sus rincones adquieren vida propia como las personas que los habitan.

La película es una acertada reflexión sobre el mundo actual y además, deconstruye una historia de amor tradicional. La cinta no es drama ni comedia, pues la vida es así, como la de Martín y Mariana, con sus alegrías y sus tristezas, con sus fracasos y sus logros.

En momentos muy original, la película no recurre a los típicos y tópicos lugares comunes de este tipo de cintas románticas, sinó que reinventa un universo propio, que bebe de las fuentes de Woody Allen e incluso del libro Dónde está Wally -que tiene un peso importante y decisivo en la trama-. Además, se sirve del lenguaje del cómic y de la animación en algunos instantes y del tono casi documental en otros, lo que resulta un cóctel bastante atrevido y acertado, que conjuga un sinfín de lenguajes en una película pequeña pero que realmente merece la pena.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Martín y Mariana, destinos cruzados.

VICISITUDES DE UN PAPA CON DUDAS

Habemus Papam, de Nani Moretti, es una cinta que tanto creyentes como agnósticos o ateos sabrán apreciar, puesto que no ataca ni a unos ni a otros por causa de su fe.

La película se desarrolla durante un Cóclave para elegir al nuevo Papa, tras la muerte de Juan Pablo II, y después de la votación y la fumata blanca, el nuevo Elegido, el cardenal Melville (un excelente y creíble Michel Piccoli) siente un ataque de pánico ante la gran responsabilidad que le ha recaído y considera que debe tomar un tiempo para reflexionar, a pesar de que en la Plaza de San Pedro del Vaticano y en toda la cristiandad, el mundo está en vilo ante la espera...

Nanni Moretti, quien se reserva un divertido papel de psicoanalista, cuyas escenas quitan hierro a todo el conflicto íntimo que vive el recién escogido pontífice y que llena intensamente la pantalla cada vez que aparece, ha creado una cinta reflexiva e intimista. En el que las decisiones importantes no se toman a la ligera y en el que las personas siempre son consecuentes consigo mismo de sus acciones.

Además, curiosamente, Roma parece la ciudad que inspira la huída de las obligaciones reales o papeles. Si una Audrey Hepburn convertida en princesa, escapaba de palacio, huyendo de su agenda protocolaria en Vacaciones en Roma, aquí Michel Piccoli huye de sus responsabilidades papales en el Vaticano para encontrase a sí mismo.

Nos ha gustado el tono reposado del relato íntimo, en contraposición al desenfado de algunas situaciones en una película que no es lo que te esperas y en las que no son dudas de fe, sinó dudas personales las que asolan al nuevo Elegido.

El final es consecuente y contundente, emotivo en su ejecución y en su planteamiento, de los mejores finales posibles para una cinta que en ningún momento pretende cuestionar la fe (o la carencia de ella) de las personas, sinó que pone en jaque los deseos más profundos del ser humano.

SONIA BARROSO.-

SENTIMIENTOS DULCES COMO EL CHOCOLATE

Esporádicamente visitan nuestras pantallas propuestas bien edulcoradas, dirigidas a un público necesitado de afecto y, sobre todo, de ilusión por la vida y por los pequeños y grandes placeres que nos endulzan la existencia.

Tímidos anónimos del director Jean-Pierre Améris, recoge el testigo de la añorada Amélie y de la exitosa Odette, un cuento sobre la felicidad.

Esta película cuenta la naif historia de Angélique (Isabelle Carré), una joven con tanto talento en el arte del chocolate como retraída, y de Jean-René (Benoît Poelvoorde), un tímido obsesivo-compulsivo, que se halla al cargo de una ruinosa empresa chocolatera.

El azar hace que ambas personas de encuentren. A partir de aquí, ambos comparten curiosas experiencias en las que se mezclan el amor por los dulces como su cuasi-enfermiza timidez, dando como resultado...algo previsible tras ver el cartel del film.

La cinta es una pequeña fábula que tiene un metraje corto, el suficiente para que quien no sepa qué ha venido a ver se llegue a arrepentir y para que aquellos enamorados de las edulcoradas narraciones se sientan llenos de suaves mariposas en sus estómagos.

DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: Los protagonistas de Tímidos anónimos vivirán una dulce historia de amor.

Nota: La película se estrena hoy 28 de octubre.

CUENTO SENSIBLE CON NIÑO Y HADA MADRINA

Si Tintín es el héroe belga por antonomasia para el gran público, los hermanos, Jean-Pierre y Luc Dardenne son dos directores belgas de qualité para exquisitas minorias. Ambos hermanos han sido multipremiados a lo largo de su carrera en el Festival de Cannes, consiguieron dos Palmas de Oro por Rosetta y por El niño, además de un premio al mejor guión por El secreto de Lorna.

Con su nueva película, Le gamin au vélo (El niño de la bicicleta) obtuvieron el Premio Especial del Jurado en este certamen,que les ha convertido en unos cineastas de reputación fílmica intachable.

El niño de la bicicleta vuelve a mostrar las constantes de su cine social y comprometido y vuelven a fijar su particular mirada en otro niño de la clase obrera que vive en una situación dificil, pues está en un centro de acogida, lejos de su padre (Jéremie Ranier-Potiche-, actor habitual en el cine de los Dardenne) y que conoce a Samantha, la que será su hada madrina, interpretada por la cada vez más cotizada Cécile de France (Una casa de locos, Más allá de la vida).

En este cuento de hadas contemporáneo con ecos a Los cuatrocientos golpes, de François Truffaut, los Dardenne vuelven a dar en la diana y a tocar en la fibra sensible (que no sensiblera y sentimental) de los espectadores. Además, lo consiguen con un ritmo vivo y un tono nada melodramático.Pequeño gran cine para minorías en búsqueda de historias verdaderas.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Thomas Doret y Cécile de France encarnan al niño y a su mentora, respectivamente.

Nota: la película se estrena este viernes 28 de octubre.

EN EL CREPÚSCULO DE LA VIDA

Another Year, de Mike Leigh, vuelve a los temas que le gustan al director británico: personajes de mediana edad con sus deseos, problemas y preocupaciones. En este sentido, podría parecer que su carrera da continuidad a aquella Secretos y Mentiras que le llevó a la fama y que ganó la Palma de Oro en Cannes en 1996. 

No obstante, en esta película no hay trama, sinó que es una sucesión de reuniones, encuentros y desencuentros entre una pareja de profesionales liberales en la sesentena, Tom y Gerri interpretados con total naturalidad por Jim Broadbent y Ruth Sheen con algunos amigos, como es el caso de Mary (una genial Leslie Manville), una secretaria que trabaja con Gerri desde hace 20 años y, a pesar de un carácter abierto y despreocupado, encierra mucha decepción y patetismo en su vida; o Ken (Peter Wight), un amigo al que la vida le ha dado también la espalda. Además, de contraponer estos personajes con el joven hijo de la pareja (Oliver Maltman), un chico de treinta años, ya trabajando e independizado, que acaba encontrando una novia alegre y cariñosa (Karina Fernández). 

Esta historia, de factura más teatral que cinematográfica, transita por las cuatro estaciones durante un año nos cuenta el proceso vital de esta serie de personajes, su día a día, sus problemas, alegrías y fustraciones. Así que, a quien le interese la cotidianidad de unos personajes instalados en el crepúsculo de sus vidas, ésta es su película. El que busque emocionarse con otro Secretos y Mentiras, quizás salga bastante decepcionado.

SONIA BARROSO.- 

Pie de foto: Tom, Mary y Gerri compartiendo confidencias al atardecer de sus vidas.

Nota: La película se estrena este viernes 14 de octubre.

FÁBULA SOBRE LA PÉRDIDA DE LOS VALORES TRADICIONALES

L´illusioniste (El ilusionista), de Sylvain Chomet, no es una película de animación al uso. Partiendo de la base de un dibujo de trazo sencillo, la historia es una fábula sobre el desencanto y la nostalgia de que cualquier tiempo pasado fue mejor.

El ilusionista del título es un mago que se ve abocado a actuar en teatros, siempre después de exitosos grupos de rock, que mueven masas, sus espectáculos por contra, atraen a muy pocos espectadores.

La historia, muy melancólica, destila aroma de pasado, pues todos los artistas que aparecen: magos, trapecistas, payasos se han convertido en "juguetes rotos e inservibles", pertenecen a la época del music hall y ya no hay salida ni esperanza para ellos. En este sentido, es un relato sobre la pérdida de los valores tradicionales en pos de una nueva era.

Además, la subtrama de amistad-amor entre el mago y una sirvienta, que se convierte en su mejor aliada, representa las ganas de la protagonista por convertirse en una mujer nueva, dejando atrás el pasado y mirando siempre hacia el porvenir.Poco a poco, se va despojando de sus zapatos y ropas antiguas para convertirse en una señorita a la moda.

No en vano, la historia refleja el espíritu de Jacques Tati, que es el guionista de esta historia, triste y melancólica, no apta para todos los espectadores, sinó sólo para aquellos que sepan apreciar la simplicidad y la belleza de las pequeñas cosas, que gusten de los espectáculos con aroma antiguo y que sientan que la modernidad ha traído consigo una devaluación en la vida de las personas.

Así como el ilusionista del título busca a su público, la película busca espectadores que sepan dar una oportunidad a una historia especial y diferente.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: El ilusionista en una actuación.

CUATRO CAFRES CON MUY MALA SOMBRA

Monty Phyton ha marcado una honda impronta en el particularísimo mundo del humor. Supieron condensar en su obra todos aquellos tics británicos que causan hilaridad en las Islas y fuera de ellas.

De esas fuentes han bebido abundantemente los guionistas de Four Lions, quienes han plasmado en este film una muy especial visión de uno de los temas de más rabiosa actualidad.

La cinta tiene ritmo de slapstick con absurdas situaciones que sólo se resuelven cuando empieza una confusión aún mayor. El humor que destila la cinta no justifica las malas intenciones que desprenden las acciones de estos cuatro cafres a quienes la idiotez más absurda les guía y uno sólo siente verdadera compasión por los desafortunados que se ponen en su camino.

También hay influencias del personaje de Borat y de la cinta Inadaptados y peligrosos, de Julian Farino, en su búsqueda de realismo casi-documental haciendo dudar si lo que se está viendo es ficción o realidad y no hay que olvidar que a veces, la realidad supera a la ficción. Pues a las cuatro almas perdidas en las que reina la confusión, la alienación y una estupidez con adhesión inquebrantable se les añade como colofón una torpeza moral y física de dimensiones galácticas.

Véanla si son incondicionales del humor británico y sin duda, una película como ésta sólo tiene sentido en versión original.

DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: Tienen mala bava y peores intenciones.

CONTRA LA INTOLERANCIA

Catalunya über alles! es la nueva película de Ramon Térmens, artífice de Joves y Negro Buenos Aires, una denuncia sobre la intolerancia en la sociedad actual.

La película se estructura en tres historias con varios nexos en común, tales como algunos personajes secundarios, como el del fallecido Jordi Dauder, que interpreta a un político del partido extremista Catalunya per sobre de tot.

En la primera historia, la intolerancia la sufre en sus propias carnes un presidiario que sale de la cárcel después de 19 años (interpretado por Gonzalo Cunill), que fue condenado por violación y se encuentra con el rechazo de todos los vecinos de su pueblo. Esta es, sin lugar a dudas, la historia más floja, desde el punto de vista narrativo. 

La segunda es la historia de Babou, un immigrante subsahariano integrado por la lengua (pues habla catalán perfectamente), pero que no encuentra trabajo y debe mantener a su familia. Su única salida será convertirse en El cobrador del Frac Catalá. Ésta es la historia más interesante, por el periplo del personaje, los toques cómicos, que ayudan a desdramatizar y, sobre todo, por lo convincente que resulta Babou Cham en su rol de padre y trabajador luchador, que no se rinde.

La tercera es la de un empresario que mata a un ladrón que había asaltado su casa (al que da vida Joel Joan). Este caso guarda cierta similitud con el reciente y mediático caso Tous. Poco a poco, este padre de familia y marido ejemplar se va descubriendo, pues no es lo que parece, ni héroe ni villano, en la subtrama más amoral y menos ejemplar de todas.

El punto fuerte de esta propuesta es que pretende romper con los estereotipos de que todos los inmigrantes son vagos o malvados y que todos los blancos son buenos y ejemplares. Además, pone un toque de atención ante la alarmante subida de algunos partidos políticos de extrema derecha. Aunque, lo que menos nos ha gustado es la realización, demasiado plana y poco cinematográfica, más propia de una tv-movie y a, menudo, cerca del documental social. 

La película, que será distribuida por Segarra Films, en versión catalana con 35 copias la primera semana, cuenta con el aval de sus tres premios en la pasada edición del festival de Málaga y con el respaldo de TV3. 

Una rara avis en la cartelera que merece la pena visitar si sois inconformistas con la realidad social que nos rodea.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Gonzalo Cunill, Babou Cham, Ramon Térmens y Joel Joan, en la presentación de la película.

ABURRIRSE DE ÉXITO

Se dice que en el Olimpo del éxito se está solo. No es cierto, quienes se hallan allí se encuentran acompañados de sus apetitos que nunca pueden ser saciados. Su burbuja les hace vivir realidades tan incoherentes como rodar en carretera abierta con un superdeportivo a velocidad de ciclomotor...

En Somewhere, de Sofia Coppola, encontramos puntos comunes con su afamada Lost in translation, pero esta vez trasladada a una esfera más alejada del hombre de a pie.

El ritmo es muy lento, puede que haya espectadores a quien les llegue a desesperar pues a ello hay que añadir la escasez de diálogo, menos mal que no abusa del plano fijo...

Stephen Dorff encarna a un muy exitoso actor de películas de acción a quien su ritmo de vida de superestrella de Hollywood se le ve truncada por la obligación de ocuparse de su preadolescente hija, una muy convincente Elle Fanning.

Gracias a ella, el afligido actor tratará de dar un nuevo rumbo a su disoluta vida y no le será fácil pues pesan en él los hábitos adquiridos en tanto años.

Otro gran elemento de ésta cinta que en mayor o menor medida encandila a los espectadores es la banda sonora pues suenan los temas adecuados para dar el matiz necesario a las escenas. En un film tan especial como éste, casi es un intérprete más.

La película, pues, refleja a la perfección un estado de ánimo: el tedio de este personaje quien, pudiendo disfrutar de las mieles del éxito, lleva una vida llena de carencias, insatisfacciones y vacío existencial. Además, de contener una crítica al mundo de los actores de hoy en día, muchos de ellos, seguramente se verán reflejados en el devenir de este actor.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Disfrutando como nunca.

DIÁLOGO CON DIOS Y LA NATURALEZA

El Festival de Cannes en sus dos últimas ediciones ha otorgado su Palma de Oro a dos propuestas bastante extrañas y desconcertantes. Si el año pasado fue El tio Boonmee recuerda sus vidas pasadas, de Apichatpong Weerasethakul, en esta ocasión ha sido premiada la particularísima visión del cosmos y de la vida del misterioso Terrence Malick, El árbol de la vida.

Es ya conocido el especial interés del director por la relación entre los personajes y la naturaleza, que siempre se convierte en protagonista central. Aunque esta vez, Malick se ha superado a sí mismo, poniendo a prueba la paciencia del espectador más neófito.

El árbol de la vida es una descripción visual y sonora del origen del Universo a partir del Big Bang y de la formación de la vida en la Tierra. En este sentido, muchas de sus secuencias parecen sacadas de un documental de la BBC de éstos que vemos en la 2 en la sobremesa. A partir de esto, la película se centra en la historia melodramática de una familia católica de cinco miembros en la América sureña de mediados de los ’50. El padre (Brad Pitt) es un severo y estricto progenitor, católico de acción y de pensamiento. La madre (Jessica Chastain, vista en La deuda) es todo lo contrario, llena de dulzura e ingenuidad. Los hijos crecen entre el miedo a su padre y el descubrimiento de la vida, de lo que está bien y lo que está mal. El mayor (interpretado por Sean Penn varios años después) es el conductor de este relato que se pregunta una y otra vez por qué Dios permite la muerte de uno de los hijos a punto de abandonar la adolescencia.

Malick dialoga con Dios y la Naturaleza en un relato panteísta y New Age, no apto para todos los públicos. Quienes sientan curiosidad por el origen y sentido de la existencia hallarán aún más preguntas que respuestas en el que es, sin lugar a dudas, uno de los retos fílmicos del año.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Emociones encontradas entre padre e hijo.

TRISTEZAS Y ALEGRÍAS EN EL DESCUBRIMIENTO DE LA VIDA

Stella, de Sylvie Verheyde trata del despertar a la edad adulta de una niña del mismo nombre en el París de finales de los 70. Esta chiquilla vive con sus padres, dueños de un bar, muy ambientado sobre todo por las noches, y sabe más de sexo, póquer y cosas de adultos que de asuntos relacionados con su edad. Su educación familiar choca con la del colegio de pago al que asiste, donde conoce a Gladys, una compañera, muy buena en sus estudios, que la hará amar la lectura y la introducirá en un mundo completamente desconocido para ella. En contraposición con Geneviève, su amiga de veranos en el norte de Francia, una niña con una familia un tanto desestructurada. 

No conviene saber mucho más sobre este retrato del paso de la infancia a la edad adulta, pues la niña transita por una variedad de estados y vive un sinfín de experiencias (sociales, educacionales, sexuales, sentimentales, etc) que la harán irse forjardo una personalidad de luchadora y superviviente, encontrando su lugar en el mundo.

Tanto las experiencias positivas como los contratiempos son explicados desde los ojos de Léora Bárbara, una actriz que encarna a la perfección los vaivenes diarios de Stella para tratar de buscar su hueco en la sociedad que la rodea y, por ende, en el mundo.  

La película habla de que no sólo la familia y el entorno social condiciona a la persona, sinó también las decisiones que uno va tomando, sean o no acertadas. 

En este sentido, es un magnífico relato de iniciación, que destaca por su manera de ser narrado y por el buen hacer de todo su reparto, Karole Rocher y Benjamin Biolay (los padres de Stella) e incluso el ya desaparecido, Guillaume Dépardieu, en el papel de un chico duro de barrio, pero entrañable al mismo tiempo. Una pequeña joya en las carteleras de esta semana. No os la perdáis.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Stella, de la infancia a la edad adulta.

Nota: La cinta se estrena este jueves 8 de septiembre.

ANTES DE TENER QUE REDIMIRTE...

El hombre es débil por naturaleza, no sólo física sino también en cuanto a carácter. Este es el caso presentado en Dinero fácil, dirigida por Daniel Espinosa en la adaptación de la homónima primera novela del también sueco Jens Lapidus quien también colabora en el guión.

JW, un brillante estudiante de Económicas es tentado por la vida ostentosa de la élite universitaria de Estocolmo y se acerca a un precipicio delictivo, a cuyo abismo había visto de forma lejana. Entonces salta al vacío, pues en su fondo ve un manantial de oro, que tan largamente había anhelado y que hasta la fecha había acariciado haciendo creer, incluso a sí mismo, que era su legítimo amo y señor.

De este modo, nuestro particular Fausto pacta con el diablo para consagrar su amor con una bella patricia nórdica.

En su caída tropieza con una variopinta galería de personajes que cayeron antes de él y tentados por muchísimo menos. Dichos coprotagonistas son Jorge, un latino con sueños de ser el nuevo Pablo Escobar y Mrado, un excombatiente de la fracturada ex-Yugoslavia. Ambos personajes tienen en común, a diferencia de JW, una vida familiar que les recuerda que deben redimirse. Estas subtramas hacen que el ritmo vivo de la cinta no acabe asfixiando al espectador e insufle aire a la trama principal.

Mucho se ha hablado del auge de la novela de género criminal del norte de Europa, pero en este caso estamos hablando más de James Ellroy de de Stieg Larsson. Y si queremos hacer la odiosa comparación cinematográfica esta cinta es mucho más Abel Ferrara que Martin Scorsese.

Quien quede contento con Dinero fácil que sepa que se están rodando las otras dos partes de la trilogía negra de Estocolmo de Jens Lapidus.

DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: JW, nunca debiste quitarte el traje...

Nota: La película se estrena este viernes 26 de agosto.

LA INTEGRIDAD DE UN SAMURAI

El viernes 12 de agosto llega a nuestras pantallas una de las películas que causó más furor en las pasadas ediciones de los festivales de Venezia y de Sitges: 13 Assassins, de Takashi Miike.

En ella se narra la historia de una venganza, la de un padre al que un señor feudal asesina a su hijo y a su nuera de forma salvaje, así como a muchos criados, torturándolos violentamente -como se puede ver en el impactante y sangriento comienzo de la película-. Éste, con la ayuda de otro veterano samurai consigue reclutar a un grupo de samurais, dispuestos a dar su vida para reestablecer el orden perdido.

La cinta combina momentos más intimistas, como la descripción de los códigos de lealtad, honor e integridad de los samurais, con secuencias de aventuras y acción. En ella, hay ecos del cine clásico japonés y referencias a maestros como Ozu o Kurosawa.

El tramo final de la película es el de una batalla y está rodado como una pieza de orfebrería: pues es de tal precisión, ritmo y maestría, que hacen que Miike haya filmado un clásico contemporáneo. Ante todo está el honor de los samuráis, que es más fuerte y más válido que la propia vida humana, pues vale la pena sacrificarla por dicho honor.

SONIA BARROSO.- 

Pie de foto: El grupo de samuráis preparado para la batalla final.

DESDE FRANCIA CON AMOR

De todos es sabido que el principal mercado de cine es en Cannes, también que la publicación de cabecera de los cinéfilos más sesudos es Cahiers du Cinema. Es por ello que, a pesar de no contar con una industria tan potente como la hollywoodiense, a nadie le debe sorprender la afirmación que el cine que se hace en Francia es, cualitativamente, el mejor del mundo. Hace un tiempo que de tierras galas nos vino El profeta y ahora le llega el turno a El caso Farewell.

En esta cinta se combinan, como en la vida géneros como el drama, la comedia, el thriller...y es que la vida a veces imita al arte. Ésta es una historia de espías de la vieja escuela, de realidades cotidianas en las que el deber de la patria se ha de conjugar con recoger los niños de la escuela. La historia como tal podría resultar un esperpento o un telefilme perfecto para ver a duermevela, pero tal y como podéis deducir, no lo es.

De ello se encarga el polifacético Christian Carion quien compagina la dirección con el guión. Delante de las cámaras se hallan dos actores que también son realizadores: Guillaume Canet (director de la inolvidable Pequeñas mentiras piadosas) y Emir Kusturica (responsable de las eclécticas Underground y Gato negro gato blanco).

Poco más puedo decir del argumento, pues la gracia de la película está basada en una excelente recreación de unos hechos reales. Que esté basada en una historia real no ha de suponer un prejuicio, sinó que los amantes del buen cine, cansados ya de tanto blockbuster veraniego, vayan a verla y se dejen envolver por una historia realmente cautivadora en todos los sentidos.

DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: Dos espías en horas libres.

Nota: La película se estrena el 5 de agosto.

ENTRE TOCHOS ANDA EL JUEGO

Hay ideas buenas y malas. Si una buena idea se lleva a cabo en un formato que no le corresponde, hay riesgo de perderse por el camino.

Este es el caso de El hombre de al lado. La historia es original, pero contiene visos de cotidaneidad que la hacen perfectamente interpretable para el amplio público. Los personajes principales son estereotipos que podemos encontrar a la vuelta de la esquina, o en el mismo replano de casa.

Dichos personajes se ven envueltos en una mundana discusión por una obra y en la defensa de sus intereses hace que surjan de ellos instintos irreprimibles que a la sazón son los que marcan su personalidad y definen las relaciones que tienen con el resto de las personas de su entorno.

Hasta aquí lo bueno. Lo malo es que dicha historia se podría explicar en formato de cortometraje y seguramente hubiera tenido un resultado muchísimo más notable que el que nos ocupa. Las subtramas son insípidas y repetitivas por lo que hacen que el desarrollo de la trama se ralentice en exceso. Excepcionalmente, hay momentos muy inspirados, tales como, cuando los dos amigos "gafapastas" descubren "nuevas" melodías en el sofá, o las ocasiones en las que el coche de uno de los protagonistas, un rara avis de Citröen C6, aparece en pantalla.

El final de la historia no es nada previsible y hace que cuando abandonemos la sala casi lleguemos a olvidarnos del excesivo metraje y valoremos en que buena idea se basa el film.

DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: En el rostro de Daniel Aráoz se reflejan la inseguridad y pobreza de espíritu de su afamado vecino.

LA MAMMA ES SIEMPRE LA MAMMA

El cine italiano actual nos está dando buenas muestras de que, cuando se trata de recreaciones setenteras, ellos son los mejores en realizarlas. Excelentes pruebas de ello son Romanzo Criminale, de Michele Placido, donde, a partir de la descripción de unos hechos delictivos llevados a cabo por La Banda Magniana de Roma, se retrataba toda una época; asimismo sucedió en Mi hermano es hijo único, de Daniele Luchetti, donde la historia de los dos hermanos queda enmarcada fielmente en la década de los 70. 

La Prima Cosa Bella va un poco más allá. Pues el ejercicio de nostalgia que se nos plantea es tan grande como en las tragicomedias italianas de la Loren o la Magnani. La película, desde nuestro punto de vista, es un extraño cruce entre Matrimonio a la italiana (donde había un memorable tête-a-tête entre Marcello Mastroianni y Sofia Loren) y la más reciente, Una chica cortada en dos, de Claude Chabrol, aunque sin tanta mala bava.

La película es una historia de amor y desamor pasional y "muy italiana", con colorido, expresividad y emoción, así como un retrato de distintas generaciones de una misma familia para llegar a la conclusión que pase lo que pase entre sus miembros la mamma siempre será la mamma y que los pecados de familia siempre serán perdonados, de un modo u otro. 

Si queréis pasar por distintos estados de ánimo, de la risa al llanto, ésta es su película. No en vano, la cinta cuenta con tres David de Donatello, a los mejores actores principales y al mejor guión y representó a Italia en los Oscar. Nos hallamos, pues, ante una gran historia italiana y, por ende, universal. No os la perdáis. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Micaela Ramazzotti interpreta a una mamma muy italiana y pasional.

AYUDAR A LOS DEMÁS PARA COMPRENDERSE A UNO MISMO

Dicen que los buenos sentimientos están pasados de moda, pero no hay nada más reconfortante que sentarte ante una pantalla y dejarse transportar por una historia que es como la vida misma, con personajes de carne y hueso, que viven, sienten y padecen como cada uno de nosotros.

Silencio de amor, de Philippe Claudel es una extraodinaria historia de un hombre ordinario (interpretado por un excelente Stafano Accorsi) que es profesor, padre de una adolescente en plena “edad del pavo”, hermano de su hermano que no quiere salir de casa hasta que Berlusconi caiga del poder y sobre todo, sigue enamorado del recuerdo de su difunta esposa. 

Lo que sucede en la trama, mejor no saberlo, pues la gracia es dejarse llevar por el fluir de unos personajes entrañables, de unos diálogos chispeantes de comedia y tristes y trascendentes cuando han de serlo.

Nada sobra ni falta en esta historia de personas que intentan ayudar a los demás, sin ayudarse primero a sí mismas. Los actores están en comunión unos con otros en una de las sinfonías más bonitas que se han visto últimamente en la gran pantalla.

Una preciosa película para todos aquellos que aman salir del cine con una sonrisa y con la emoción a flor de piel.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: La película aborda las no siempre sencillas relaciones entre padres jóvenes e hijas adolescentes.

VIVE FELIZ Y NO MIRES CON QUIÉN

Tras unas semanas muy reivindicativas sobre el orgullo gay nos llega la película Beginners, con Ewan McGregor, Christopher Plummer y Mélanie Laurent (El Concierto, Malditos Bastardos).

La cinta, en un tono de melancolía general, trata una historia en dos tiempos. La relación de dos treinteañeros solitarios, un dibujante y una actriz quienes, pese a quererse, no se atreven a dar el paso definitivo por miedos e ideas preconcebidas acerca del amor y la pareja, que se intercala con los recuerdos del joven respecto a su padre que, con 78 años, aún siente verdaderamente pasión por la vida y se atreve a vivir de la manera que quiere. Es homosexual y no oculta su relación con un hombre más joven. Lleva su vida sin prejuicios y sin temores.

La trama alterna estos dos tiempos de manera magistral y nos conduce del uno al otro a través de transiciones suaves, que no alteran el curso del relato, que es un canto a la vida, al amor, al hecho de ser diferentes y vivir cómo cada uno quiere.

Una propuesta muy bien interpretada por su trío protagonista, que infunden verdad en cada palabra, en cada gesto y en cada mirada. Entre padre e hijo y entre los dos enamorados existe una química muy especial, que hacen que la película sea auténtica, como la vida misma y que valga mucho la pena.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: las dificiles relaciones con la pareja y familia, ¿quién dijo que fue fácil?