Cine de Autor

LA ESCRITURA COMO MANIPULACIÓN ESTILÍSTICA DE LA REALIDAD

El ladrón de palabras, de Brian Kulgman y Lee Sternthal, -que ejercen la triple labor de directores, guionistas y actores secundarios del film-, es la película que el sábado noche clausuró la 57ª edición de la Seminci de Valladolid. La película posee un argumento que gira alrededor de la creación literaria, la usurpación de la identidad del escritor y el papel de la escritura en la manipulación estilística de la realidad.

El film tiene puntos de contacto argumental con Conocerás al hombre de tus sueños, de Woody Allen, Posesion, de NeilLabute. y Adaptation, el ladrón de orquídeas, de Charlie Kaufman. Así pues, estamos ante un thriller dramático en tres tiempos, protagonizado por Bradley Cooper (también productor ejecutivo), Zoë Saldana, Jeremy Irons, Dennis Quaid y Olivia Wilde.

La trama gira alrededor de Dennis Quaid, un escritor que está haciendo una conferencia, donde conoce a Olivia Wilde y comienza a explicarle una historia: la de Rory Jansen (Bradley Cooper), un escritor frustrado que cuando va a París con su mujer (Zoë Saldana) compra un maletín que contiene un manuscrito perdido, donde se cuenta la historia de un ex-combatiente en la Segunda Guerra Mundial (Jeremy Irons). 

En la cinta se mezclan los tres tiempos narrativos: el presente real, el presente ficticio y el pasado para construir un relato donde se cuestiona la fina línea entre la integridad y la bondad, la mentira y la traición dentro del siempre difícil mundo de la creación y la edición literaria.

La trama se sigue con creciente interés, gracias a su sólido reparto, en especial al siempre efectivo Irons y a las polémicas y discutibles cuestiones que nos plantea una película con uno de los finales más controvertidos en el plano moral que se recuerdan en el cine actual. Recomendada para todos aquellos interesados en dejarse llevar por manipulaciones estilíticas de la realidad.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Bradley Cooper y Jeremy Irons, dos escritores con mucho qué decir.

EL CAOS Y LA CONFUSIÓN QUE REINA EN NUESTRAS VIDAS

En 1998, Tony Kaye nos sorprendió gratamente con la cruda y contundente American History X, la película sobre los neo-nazis en EEUU que consagró a Edward Norton como uno de los actores más excepcionales de su generación. Después, la filmografía de Kaye ha sido un tanto errática y poco memorable. Ahora nos llega El profesor (Detachement), que pretende recuperar al mejor Adrien Brody (Oscar por El pianista, de Roman Polanski) que últimamente no ha estado muy acertado en sus elecciones (con la excepción de Midnight in Paris, de Woody Allen). 

La trama gira alrededor de Henry, un profesor sustituto en un conflictivo instituto de EEUU, donde reina la violencia física y verbal entre los alumnos y en el que los profesores se sienten tan perdidos, desorientados y deprimidos ante tal pasotismo y situación que parece no tener salida. Paralelamente a su vida en el instituto, Henry tiene que lidiar en los últimos días de su abuelo enfermo y con la consciencia intranquila tras la muerte de su madre. Además, conoce a Erica, una joven prostituta, violada y apaleada por los hombres y por la vida, a la que intenta ayuda alojándola en su apartamento.

La película trata varios temas, en primer lugar la dificultad de educar a unos alumnos poco interesados en las clases y más en pasarlo bien, ligar y no respetarse unos a otros (ni en definitiva, con la pérdida de respeto a sí mismos). En las clases, el profesor intenta inculcarles un poco de disciplina y de autoconfianza en sí mismos. En cuanto al tema educativo se refiere, el film va un poco más allá que Half Nelson, de Ryan Fleck, y la reciente Profesor Lazhar, de Philippe Falardeau.

En segundo lugar, pretende explicarnos cómo este profesor, con el caos, la tristeza y la confusión instalados en su propia vida, se siente solo y encuentra en la compañía de una putilla adolescente aquellos instantes dónde puede sentirse él mismo, en la que, desde mi punto de vista, es la subtrama más interesante de la cinta.

También detaca su cast impresionante y realmente muy logrado: James Caan (un viejo profesor cínico y de vuelta de todo), Blythe Danner, Bryan Cranston (también en Argo), Marcia Gay Harden, Christina Hendricks, Lucy Liu, Tim Blake Nelson. Especial atención a las jóvenes Sami Gayle -que interpreta a la putilla- y Betty Kaye (hija del director del fim), como la alumna fotógrafa y acomplejada Meredith, dos de las revelaciones de la película.

Realizada con nervio, algunas escenas son desagradables, crudas y muy discutibles, parece que Kaye quiere dejar noqueado al espectador, tanto visual como verbalmente. En varios momentos es incómoda y siniestra, en otros peca de trascendencia e ínfulas de existencialismo, un existencialismo abocado a la nada nietzcheana. En definitiva,es un film de digestión lenta y difícil, no apta para los estómagos más delicados ni las consciencias más sensible, que no dejará a nadie indiferente. No obstante, si el espectador es valiente, puede salir muy enriquecido de la experiencia.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: La relación entre Erica y Henry, de lo mejor del film.

KÖNIG, AMANTE DE LA VIDA EN LIBERTAD

Ralf König, rey de los cómics,de Rosa Von Prauheim, es el documental que nos acerca a la figura del dibujante de cómics gay König, autor de tiras cómicas como El hombre deseado, Lisístrata, Conrad & Paul o Huevos de Toro. 

La cinta es una aproximación a su biografía y a su mundo. En ésta descubrimos el despertar de la sexualidad del autor, sus amores, sus amigos, su manera de trabajar, etc. Intercalando retazos de su vida, opiniones personales con la visita de un fan a su casa o la divertida lectura de fragmentos de sus obras ante un auditorio lleno y entregado en su Alemania natal. 

Además, nos ofrece sus puntos de vista sobre la libertad, de expresión, la sexualidad, el SIDA, la censura religiosa o moral (movimiento antipapa o la polémica sobre las caricaturas de Mahoma), de manera amena y distendida.

Sí que es cierto que quizás, al ser una temática homosexual puede interesar más a un tipo de público que a otro. No obstante, descubrimos a lo largo del documental que muchos de sus seguidores son también heterosexuales. Su obra pretende romper tabúes en relación a los gays, de una forma divertida y desacomplejada.

El director queda retratado como un amante de la vida y de la libertad del individuo por encima de todo tipo de perjuicios. Por ello, el documental interesará a todos aquellos que no se ponen barreras a la hora de disfrutar del arte, del cómic y de la vida, en general.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: König, dibujante de cómics sin prejuicios.

EN BÚSQUEDA DE UN LUGAR EN EL MUNDO

Submarine, de Richard Ayoade, un joven realizador inglés que proviene del mundo de la televisión y que debuta en el cine con la melancólica historia en varios tiempos de Oliver Tate (Craig Roberts), un adolescente que busca su lugar en el mundo mientras se enamora por primera vez de Jordana Bevan (Yasmin Page) y la relación entre sus padres (Sally Hawkins y Noah Taylor) se desmorona con la aparición de Graham Purvis (Paddy Condisine), un excéntrico ex-novio de su madre.

Con referencias a Los 400 golpes de Truffaut y al cine de Wes Anderson e incluso de Woody Allen, la película destila originalidad y sentido de la imaginación en la manera de estar estructurada y narrada. En todo momento se produce una identificación con el protagonista o con alguno de los tristes personajes que aparecen: la novia avispada, con problemas familiares y necesidad de que la quieran; la madre resignada con su vida; el padre depresivo, etc, lo cuál es un acierto. Además, hay referencias al siempre complejo tema de cómo forjar la propia identidad, mientras uno esquiva las bromas pesadas y el bullying de los crueles compañeros de clase.

La película se ve con interés, no se decanta ni por la comedia romántica ni por el drama familar, aunque hay elementos de ambos subgéneros, sinó que más bien transita dentro de un estado de melancolía permanente muy adecuada para explicar las insatisfacciones propias de la adolescencia. Recomendada para todos aquellos que no saben cómo encajar en el mundo y que van a la búsqueda de la madurez necesaria para tratar de comprenderse a sí mismos.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Oliver y Jordana, ¿el amor vencerá las dificultades?

UNA HISTORIA PARA SENTIRSE MEJOR PERSONA EN EL MUNDO

La pequeña Venecia (Shun Li y El poeta), de Andrea Segre, es el debut en una película de ficción de este realizador que proviene del mundo del documental. Y lo hace con una historia sencilla, humana y conmovedora.

Shun Li (Tao Zhao -Naturaleza Muerta-) es una trabajadora china en Italia, primero hace de costurera en un taller de Roma y, posteriormente, es trasladada a Chioggia, un pueblo de pescadores de la Laguna de Venecia. Allí entablará una relación de amistad con uno de los viejos lobos de mar del lugar, Bepi (Rade Serberzija), yugoslavo de origen, pero italiano de adopción, con el que compartirán un pedacito de sus vidas, de sus anhelos, de sus esperanzas...

Es hermoso comprobar como, a menudo, es más importante lo que se intuye, que lo que se ve claramente, una mirada, un gesto de complicidad, un abrazo...la comunicación no verbal entre estos dos personajes, ambos extranjeros en Italia, aunque una lo sea más que el otro, es muy potente y auténtica. En ella, se sustenta toda la magia de esta sencilla y, a la vez, emotiva historia sobre la necesidad de comprensión entre oriente y occidente, entre dos culturas distintas, más allá de las diferencias culturales y generacionales. Una historia que nos habla de tú a tú de la importancia de la amistad, de la familia y del sentido de pertinencia a una comunidad, valores esenciales como individuos completos dentro de la sociedad.

Sensible, que no sensiblera, sin caer en la lágrima fácil, el espectador ha de hacer un esfuerzo por no emocionarse con estos dos seres solitarios en un mundo difícil, dos trabajadores que luchan día a día por llevar el pan a su mesa y por tratar de cumplir sus sueños, a menudo truncados por las circunstancias que los rodean. Hay soledad y tristeza, pero también magia y atisbos de esperanza en esta historia humana y universal, que hace que salgamos del cine un poco mejor personas de lo que entramos. Y es que uno se da cuenta de que la poesía es cada vez más necesaria en este mundo actual sin alma.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Bepi y Shun Li, el mundo necesita más poesía.

LA CREACIÓN DE UNA PAREJA A TU MEDIDA

Ruby Sparks, del matrimonio de realizadores de Pequeña Miss Sunshine (2006), Johnatan Dayton y Valerie Faris, es una comedia romántica atípica, pues explora los límites de la creación literaria y el poder de la imaginación a la hora de crear un amor a tu medida. 

Los protagonistas son otra pareja en la vida real, la formada por el actor Paul Dano (el adolescente silencioso de Little Miss Sunshine) y Zoe Kazan (nieta de Elia Kazan y guionista del film), eso se nota, pues hay gran complicidad y sintonía entre ellos. Quizás es lo mejor de una cinta, con un inspirado punto de partida, una idea brillante: cómo Calvin, un joven escritor de éxito, solitario y sin ningún amigo más que su propio hermano consigue crear un personaje femenino de ficción, la Ruby Sparks del título, tan fuerte que llega a convertirse en real. Y hasta ahí podemos explicar.

Con esta anécdota el film es una radiografía de las siempre complicadas relaciones de pareja, desmontando el tópico que la mujer o el hombre ideal no existe. Además de concluir que la felicidad no depende de los demás, sinó de la propia libertad individual.

Comienza como una comedia (con toques woodyallenianos) sobre todo en el personaje de Dano, pierde un poco el norte hacia la mitad del metraje -pues divaga en su concepto), se vuelve cada vez más amarga e incluso un punto siniestra para recuperar aire hacia el final (un final que no podía ser de otro modo, pero que no convencerá a todos).

Lo peor de la cinta es que sólo tiene chispa la pareja protagonista, pues hay un menor aprovechamiento de los personajes secundarios, con bastante escaso interés, incluso los divertidos hippies que interpretan Annette Benning y Antonio Banderas, se quedan en la mera anécdota y en la superficie, son planos y con poca profundidad ni cómica ni dramática. 

Sin ser tan redonda y perfecta como Little Miss Sunshine, la película se ve en muchos momentos con una sonrisa -aunque no siempre los gags funcionan-, sobre todo por el buen hacer de Dano y Kazan. Ella es la auténtica revelación del film, brillante, emotiva y luminosa,un prodigio de expresividad y emociones a flor de piel, a la que auguramos una carrera ascendente.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Ruby y Calvin, los altibajos de una pareja atípica.

NO ES UNA HISTORIA MÁS DE NAZIS

Cuatro años después de ser filmada, llega a las carteleras, Adam Resucitado, la nueva película de Paul Schrader (Desenfocado), con Willem Dafoe -de nuevo como uno de sus protagonistas- y un muy brillante Jeff Goldblum.

La trama gira alrededor del personaje de Adam (Goldblum) que, con la llegada del nazismo tiene que dejar su vida de actor y el teatro, yendo a parar a un campo de concentración en el que sufrirá toda clase de extrañas humillaciones por parte del Comandante Klein (Dafoe). 

La película es un drama ambientado en la época de los nazis, aunque en este sentido no es otra cinta más sobre el nazismo, sinó que se preocupa de recoger el estado emociomal y psicológico de un hombre que se ha visto radicalmente despojado de aquello que más quiere en este mundo y que ha sido sometido a todo tipo de vejaciones, patrones que luego recuperará él más tarde cuando intente recomponer su vida de nuevo.

Además, por algunas secuencias un tanto desagradables, la cinta puede echar un poco para atrás al espectador medio, especialmente al que se espere  ir a ver un drama convencional con el nazimo como telón de fondo.

Lo mejor es un Jeff Goldblum creíble e inspiradísimo, que se convierte en un ser extrañamente dotado con un "don", por llamarlo de algún modo (intentando no hacer ningún spoiler). Dafoe también vuelve a interpretar un personaje maquiavélico y lo hace de manera notable, como es habitual.

Así pues, una película no apta para espectadores más sensible, sinó para aquellos que estén aburridos de historias típicas y convencionales y quieran adentrarse en la parte más oscura del ser humano.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Adam y el Comandante Klein establecerán una relación bastante peculiar.

REVISIÓN DE UN CUENTO AMBIENTADO EN LA ESPAÑA CAÑÍ

Blancanieves, de Pablo Berger, ha sido la candidata escogida para representar a España en los Oscar. Ya el año pasado, una película muda y en blanco y negro por la que nadie apostaba se llevó el gato al agua consiguiendo Oscars y premios a su actor principal por allí donde pasaba.

¿Repetirá esta Blancanieves en B/N y muda, ambientada en la Sevilla de los toros y el flamenco de los años 20 la misma suerte? No lo sabemos. Lo que sí hemos apreciado la riqueza de sus imágenes, la belleza de su fotografía, la potencia de su trágica banda sonora, al ritmo del pesar de la triste historia de Carmencita, desde antes de salir del vientre de su madre hasta después de triunfar como torera junto a sus enanitos.

Las actrices están fabulosas: desde una Maribel Verdú como atractiva, arribista y ambiciosa Encarna, la madrastra de Carmen, Blancanieves, que parece nacida para este papel, hasta una Ángela Molina muy sentida y unas expresivas Sofía  Oria (como niña) y Macarena García (como la jovencita Blancanieves).Todas ellas están a puntito de caramelo para repartirse en distintas categorías el premio a la mejor actriz sea principal, secundaria o revelación, respectivamente (para las Blancanieves). 

Los referentes cinéfilas de Berger van desde La Pasión de Juana de Arco de Dreyer hasta Ciudadano Kane de Orson Welles, pasando por Rebeca de Hitchcock. Aunque todo ello bañado con sangre, sudor y lágrimas de la España más cañí, con sus toreros, plazas de toros, trajes de luces, flamenco, etc.

Las apariciones de los enanitos y de un gallo muy hermoso animan un poco esta tragedia griega en varios episodios: la triste historia de Carmencita convertida por obra y gracia del toreo en Blancanieves. También existen otras múltiples referencias en la trama, que son los cuentos, no sólo el de Blancanieves, con la protagonista, su malvada madrastra y los siete enanitos, sinó el de Pulgarcito o incluso el de la Bella Durmiente.

En definitiva, un cuento extraño y explicado a la antigua usanza que, a pesar de su innegable belleza, poderío visual y el excelente trabajo de todo el reparto, en especial de sus actrices, carece de algo esencial en toda tragedia: la falta de emoción. Lo siento, por lo menos, a mí no me ha conmovido como esperaba.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Maribel Verdú, nacida para ser la madrastra de Blancanieves.

EL DESPERTAR DE LOS SENTIDOS

El artista y la modelo, de Fernando Trueba, ha sido una de las tres películas españolas preseleccionadas para representar España en los próximos Oscar, y no nos extraña en absoluto. La película, en blanco y negro y hablada en francés, es un bello cuento sobre un viejo escultor (entrañable Jean Rochefort), cuya esposa contrata a una joven y bella modelo (estupenda Aida Folch) para que recobre la inspiración, todo ello ambientado en Francia durante la Segunda Guerra Mundial.

En palabras del propio Trueba en la rueda de prensa que ofreció en el Festival de San Sebastián el pasado lunes, "la película trata sobre un artista que sufre una profunda depresión y, gracias a un acontecimiento mágico, recobrará de nuevo la plenitud".Así pues, el director de Chico y Rita firma una de sus obras más evocadoras, elegantes y magnéticas de los últimos tiempos.

Gracias a la buena sintonía entre Jean Rochefort y Aida Folch transitamos con facilidad por todos los estados de ánimo que sienten sus personajes: de la confianza, a la desconfianza, en una relación que va mucho más allá de la de maestro-alumno, que no es obvia ni evidente, sinó que es rica en matices, en miradas, en silencios, en gestos y que, si no hubiese tenido diálogos, no hubiese importado, pues la comunicación no verbal es tan potente que casi se explica sin palabras. 

Además, la fotografía en blanco y negro, resulta luminosa y ayuda a realzar los contornos, al igual que la hermosa relación que se establece entre sus personajes. Y cabe decir que, aunque Aida Folch se pase más de la mitad del metraje desnuda, este desnudo no es nada sucio ni morboso, sinó, por el contrario, poético, delicado y absolutamente necesario para el desarrollo de la historia.

Así pues, la película trata sobre la belleza, el arte, la inspiración y, en definitiva, sobre aquellas pequeñas grandes cosas que pueden transformar toda una vida. Es preciosa y fascinante, sensible y emotiva (sin ser sensiblera ni facilona). Una absoluta delicia para el despertar de todos los sentidos. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Aida Folch, luminosa presencia.

LOS OBSTÁCULOS VITALES DEL HOMBRE CONTEMPORÁNEO

Una vida mejor (Une vie meillèure), de Cédric Kahn, es una realista película sobre un hombre y las dificultades que la vida pone en su camino. El protagonista es Yann (Guillaume Canet), un cocinero que conoce a una mujer libanesa, Nadia (Leila Bekthti-La fuente de las mujeres, Un profeta), que es madre soltera de Slimane, un niño de once años. Se enamoran y deciden comprarse una casa, emprender un negocio, pero todo comienza a torcerse cuando, agobiados por los créditos impagados y las deudas económicas, Nadia decide irse a trabajar a Montreal, dejando a Slimane con Yann. 

En un tono dramático y realista, la película nos cuenta el periplo vital de un personaje en el borde del abismo, volcado por amor, a una vida de penurias económicas y personales. El espectador se identifica fácilmente con este hombre joven, achuchado por la economía y por los problemas laborales y familiares, sufre con él, pensando en que nada le puede ir ya peor, pues su vida parece condenada al fracaso.

Sólo existen unos tímidos destellos de comedia hacia la mitad de la cinta, pero el film se ve con el corazón encogido, lo que no quiere decir que la cinta sea emotivamente facilona ni pretenda buscar la lágrima fácil en el espectador, sinó que la narración es sólida, los personajes muy creibles y el guión, sin fisuras.

Así pues, enmedio de tanta desolación, siempre quedará lugar para la esperanza...o no. Así pues, se trata de un contundente y realista drama social, para comprender los males que azotan al ciudadano de a pie en una gran ciudad, que no necesariamente tiene porque ser París, pues es una historia universal de un hombre que luchará contra viento y marea para aprender a ser padre, superar las circunstancias adversas y los obstáculos que la vida le interpone en su camino.Una historia muy apropiada en estos tiempos de crisis que corren.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Yann y su hijastro Slimane, condenados a entenderse.

CONFLICTO PALESTINO-ISRAELÍ: ¿ES POSIBLE UN ROMANCE?

Una botella en el mar de Gaza (Une bouiteille à la mer), de Thierry Binisti, es una bonita historia entre dos jóvenes, que nos pretende situar en el conflicto palestino-israelí a partir del año 2007.

Tal (Agathe Bonitzer) es una estudiante francesa que vive con sus padres en Israel y ve cómo es el día a día de terror en Tel-Aviv y decide tirar una botella al mar con un montón de preguntas en el aire. A 73 km vive Naim (Mahmud Shalaby), un joven palestino, que la encontrará y comenzará a chatear con ella sobre la situación que viven en Gaza y, a la vez, irá forjando su propio destino enmedio de tan adversas circunstancias políticas.

La trama nos quiere ofrecer los dos puntos de vista de un mismo conflicto: el de los israelís y el de los palestinos, intentando no tomar partido, aunque al final decante la balanza inevitablemente hacia una de las dos facciones.

La historia de amistad se ve algo dañada por el hecho de dónde vive cada uno y por a favor de quién toman partido, aunque la fuerza de los sentimientos y el ímpetu por decubrir más el uno del otro, irá transformando su relación en un incipiente romance a distancia, bastante imposible.

Aunque la película muestra el horror de la guerra y las diferencias entre la manera de vivir a un lado o al otro del conflicto, también explorala naturaleza de los sentimientos de dos jóvenes que sienten la fuerza del primer amor. Por ello, y a medida que avanza la historia, el espectador sufre, se identifica y se ve cada vez más atrapado por la espiral de acontecimientos que nos narra. El final, aunque con alguna concesión algo hollywoodiense, es un canto a la esperanza, a que, al final todo es posible si el esfuerzo individual y la suerte corren a favor de la persona.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Tal, una adolescente en Tel- Aviv en búsqueda de comprender aquello qué sucede.

MULTICULTURALIDAD, REFLEXIÓN Y TOLERANCIA

Sólo es el principio (Ce n´est qu´un début), de Pierre Barougier y Jean-Pierre Pozzi, es un documental que trata de la importancia de la educación y de la reflexión profunda desde la más tierna infancia.

Partiendo de unas clases de filosofía de una escuela francesa impartidas a niños de cuatro años, el documental es tan didáctico, como ameno, pues la profundidad y la reflexión no tienen porque estar reñidas con la parte lúdica y divertida de la existencia, sinó que ambos conceptos se complementan en este documental, como ocurre en la vida, en una simbiosis perfecta.

La vida y la muerte, qué es el amor y la amistad, la libertad, la pobreza, la igualdad, la religión y la política...Son temas universales de gran importancia que, desde el punto de vista de los más pequeños, toman un rumbo distinto. A menudo sus diálogos y pensamientos hacen sacar los colores a los mayores y los escuchamos con interés y una sonrisa perenne en los labios.

"El corazón está en la tripa"; "a los pobres no hay que darles nada, que se lo compren ellos"; "quiero a mi amiga, pero no estoy enamorada de ella", "los niños llevamos a un bebé dentro y los adultos llevan siempre a un niño dentro"...éstas y muchas otras reflexiones son, dentro del documental, pequeñas perlas a través de las cuáles los directores nos quieren dar entender la necesidad de transmitir los valores del diálogo, la tolerancia, la reflexión y la comprensión desde la escuela. Asimismo, los críos escogidos representan la multiculturalidad de Francia y, por ende, la de toda la Europa actual. Así pues, la cinta se erige como un canto a la unión entre las personas y los pueblos, por encima de las diferencias de raza y de individuo.

SONIA BARROSO.- 

Pie de foto: Alrededor de una vela, la profesora hará reflexionar a sus pequeños alumnos sobre las cuestiones esenciales de la vida.

CRÓNICA DE LOS MADRILES DE UNA ÉPOCA...

Holmes & Watson, Madrid Days es la última película de José Luís Garci. Parte de una idea original: ¿qué hubiese pasado si el míticos detectives británico y su fiel ayudante hubiesen estado en el Madrid de Benito Pérez Galdós e Isaac Albéniz tras las huellas de unos crímenes similares a los de Jack El Destripador?

No obstante, a Garci la investigación criminal le importa bien poco, sinó que se convierte en la excusa perfecta para retratar toda la sociedad de una época: desde las capas más altas hasta las putas de la calle, desde los grandes salones y embajadas hasta los espectáculos de varietés. Holmes (Gary Piquer) parece un hombre de la vida, de vuelta de todo, con una amante posesiva; y el Dr.Watson (José Luís García Pérez) es un seductor de los placeres de la vida, a la vez que fiel hombre casado de Mary Ann (Leticia Dolera). En Madrid conocerán no sólo a policías y forenses, a periodistas y a gente adinerada, sinó que les servirá para reposar, hacer un paréntesis en la madurez de sus existencias.

Los puntos fuertes de esta cinta son la recreación espectacular de la época, desde el vestuario hasta los detalles de mobiliario de los despachos y las casas. Garci describe con su cámara minuciosamente todos y cada uno de los rincones donde transitan los dos hombres. También la presencia, aunque breve,de las mujeres que pasan por sus vidas: Leticia Dolera, la esposa de Watson; Manuela Velasco, la joven que deslumbra a Watson en Madrid; Belén López, la amante de Holmes o Macarena Gómez, la novia del periodista Josico (Víctor Clavijo), ayudan a iluminar la escena.

No obstante, la película es demasiado lenta y con mucha anti-acción, con demasiadas notas costumbristas de color local, como para atraer la atención de los espectadores, sobre todo, de las generaciones más jóvenes. Aunque quizás la charla de estos dos personajes creados por Arthur Conan-Doyle sobre la vida, el amor, la libertad y las costumbres sirvan a las generaciones más mayores de espectadores. Desde nuestro punto de vista, la cinta es aburrida y contemplativa, no nos ha seducido. Necesitaba, como mínimo, alguna pincelada de humor para ser más llevadera.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Elemental, queridos detectives

PLANES VITALES TRUNCADOS

Todos tenemos un plan, de Ana Piterbarg, tiene su mayor reclamo en Viggo Mortensen con un doble papel interpretando a dos hermanos gemelos, Pedro y Agustín quienes, aparte del físico, no pueden ser más diferentes. Pedro está enfermo de cáncer, vive en el agreste Delta del Tigre y, aparte de ser apicultor, está metido en negocios turbios junto a su socio Adrián. Agustín lo tiene todo de cara (en apariencia), es pediatra, vive con su esposa (Soledad Villamil) en un bonito apartamento y van a adoptar a un bebé. No obstante, la repentina visita de Pedro hará que Agustín se replantee qué va a hacer con su vida, dándole un vuelco a su situación. Asi pues, la película nos cuenta la extraña historia de un muerto en vida y de un vivo que daría lo que fuese por ser el muerto.

La cinta transita entre el thriller y el drama personal, no obstante y muy a pesar de los esfuerzos de su reparto, comenzando por Mortensen y Villamil (ya inolvidable en El secreto de sus ojos, de Juan José Campanella), la película es, a menudo, lenta y contemplativa, le falta un poco de dinamismo. Además, cuesta de comprender las verdaderas motivaciones y las decisiones morales de Agustín y ello hace que no sintamos demasiada empatía con el protagonista, lo que le resta intensidad al relato.

No obstante, a medida que se desencadena el torbellino de acontecimientos, el espectador va intuyendo el final (el guión depara algunas sorpresas, pero pocas). La relación entre Agustín y Rosa "La Pichona" (Sofía Gala) carece de la tensión sexual necesaria entre sus dos personajes, a pesar de los esfuerzos de ambos actores. Sólo los momentos de thriller violento son un poco más conseguidos. 

Así pues, aunque parte de una premisa bastante interesante, la película deja abiertos algunos interrogantes, como es el caso de porqué Pedro va a buscar a su hermano o cómo es que Agustín se comporta de tal modo. En definitiva, una película correcta, pero no brillante; negra, pero no demasiado; dramática y sólo emotiva cuando el personaje de Soledad Villamil ilumina la escena. Nos esperábamos más, qué lástima.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Retorcido plan el de Agustín (Viggo Mortensen).

EL PRIMER AMOR

Zhang Yimou es uno de los directores más prestigiosos de su generación y desde que dirigió Sorgo rojo (1987) sus películas han obtenido el reconocimiento unánime de la crítica y del público. La primera etapa del cineasta se caracterizó sobre todo por sus sencillas y bonitas historias de amor ambientadas en el campo. Sus dramas eran minimalistas, pero a la vez muy dramáticos y emotivos, y con su estilo sencillo y lírico conseguió atrapar a los espectadores de todo el mundo. Película tras película llegó a ser uno de los directores más admirados y venerados de China. Después, siguiendo los pasos de Ang Lee y su éxitosa Tigre y Dragón (2000) se especializó en el género de las artes marciales y de aventura conocido como wu xia, y dirigió películas que llegaron a ser muy conocidas entre el público de Occidente como Hero(2002) y La Casa de las Dagas Voladoras (2004). Estas obras de extraordinaria belleza cautivaron a miles de espectadores. Y no sólo eso, ya que, el lirismo de sus imágenes y la cuidada y exquisita escenografía le valieron sendas nominaciones al Oscar. A lo largo de su dilatada trayectoria como cineasta ha demostrado que es capaz de asombrar a propios y extraños con diferentes estilos y propuestas, pero al final siempre ha conseguido el respeto y la admiración que se merece un gran autor como él.

Amor bajo el espino blanco(2010), su última película que acaba de estrenarse en nuestro país es una bonita historia de amor ambientada en los años de la Revolución Cultural, que sin duda alguna fascinará a los más nostálgicos seguidores de Yimou. Amor bajo el espino blanco supone su regreso triunfal al cine más intimista y emotivo que le dio a conocer mundialmente. Se trata de una historia de amor pura e incondicional que enamorará a más de uno. Su sencillez y honestidad son admirables y los pequeños detalles la convertirán en la inolvidable historia de amor de Sun y Jing. Se puede decir que es una de las más bellas películas que ha dirigido Zhang Yimou. Sin embargo, algunos pensarán que es demasiado idílica, pero el relato que se nos quiere contar transcurre en los años 70 y se trata del primer amor de los jóvenes protagonistas. Por otro lado, al autor no le interesa lo más mínimo hacer una completa radiografía de aquella época, prefiere centrar su mirada en la historia de amor, que es lo que verdaderamente importa. Pero eso no significa que no tenga una opinión acerca de la Revolución Cultural que le tocó vivir en su juventud y ,por ello, no necesita consultar ningún libro de historia para saber lo que pasó. En vez de hacer propaganda como lo hacían los comunistas prefiere mostrar sutilmente las incongruencias del partido.

La actuación de la jovencísima actriz Zhou Dongyu es realmente extraordinaria y su inocencia y su timidez llegan al alma; está claro que no tiene nada que envidiar al Zhang Ziyi de El camino a casa (1999). Por ello, no es de extrañar que obtuviera el premio a la mejor actriz en la Seminci de Valladolid. Estamos seguros de que Zhou Dongyu se convertirá en una gran actriz en un futuro no muy lejano. Su carrera es prometedora. La dulzura y la ternura de Jing y la determinación y la bondad de Sun (Shawn Dou) harán las delicias de todo espectador que esté dispuesto a dejarse llevar. Resumiendo, estamos ante una una maravillosa y emotiva película que merece la pena descubrir. Una magnífica y deliciosa obra hecha por un amante incondicional del cine.

BEÑAT EIZAGIRRE INDO.-

Pie de foto: Los debutantes Zhou Donyu y Shawn Dou vivirán una hermosa historia de amor.

AMIGOS, AMORES, HERMANOS...

El amigo de mi hermana es la nueva película de Lynn Shelton, directora independiente que cogió cierta notoriedad con Humpday, protagonizada también por Mark Duplass. En esta ocasión, vuelve sobre una historia de emociones y sentimientos familiares, que cautivó en los festivales de Toronto, Tribeca y Sundance.

Jack (Mark Duplass) no ha pasado un buen año y, tras la muerte de su hermano, aún no se ha recuperado ni se siente con fuerzas para retomar de nuevo las riendas de su vida. Su mejor amiga Iris (Emily Blunt) -quien es la ex de su hermano- le propone un fin de semana solo en su casa en las montañas para encontrarse a sí mismo. Pero cuando llega allí está Hannah, la hermana de Iris (Rosemarie Dewitt), quien está viviendo una ruptura sentimental difícil. Al día siguiente aparece Iris dispuesta a darle una sorpresa a Jack, pero las relaciones entre hermanas y él estarán en la cuerda floja por una situación del todo comprometida...

La película cabalga entre el drama familiar y la comedia romántica, alejándose de las típicas y tópicas rom-com hollywoodienses al plantear un guión inteligente -obra de su protagonista masculino, Mark Duplass-, con unos diálogos creíbles en situaciones un tanto extrañas, pero que podrían ser posibles. El amigo de mi hermana (Your sister´s sister) podría recordar a Secretos y Mentiras, aunque su tono es más jovial y desenfadado, más melancólico y menos dramático, a pesar del drama vital de los personajes principales.

El trío de actores protagonista están muy metidos en sus papeles y consiguen hacernos la historia atractiva y emocionante, patética y divertida, como si hubiésemos entrado en un pedacito de sus vidas reales, auténticas, tristes y alegres, según su estado de ánimo y las circunstancias personales. La cinta define muy bien la fina línea que separa la amistad del el amor y el valor de los lazos familiares -la unión indisolubre entre [e-mail] ello regado con una banda sonora de melancólicos temas del nuevo folk americano, tales como Band of Horses y Fleet Foxes.

Así pues, la película se sigue con interés hasta el final, el cual no está a la altura del resto de la cinta, lamentablemente. No obstante, a pesar de ello, es una muy buena propuesta que nos dejará con un buen sabor de boca y con muchos temas en el aire para reflexionar un buen rato.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Iris y Hanna, dos hermanas en búsqueda de ellas mismas en plena naturaleza.

DESPIADADOS CAZATALENTOS

Headhunters, del noruego Morten Tyldum, es la adaptación cinematográfica de la novela negra de Jo Nesbo, que lleva el mismo título Hodejegerne (Headhunters).

Nos cuenta la historia de Roger Brown (creíble Aksel Hennie, un "pobre diablo" que despierta simpatía en el espectador), un ejecutivo de RRHH que tiene que robar obras de arte para poder mantener su tren de vida: su casa y coche preciosos y contentar a su bellísima mujer (Synnove Macody Lund). Hasta que un día se cruza en su camino otro ejecutivo de distinto pelaje, Clas Greve (Nicolaj Coster-Wandau, -Jaime Lannister, divertido villano de Juego de Tronos-). Sólo el punto de partida nos recuerda a la sueca Snabba Cash (Easy Money), por lo que se refiere a la ambición de su protagonista.

La presentación de la trama y de sus personajes es reflexiva, con toques de drama familiar.Luego la acción se desata y la violencia resulta sucia, excesiva, rozando el gore; con toques de comedia negrísima (incluso de escatología en una escena memorable en un granero). Hay influencias del thriller convencional hollywoodiense, de no ser por la explicitez de su violencia, las vueltas de tuerca de su trama y el original planteamiento de algunas de sus escenas. 

La banda sonora es potente y ayuda al desarrollo de una trama de cine negro, donde se mezclan negocios sucios, obras de arte, el arribista y despiadadísimo mundo de los altos ejecutivos e incluso amoríos y líos de faldas. El guión es un tanto tramposo y tiene varios agujeros.Aunque la mezcla de temas -más o menos conexos- constituye una película en varios tiempos, relajado-sofisticado y frenético-descenso a los infiernos, que se complementan y hacen de ella un cóctel atractivo, estimulante y mucho más digerible que muchos subproductos de acción y suspense.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Diana, Clas y Roger: mucho más que un triángulo.

SAMURAIS CREPUSCULARES

De la misma manera que aquí y en la tierra del sol naciente cada primavera florece el almendro,cada año nos llegan desde esas tierras la película de samurais de la temporada. Hara-Kiri del reputadísimo Takashi Miike no muestra nada que no se haya visto antes en otras cintas de éste género, ya sea en 13 Asesinos (del mismo Miike) o en la injustamente olvidada Hidden Blade, de Yôji Yamada. En esta propuesta, también hay elementos de cintas asiáticas como la china Vivir, de Zhang Yimou.

La historia se plantea conceptualmente similar a un western crepuscular: A mediados ya del SXVIII, con un Japón ya pacificado, la noble casta de los guerreros samurai había entrado en decadencia. En este contexto se sitúa la historia de una familia liderada por Kageyu, interpretado por el siempre solvente Kôji Yakusho, quien nos narra una preciosa historia de honor, amor y dignidad.

  

El ritmo de la cinta es, en ocasiones, demasiado lento. El punto bueno de este aspecto es que da tiempo a relajarse de la historia y recrear la vista en una muy conseguida puesta en escena así como en la fotografía. Ésta es simplemente preciosa. Los elementos icónicos del Japón feudal del Shogun se representan con maestría. A ello se ha de unir una banda sonora a cargo de Ryûichi Sakamoto quien se encarga de unos bellos acordes étnicos que van del minimalistas a la sinfonía. Hay escenas amargas, de aquellas de taparse los ojos, pero no son gratuitas puesto que reflejan aspectos fundamentales de la historia.

  

Hara-Kiri es recomendable para devotos de historias del lejano oriente o para quien quiera iniciarse en un tipo de cine diferente al que se crea en nuestras latitudes.

DAVID PALOMAR.-

Pie de foto: Padre e hijo harán frente a la adversidad en sus vidas.

PROMETHEUS: VUELTA A LOS ORÍGENES

Mucho se ha hablado ya de Prometheus, de Ridley Scott, sobre todo para compararla con su ilustre antecesora, Alien, de la cual esta nueva película es su precuela, es decir, nos pretende explicar el origen de la historia.

Si que es cierto que Prometheus es Alien: el octavo pasajero (1979) aunque, siendo su mismo director, Ridley Scott, también es Blade Runner. Así pues, esta nueva película tendría una 75% de Blade Runner y sólo un 25% de Alien.

El horror no está tan presente como en Alien, sinó que la cinta es más una historia de acción y ciencia ficción con muchos toques existencialistas. Estos toques vienen dados por uno de los personajes principales, el del androide David, interpretado con maestría por el cada vez más imprescindible Michael Fassbender. Las ansías de este robot no están tan alejadas de las que tenía Haley Joey Osment en Inteligencia Artificial de Spielberg, pero sí tienen un aspecto más oscuro y siniestro -que no desvelaremos-.

Así pues, Prometheus deja en el aire más interrogantes que temas cerrados, entre los cuáles: el eterno conflicto entre ciencia y fe, el anhelo por descubrir los orígenes de la especie humana y el deseo de todo robot de sentir como una persona, además de muchas otras cuestiones que esperamos que descubráis al ver la película.

La teniente Ripley de Alien ha encontrado una digna sucesora en la arqueóloga Elisabeth Shaw, interpretada por Noomi Rapace. La actriz sueca que saltó a la fama con la trilogía Millenium convence en su papel, al igual que su jefa en la película, Meredith Vickers, encarnada por la imparable y atractiva Charlize Theron. Este trío protagonista ayuda mucho a que el film se siga con mayor interés.

Para los amantes del horror y terror, diremos que no es tan terrorífica como alien, ni tampoco posee una acción tan trepidante -que se reserva a la parte final-.

Scott se ha homenajeado a sí mismo en sus trabajos citados anteriormente y, por ello, los fans de la saga Alien y de Blade Runner deberían sentirse satisfechos con el resultado. Pero los que pedían algo más novedoso, rompedor o elaborado, quizás se sientan con Prometheus algo más decepcionados. Es una buena película de sci-fi, siempre que no se le exija la creación de un nuevo universo. Sus referentes dejaron, para bien o para mal, el pabellón demasiado alto.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Elisabeth y el androide David tendrán una relación muy espacial y especial.

LA FAMILIA UNIDA...

Le Skylab ganó el Premio del Jurado en la pasada edición del Festival de San Sebastián. La película de la actriz Julie Delpy, quien también aparece en la película, narra el reencuentro familiar estival en los años 70, a propósito de la celebración de cumpleaños de la abuela.

Delpy aprovecha en este día de celebración para poner en la palestra la fragilidad de las relaciones humanas y especialmente familiares, a partir de una gran familia francesa de clase media. En esta reunión, en principio feliz, alegre y festiva, saldrán a relucir algunas rencillas políticas y personales entre sus miembros, especialemente entre la generación de los padres (entre 40 y 50 años).

Mientras que el papel de las abuelas será el más conciliador y el del abuelo Humbert (Albert Delpy, padre de Julie Delpy), el más tierno y vulnerable. En cambio, los niños, especialmente la protagonista, Albertine, la narradora de los acontecimientos y sus primos, se iniciarán en el descubrimiento de la vida, de los primeros amores, etc. 

La película contiene ecos de otras cintas francesas contemporáneas recientes, tales como Las horas del verano, de Olivier Assayas, que tenía lugar durante una reunión familiar o Pequeñas Mentiras sin importancia, de Guillaume Canet, donde un grupo de amigos pasaban juntos unas vacaciones estivales. Incluso, la parte del retrato del paso de la infancia a la adolescencia, nos recuerda a Stella, de Sylvie Verhayde (sobre todo la época -los 70´s- y las escenas del guateque de los más jovencitos).

Cabe destacar su gran elenco de actores de varias generaciones: desde Emmanuelle Riva (protagonista deAmour, de Haneke) hasta Lou Alvárez (Albertine) o Vincent Lacoste (el primo Christian) pasando por los padres y tíos, encarnados por Julie Delpy, Eric Elmosnino (Gainsbourg) o Aure Atika (De latir mi corazón se ha parado), entre otros.

Desde nuestro punto de vista, Delpy ha construido una buena película, distrae y se deja ver sin dificultad -aunque su metraje de casi dos horas lastra un poco el ritmo de todo el conjunto en algunos momentos-. No obstante, sólo hay chispas de emoción verdadera en algunos contados instantes y, por ello, no es tan efectiva como las películas antes mencionadas. Eso sí, se trata de una interesante propuesta para entender el siempre complicado universo de la instutución familiar con un mensaje muy claro.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: La gran familia de Albertine esconde muchas alegrías, rencillas y secretos.