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KÖNIG, AMANTE DE LA VIDA EN LIBERTAD

KÖNIG, AMANTE DE LA VIDA EN LIBERTAD

Ralf König, rey de los cómics,de Rosa Von Prauheim, es el documental que nos acerca a la figura del dibujante de cómics gay König, autor de tiras cómicas como El hombre deseado, Lisístrata, Conrad & Paul o Huevos de Toro. 

La cinta es una aproximación a su biografía y a su mundo. En ésta descubrimos el despertar de la sexualidad del autor, sus amores, sus amigos, su manera de trabajar, etc. Intercalando retazos de su vida, opiniones personales con la visita de un fan a su casa o la divertida lectura de fragmentos de sus obras ante un auditorio lleno y entregado en su Alemania natal. 

Además, nos ofrece sus puntos de vista sobre la libertad, de expresión, la sexualidad, el SIDA, la censura religiosa o moral (movimiento antipapa o la polémica sobre las caricaturas de Mahoma), de manera amena y distendida.

Sí que es cierto que quizás, al ser una temática homosexual puede interesar más a un tipo de público que a otro. No obstante, descubrimos a lo largo del documental que muchos de sus seguidores son también heterosexuales. Su obra pretende romper tabúes en relación a los gays, de una forma divertida y desacomplejada.

El director queda retratado como un amante de la vida y de la libertad del individuo por encima de todo tipo de perjuicios. Por ello, el documental interesará a todos aquellos que no se ponen barreras a la hora de disfrutar del arte, del cómic y de la vida, en general.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: König, dibujante de cómics sin prejuicios.

EN BÚSQUEDA DE UN LUGAR EN EL MUNDO

EN BÚSQUEDA DE UN LUGAR EN EL MUNDO

Submarine, de Richard Ayoade, un joven realizador inglés que proviene del mundo de la televisión y que debuta en el cine con la melancólica historia en varios tiempos de Oliver Tate (Craig Roberts), un adolescente que busca su lugar en el mundo mientras se enamora por primera vez de Jordana Bevan (Yasmin Page) y la relación entre sus padres (Sally Hawkins y Noah Taylor) se desmorona con la aparición de Graham Purvis (Paddy Condisine), un excéntrico ex-novio de su madre.

Con referencias a Los 400 golpes de Truffaut y al cine de Wes Anderson e incluso de Woody Allen, la película destila originalidad y sentido de la imaginación en la manera de estar estructurada y narrada. En todo momento se produce una identificación con el protagonista o con alguno de los tristes personajes que aparecen: la novia avispada, con problemas familiares y necesidad de que la quieran; la madre resignada con su vida; el padre depresivo, etc, lo cuál es un acierto. Además, hay referencias al siempre complejo tema de cómo forjar la propia identidad, mientras uno esquiva las bromas pesadas y el bullying de los crueles compañeros de clase.

La película se ve con interés, no se decanta ni por la comedia romántica ni por el drama familar, aunque hay elementos de ambos subgéneros, sinó que más bien transita dentro de un estado de melancolía permanente muy adecuada para explicar las insatisfacciones propias de la adolescencia. Recomendada para todos aquellos que no saben cómo encajar en el mundo y que van a la búsqueda de la madurez necesaria para tratar de comprenderse a sí mismos.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Oliver y Jordana, ¿el amor vencerá las dificultades?

FACES CUMPLIMOS 6 AÑOS

FACES CUMPLIMOS 6 AÑOS

Hoy en Facesonthebox estamos de aniversario.El 25 de octubre de 2006 empezamos esta aventura cinematográfica hecha por David y yo, dos amantes del cine. Ha llovido mucho desde aquellos artículos de pocas líneas, hechas con inocencia e ilusión a partes iguales. Hemos crecido con el Faces y nuestros gustos se han hecho más adultos, nos hemos vuelto cada vez más exigentes, pero seguimos con la misma ilusión y con tanta o más pasión que al principio. 

Seis años después, hoy es un día para daros las gracias. En primer lugar a David, porque le quiero. Todo lo que me ha animado y aguantado desde el primer día y que aún continua, es digno de admiración. Luego a nuestros tres colaboradores: a José Ramón, que se ha aventurado este año a ir acreditado al Festival de Sitges y a Jorge y Beñat, los dos periodistas que nos ayudan desde el País Vasco a que este Faces (como decimos cariñosamente) sea cada día un poquito mejor. 

Además, no quiero olvidarme de mis colegas y amigos en publicaciones hermanas a la nuestra: a Isa, Yolanda y David, de La Finestra Digital, por lo que nos habéis orientado y ayudado.Y más recientemente, a otros cinéfilos con los que compartimos la misma ilusión: Alain, Mar y Ale, de Cinema Lights y a Marc y Noemí, de La Última Projecció.

Asimismo, reconocer a todos los compañeros de las distribuidoras de cine, tanto las majors como las independientes, por la gran faena que hacéis y cómo nos facilitáis la vida y el trabajo. Muy especialmente agradecidos a los compañeros de Cines Renoir y de Cines Verdi, Àngels e Iván, por vuestra calidad humana y profesional. Asimismo, estamos muy contentos de haber podido asistir acreditados a dos ediciones del festival de San Sebastián y a tres del Festival de Sitges. Además de haber ido en una ocasión al lamentablemente desaparecido Fecinema de Manresa y al Zoom de Igualada.

Por otra parte, muchas gracias a todos los amigos que nos seguís desde las redes sociales, tanto en España, como en Europa, Latinoamérica y EEUU. 

Sin todos y cada uno de vosostros, este sueño cinéfilo no hubiese sido posible. Esperamos seguir volando juntos y compartiendo pequeños grandes momentos de celuloide. Y sobre todo, muchas gracias por vuestro amor al buen cine!!!

SONIA BARROSO.-

ARGO FUCK YOURSELF!

ARGO FUCK YOURSELF!

Argo es la nueva película de Ben Affleck, tras su excelente debut en el thriller dramático Adiós, pequeña, adiós y la notable película de ladrones, The Town. En esta ocasión, con Argo, Affleck alcanza la madurez como director, filmando una de las historias reales más increíbles de los últimos tiempos.

El director bostoniano abandona su ciudad natal (en la cuál había ambientado sus dos anteriores cintas) para explicar un suceso histórico y real: durante en la crisis de los rehenes de 1979 en Teherán un grupo de estadounidenses fue retenido durante un asalto de rebeldes iraníes a la Embajada de EEUU, seis de ellos consigueron refugiarse en la casa del embajador de Canadá, sin posibilidad de salir del país. Entonces Tony Méndez (Affleck), un agente de la CIA, ideó un plan para sacarles: simular el rodaje de una película de ciencia ficción llamada Argo. Y hasta ahí podemos contar para no desvelar más claves de su argumento. Es mejor desconocer la trama para disfrutar mejor de la película, aunque no es condición indispensable para ello.

La película es un excelente thriller político-histórico, que va más allá de los hechos reales para, con toques de comedia, en la que tienen mucho que ver el genial tándem formado por John Goodman (que interpreta a un maquillador de cine) y Alan Arkin (uno de los productores de la fictícia película) explicar una historia absolutamente marciana, pero muy real, que tuvo en vilo a los servicios de inteligencia norteamericana y a todo un país en 1980. Además, el cast es impresionante, también destacan dos de los secundarios más trabajadores del cine actual: Bryan Cranston (Drive, El profesor) y Scoot McNairy (Mátalos suavemente y próximamente en Twelve Years a Slave, de Steve McQueen), entre otros.

La simulación de la "falsa película" (cine dentro del cine) le permite a Affleck hacer una crítica del mundo del séptimo arte en Hollywood, en este punto, asistimos a algunos de los diálogos más divertidos e ingeniosos del relato.

Una trama en todo momento apasionante, gracias al buen pulso y ritmo narrativo que le imprime un Affleck que ya juega en otra liga. Los momentos de tensión en la visita del equipo de cine al Bazar de Teherán o la secuencia del aeropuerto son de una maestría y de una perfección absolutas. Me rindo ante Ben Affleck como director.

No es muy difícil de preveer que la película va a ser todo un éxito y que va a conseguir ponerse a crítica y público en el bolsillo. Automáticamente se va a convertir, por méritos propios, en un clásico contemporáneo. Además, con aroma de Oscar (y de muchos otros premios). Sería un crimen perdérsela. Argoderse todos!

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Preparando la falsa Argo.

UNA HISTORIA PARA SENTIRSE MEJOR PERSONA EN EL MUNDO

UNA HISTORIA PARA SENTIRSE MEJOR PERSONA EN EL MUNDO

La pequeña Venecia (Shun Li y El poeta), de Andrea Segre, es el debut en una película de ficción de este realizador que proviene del mundo del documental. Y lo hace con una historia sencilla, humana y conmovedora.

Shun Li (Tao Zhao -Naturaleza Muerta-) es una trabajadora china en Italia, primero hace de costurera en un taller de Roma y, posteriormente, es trasladada a Chioggia, un pueblo de pescadores de la Laguna de Venecia. Allí entablará una relación de amistad con uno de los viejos lobos de mar del lugar, Bepi (Rade Serberzija), yugoslavo de origen, pero italiano de adopción, con el que compartirán un pedacito de sus vidas, de sus anhelos, de sus esperanzas...

Es hermoso comprobar como, a menudo, es más importante lo que se intuye, que lo que se ve claramente, una mirada, un gesto de complicidad, un abrazo...la comunicación no verbal entre estos dos personajes, ambos extranjeros en Italia, aunque una lo sea más que el otro, es muy potente y auténtica. En ella, se sustenta toda la magia de esta sencilla y, a la vez, emotiva historia sobre la necesidad de comprensión entre oriente y occidente, entre dos culturas distintas, más allá de las diferencias culturales y generacionales. Una historia que nos habla de tú a tú de la importancia de la amistad, de la familia y del sentido de pertinencia a una comunidad, valores esenciales como individuos completos dentro de la sociedad.

Sensible, que no sensiblera, sin caer en la lágrima fácil, el espectador ha de hacer un esfuerzo por no emocionarse con estos dos seres solitarios en un mundo difícil, dos trabajadores que luchan día a día por llevar el pan a su mesa y por tratar de cumplir sus sueños, a menudo truncados por las circunstancias que los rodean. Hay soledad y tristeza, pero también magia y atisbos de esperanza en esta historia humana y universal, que hace que salgamos del cine un poco mejor personas de lo que entramos. Y es que uno se da cuenta de que la poesía es cada vez más necesaria en este mundo actual sin alma.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Bepi y Shun Li, el mundo necesita más poesía.

GIBSON EN LA CÁRCEL

GIBSON EN LA CÁRCEL

Vacaciones en el infierno, de Adam Grunberg, es un thriller carcelario de acción que tiene a Mel Gibson como gran reclamo del reparto, bien arropado por secundarios de lujo, como Daniel Giménez Cacho, Jesús Ochoa, Peter Stormare y Kevin Hernández, el niño.

La trama comienza cuando Driver (Gibson) huye de EEUU y pasa la frontera mexicana, donde es apresado por unos policías corruptos y va a la cárcel. Allí se encontrará con un submundo, capitaeado por "El pueblito", en el que tendrá que acatar unas reglas si quiere sobrevivir, así como recuperar todo su dinero.

Con este sencillo argumento, la película se inscribe en su mayor parte en el género del thriller carcelario con toques de drama bastante previsibles -sólo hay que ver qué ocurre cuando el capo requiere de un hígado y quién es compatible-. La gran virtud de la cinta es que la hora y media que dura transcurre rápida, pues es dinámica y entretenida, pero sus temas ya están tan mil y una veces vistos, que no aporta nada de nuevo ni de diferencial.

Las interpretaciones son correctas, sin ser sobresalientes. No hay nada nuevo bajo la superfície, pues la película no ahonda mucho en la radiografía pscológica de sus personajes ni elabora una trama nada original, simplemente sigue los patrones del género de acción y carcelario para vertebrar una película distraída, pero nada memorable. Ni Gibson ni Grunberg, autores del guión, se han esmerado demasiado para hacer una película para recordar, simplemente sirve para pasar el rato. Y sólo nos queda preguntarnos si en manos de Gibson como director, la cinta hubiese mejorado un poco, o no.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Mel Gibson y el niño, ¿relación paterno-filial?

SIGUIENDO LAS HUELLAS DE MARY SHELLEY

SIGUIENDO LAS HUELLAS DE MARY SHELLEY

Se rumorea, todavía hoy en día, que a Mary Shelley le persiguió toda su vida su personaje más conocido Frankenstein; tal vez eso mismo le ocurre al cineasta Tim Burton con su Frankenweenie que es un homenaje al prometeo moderno, ahora está en cartelera la segunda versión que rueda sobre su original visión del monstruo que aterrorizaba a su autora.

La primera presentación de Frankenweenie fue en 1984 en un corto, con actores reales, de 25 minutos de duración; básicamente está primera retrospectiva de su creador es sencilla de contar, trata de la historia del amor de un niño por su perro; con estos ingredientes el cineasta se adentra en el mito de Frankenstein humanizándolo para que se acerque al público más infantil; pero va más allá porque nunca deja de lado al personaje verdadero haciendo guiños que recuerdan a la criatura clásica.

Han tenido que pasar más de dos décadas para que volvamos a mirar con ojos completamente nuevos esta tierna historia; si comparamos las dos versiones nos damos cuenta que la última, (que está en cartelera), al durar más 87 minutos, Tim Burton se ha atrevido a completarla, aquí conocemos mejor a los amigos de Víctor (el niño), a los vecinos, a los padres y a los profesores haciendo más rico el argumento.

En el aspecto técnico está obra de animación es en blanco y negro para dar más realismo y resolver las carencias que le faltaban a la primera versión más reducida y humilde pero su mayor logro estético es como se han grabado los movimientos de los personajes toma por toma (stop-motion) para dar algo de inquietud a los espectadores en sus asientos; nada en está película está hecho al azar porque todo parece pensado y medido, la oscuridad de la fotografía, los gestos, las miradas, hasta los rasgos de cada uno de los individuos que están en el filme…

Tim Burton se ha atrevido también a incorporar parte del universo del terror haciendo un merecido homenaje al género con: La momia, Nosferatu…que los vemos fuera de su propio espacio como excusándose por estar invadiendo a ese pequeño Víctor Frankenstein y a su perro Sparky.

Hay muchas razones para ir al cine a ver Frankenweenie (2012) la más importante es que recupera y moderniza a un clásico de la literatura romántica Frankenstein haciéndolo más nuestro y es también un canto a la ciencia, pero si estas opciones no son suficientes para sacar la entrada siempre os queda una más visual y más de nuestro tiempo el 3D.

Para concluir diré que la historia de Frankenstein ha pasado de padres a hijos prácticamente sin pedir permiso… (se han hecho muchas versiones cinematográficas y teatrales) que han contribuido a no olvidar al prometeo moderno de Mary Shelley y este Frankenweenie ha puesto su granito de arena para que las nuevas generaciones no vean como un desconocido al monstruo que aterrorizaba a su escritora.

JORGE GIRBAU BUSTOS.-

Pie de foto: Tim Burton ha modernizado su Frankenweenie.

LA CREACIÓN DE UNA PAREJA A TU MEDIDA

LA CREACIÓN DE UNA PAREJA A TU MEDIDA

Ruby Sparks, del matrimonio de realizadores de Pequeña Miss Sunshine (2006), Johnatan Dayton y Valerie Faris, es una comedia romántica atípica, pues explora los límites de la creación literaria y el poder de la imaginación a la hora de crear un amor a tu medida. 

Los protagonistas son otra pareja en la vida real, la formada por el actor Paul Dano (el adolescente silencioso de Little Miss Sunshine) y Zoe Kazan (nieta de Elia Kazan y guionista del film), eso se nota, pues hay gran complicidad y sintonía entre ellos. Quizás es lo mejor de una cinta, con un inspirado punto de partida, una idea brillante: cómo Calvin, un joven escritor de éxito, solitario y sin ningún amigo más que su propio hermano consigue crear un personaje femenino de ficción, la Ruby Sparks del título, tan fuerte que llega a convertirse en real. Y hasta ahí podemos explicar.

Con esta anécdota el film es una radiografía de las siempre complicadas relaciones de pareja, desmontando el tópico que la mujer o el hombre ideal no existe. Además de concluir que la felicidad no depende de los demás, sinó de la propia libertad individual.

Comienza como una comedia (con toques woodyallenianos) sobre todo en el personaje de Dano, pierde un poco el norte hacia la mitad del metraje -pues divaga en su concepto), se vuelve cada vez más amarga e incluso un punto siniestra para recuperar aire hacia el final (un final que no podía ser de otro modo, pero que no convencerá a todos).

Lo peor de la cinta es que sólo tiene chispa la pareja protagonista, pues hay un menor aprovechamiento de los personajes secundarios, con bastante escaso interés, incluso los divertidos hippies que interpretan Annette Benning y Antonio Banderas, se quedan en la mera anécdota y en la superficie, son planos y con poca profundidad ni cómica ni dramática. 

Sin ser tan redonda y perfecta como Little Miss Sunshine, la película se ve en muchos momentos con una sonrisa -aunque no siempre los gags funcionan-, sobre todo por el buen hacer de Dano y Kazan. Ella es la auténtica revelación del film, brillante, emotiva y luminosa,un prodigio de expresividad y emociones a flor de piel, a la que auguramos una carrera ascendente.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Ruby y Calvin, los altibajos de una pareja atípica.

¿EN COMEDIA TODO VALE?

¿EN COMEDIA TODO VALE?

En campaña todo vale, de Jay Roach, artífice de Los padres de él, Los padres de ella y Austin Powers, vuelve a ser una comedia centrada en una particular contienda electoral: la que tienen el demócrata Cam Brady (Will Ferrell) y un trabajador del centro de Turismo, Marty Huggins (Zach Galifianakis) por el Estado de Carolina del Norte.

La película se centra en la relación y las disputas entre ambos candidatos, con un mensaje claro: el respaldo fuerte de una multinacional puede ser de gran ayuda. Los dos actores, forjados en el mundo de la comedia, pues Ferrell ha destacado en series de televisión como Padre de Familia o paroidas como Zoolander y Galifianakais es uno de los puntales de la saga Resacón en Las Vegas, son esenciales para que la trama funcione. Sí que es cierto que no todos los gags son excelentes ni desternillantes, pero si que hay un buen nivel de comedia, divertida, ágil y dinámica, que hace que su hora y media escasa se pase en un suspiro. 

Nos encontramos varios subgéneros de comedia dentro de la cinta: desde la comedia de situación hasta la familiar, pasando por la comedia más gamberra y escatológica o la ácida sátira del mundo de la política norteamericana.

El reparto, aparte de los dos actores citados, que son los que llevan el peso de la función, se completa con otros grandes nombres de la comedia, como Jason Sudeikis (Cómo acabar con tu jefe), Dan Aykroyd (inolvidable en Los Cazafantasmas) o todo-terrenos, como Brian Cox (secundario en la Saga Bourne) y John Lighgow (El origen del planeta de los simios). 

No es una comedia política redonda, pero sí que, cuando termina, tienes la sensacion de haber visto una película más notable y por encima de la media de este tipo de productos, aunque en ésta no se expriman al máximo todas las situaciones de su argumento.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Una campaña electoral muy reñida y que promete muchas risas.

NO ES UNA HISTORIA MÁS DE NAZIS

NO ES UNA HISTORIA MÁS DE NAZIS

Cuatro años después de ser filmada, llega a las carteleras, Adam Resucitado, la nueva película de Paul Schrader (Desenfocado), con Willem Dafoe -de nuevo como uno de sus protagonistas- y un muy brillante Jeff Goldblum.

La trama gira alrededor del personaje de Adam (Goldblum) que, con la llegada del nazismo tiene que dejar su vida de actor y el teatro, yendo a parar a un campo de concentración en el que sufrirá toda clase de extrañas humillaciones por parte del Comandante Klein (Dafoe). 

La película es un drama ambientado en la época de los nazis, aunque en este sentido no es otra cinta más sobre el nazismo, sinó que se preocupa de recoger el estado emociomal y psicológico de un hombre que se ha visto radicalmente despojado de aquello que más quiere en este mundo y que ha sido sometido a todo tipo de vejaciones, patrones que luego recuperará él más tarde cuando intente recomponer su vida de nuevo.

Además, por algunas secuencias un tanto desagradables, la cinta puede echar un poco para atrás al espectador medio, especialmente al que se espere  ir a ver un drama convencional con el nazimo como telón de fondo.

Lo mejor es un Jeff Goldblum creíble e inspiradísimo, que se convierte en un ser extrañamente dotado con un "don", por llamarlo de algún modo (intentando no hacer ningún spoiler). Dafoe también vuelve a interpretar un personaje maquiavélico y lo hace de manera notable, como es habitual.

Así pues, una película no apta para espectadores más sensible, sinó para aquellos que estén aburridos de historias típicas y convencionales y quieran adentrarse en la parte más oscura del ser humano.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Adam y el Comandante Klein establecerán una relación bastante peculiar.

¿ATRACO PERFECTO?

¿ATRACO PERFECTO?

¡Atraco!, de Eduard Cortés parte de un suceso real: el atraco de dos delincuentes uruguayos en la película (chilenos en la vida real) a una joyería de Madrid en el año 1956 para robar las joyas de Evita Perón, para evitar que las compre Carmen Polo, esposa del general Franco. La película fue presentada en la 60ª edición del Festival de San Sebastián.

A partir de ahí, la historia transita muy libre y equilibradamente entre la comedia de situación, con toques negrísimos y el thriller. Ayudado por un sólido y compacto reparto de actores sudamericanos, entre los que destacan el elegante savoir faire de Guillermo Francella, Daniel Fanego y Nicolás Cabré, por la parte argentina; mientras que Amaia Salamanca (en el papel de una enfermera que existió en la realidad y que ayudó a capturar a los ladrones) y Óscar Jaenada, están correctos en sus roles.

La película del director catalán de Íngrid o la más reciente The Pelayos se puede ver como un divertimento, con base sólida, firmada de manera sencilla, pero eficaz y que mantiene el interés y la atención del espectador hasta el final. No es Ocean´s Eleven ni una película de los hermanos Coen, aunque posea elementos de ambas, sinó que está rodada de manera más realista, como si la ficción hubiese superado a la historia real.

JR PALOMAR.- 

Pie de foto: Los tres vértices de una historia de atracos ¿perfectos?

ENTRE MATRIX Y TERMINATOR, LOOPER RENACE

ENTRE MATRIX Y TERMINATOR, LOOPER RENACE

Looper, de Rian Johnson, es una ambiciosa cinta de ciencia ficción, que promete más de lo que ofrece y que ha puesto broche final a la 45ª edición del Festival de Sitges. También es cierto que íbamos a verla con muchas ganas y expectativas, pero, reflexionando sobre ella, he llegado a la conclusión que no es tan buena ni tan revolucionaria como se nos quiere hacer creer, y os daré razones para ello.

En primer lugar, la trama, unos asesinos (llamados looper) que se encargan de cargarse a la basura del futuro, interpretados por Joseph Gordon-Levitt y Bruce Willis, entre otros, uno de ellos ha de encargarse de encontrar al Fundador para matarlo y así poder salvar a la mujer que ama. Y mejor no explique más para no hacer "spoilers". Un argumento un tanto rocambolesco y que bebe directamente las fuentes de grandes hitos de la sci-fi, como Terminator y Matrix, sin aportar tanto al género como lo hicieron éstas dos ilustres antecesoras.

En segundo lugar, los personajes, sobre todo el citado Gordon-Levitt (actor fetiche del director, recordémosle como adolescente en Brick) están algo forzados. Este actor, habitual del cine de Nolan (Origen, The Dark Knight Rises) no firma ni de lejos su mejor interpretación, pues pierde su expresividad jovial en pos a una gestualidad imitada para parecerse a Bruce Willis y resulta algo extraño, que perjudica más que beneficia. En cambio, el citado Willis está mucho mejor (aunque sale menos de lo que esperábamos, a pesar de que cuando sale sus apariciones son bastante memorables) y Emily Blunt, como Sara, granjera de armas tomar y sufrida madre de Cid y atención a Pierce Gagnon, -un niño cuyo personaje mejor no revelar para mantener una de las sorpresas del film- están más acertados.

En tercer lugar, la primera parte de la película, algo confusa, se centra cuando Levitt y Willis se encuentran frente a frente en la cafetería y entonces, se produce un increscendo narrativo y emocional, que es de lo mejorcito de la función. Es entonces cuando ese Rian Johnson pretencioso y a algo artificial nos da sus mejores momentos cinematográficos, aunque, eso sí, con mucha sensación de dejà vu a muchas cintas de ciencia ficción mucho más cañeras y reveladoras que la presente. No obstante, no os penséis que no es una buena película, pues es una cinta bastante interesante, siempre y cuando no le busquéis odiosas comparaciones.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Looper, los asesinos del futuro, con muchas deudas que saldar.

NEIL JORDAN Y LO ONÍRICO

NEIL JORDAN Y LO ONÍRICO

Lo primero que los auténticos cinéfilos se dan cuenta cuando ven una película del cineasta irlandés Neil Jordan (1950) es que es un director diferente a los demás, se psicoanaliza con sus personajes y hace poesía en imágenes entre oleadas de onirismo pero sin olvidar los problemas de su sociedad.

Desde Juego de lágrimas (1992) la obra que le hizo muy conocido ha sido un referente para los filmes sórdidos posteriores, pero Juego de lágrimas es mucho más que eso; Neil Jordan se adentró a analizar un tema candente, por aquel entonces, en su país EL IRA. Es interesante verla porque toda ella refleja un patetismo a través de la fotografía y el argumento que intuimos que lo que estamos viendo no se puede olvidar tan fácilmente.

Ahora, volviendo al presente cinematográfico, hemos sabido que le van a dar el premio honorífico en la 45 edición del festival de cine fantástico de Sitges, esa noticia me da pie para analizar algunos trabajos suyos que quieren huir de las historias realistas para meterse dentro de un mundo que pocos pueden explorar.

ENTREVISTA CON EL VAMPIRO Y EN COMPAÑÍA DE LOBOS

El titulo más recordado de Neil Jordan en este género es: Entrevista con el vampiro (1994), basada en las novelas de Anne Rice y con un reparto encabezado por Tom Cruise y Brad Pitt. Es una historia de vampiros, pero los vampiros son una excusa para contar 200 años de vida de la humanidad, por eso es algo más que una lectura del mito vampírico. En está obra, el cineasta nos enseña criaturas que salen de las leyendas urbanas, pero como si fuesen de carne y hueso y con sentimientos, llegándonos a enamorar del vampiro más malvado Lestat de Lioncourt.

Años después de su estreno Entrevista con el vampiro es una cinta que no ha envejecido y que sigue siendo utilizada como ejemplo de lo que puede ofrecer una obra del género fantástico mezclada con la realidad. También es interesante porque es inusual huir del mito de Drácula para contar el relato de otros vampiros menos conocidos, pero que pueden ser un soplo de aire nuevo para los espectadores.

No dudo que fue un cambio para el cine en general porque la historia era rompedora en una industria conservadora en estructuras y en técnica. Entrevista con el vampiro fue también la culminación de un salto cinematográfico entre las modas que se hicieron de los 80 a los 90, así el cine superó sus propias barreras y entendió que dentro de los filmes de vampiros se podía hacer algo más que Drácula.

En compañía de lobos (1984) fue una de sus primeras cintas y puede que la más fantástica, porque en ella se examina el mito del hombre lobo. Si vamos más allá de la simple metáfora, en esta obra se puede apreciar lo onírico de Neil Jordan porque si la miramos desde un plano critico nos damos cuenta que estamos a caballo entre dos mundos que al final se juntan en uno; es una pena porque hoy en día este interesante estudio ha quedado casi en un segundo plano dentro de su obra posterior.

El ambiente de está película es salvaje (¡un viaje a través del tiempo!) para conocer las emociones y las miradas de los hombres lobos, pero también puede ser una exploración sobre la infancia de Neil Jordan. A veces, tiene toques de terror que llenan la pantalla de atroces pesadillas que dejan al espectador con la sensación de un mal sueño seguido de aullidos insoportables de hombres lobo capaces de rompernos el alma en pedazos.

Después de vampiros y hombres lobos, Neil Jordan por fin va a ser reconocido por su aventura en el género fantástico. El tiempo sólo dirá lo que será este creador para la historia del séptimo arte y si será recordado en el futuro.

JORGE GIRBAU BUSTOS.-

Pie de foto: Neil Jordan recibe a estas horas el Gran Premio Honorífico del Festival de Sitges.

HASTA LOS PSICÓPATAS TIENEN SU CORAZONCITO

HASTA LOS PSICÓPATAS TIENEN SU CORAZONCITO

Seven Psychopaths es la segunda película de su director, Martin McDonagh, quien hace cuatro años nos sorprendió gratamente con su ópera prima, una historia muy negra de dos matones deprimidos por un terrible suceso relacionado con su "trabajo" (Colin Farrell y Brendan Gleeson) y un jefe desquiciado(Ralph Fiennes), que les destierra a una hermosa ciudad belga para deshacerse de ellos, Escondidos en Brujas. 

En esta ocasión y repitiendo protagonista, Colin Farrell, el realizador inglés nos cuenta la historia de Marty, un escritor irlandés alcohólico, que necesita algo de inspiración para escribir el guión de una película, Seven Psychpaths, junto a su mejor amigo, Billy (Sam Rockwell), un temerario actor quien comete el error de robar el perro a un peligroso gánsgter (Woody Harrelson) y Hans, un polaco cristiano de mediana edad, que tiene negocios con Billy, muy enamorado de su mujer (Christopher Walken).

La trama combina lo que ocurre en la ficción del guión que está escribiendo Marty, así como las distintas versiones de la historia que dan sus amigos, en unos giros de guión muy rocambolescos e inesperados, salpicados de mucho humor negro (con incluso algunos detalles gore, sobre todo en la subtrama del psycokiller, Zacariah y Maggie, o en la del cura vietnamita). El guión es dinámico y delirante, lleno de sorpresas inesperadas, ayudado por unos solventes actores en estado de gracia, especialmente destaca la genialidad un Sam Rockwell muy loco y creíblemente pasado de vueltas y el savoir faire de Christopher Wallken.  

Todo ello para reflejar que, hasta los psicópatas tienen su corazoncito, son humanos, quieren ayudar a sus mejores amigos y adoran a sus mascotas y a sus mujeres. Una muy buena comedia negra con unos personajes perfectamente elaborados y definidos, como ya pasó en su estupenda ópera prima. Estad muy atentos al final, aunque empiecen a salir los títulos de crédito, no os mováis de la butaca, pues uno de los más inspirados "refinales" nos aguardan.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Marty, Hans y Billy buscando inspiración en el desierto para el tiroteo final.

EL NAUSEABUNDO DEAMBULAR DE UN JOVEN MULTIMILLONARIO

EL NAUSEABUNDO DEAMBULAR DE UN JOVEN MULTIMILLONARIO

Cosmópolis, de David Cronenberg es, desde mi punto de vista, una de las películas más fallidas del interesantísimo realizador de Una historia de violencia, Promesas del Este y Un método peligroso. En esta ocasión, la película, basada en una novela de Don DeLillo, es el nauseabundo deambular de un joven multimillonario, interpretado con convicción por Robert Pattinson, alienado del mundo exterior en su limousina viviendo el dia más caótico y revelador de su vida. Aparte de un creíble Pattinson, hay un amplio e intereresante espectro de personajes secundarios, interpretados por Juliette Binoche, Samantha Morton, Matthieu Amalric (ojo a su breve, pero genial intervención) y Paul Giamatti, entre otros.

La cinta contiene muchos mensajes y parlamentos de los personajes, que pretenden hacernos reflexionar sobre la actual economía, los problemas del capitalismo salvaje e incluso sobre la violencia. No obstante, la puesta en escena es fría emocionalmente y, al espectador, le cuesta entrar en la historia y conectar con ese "pobre niño rico" quien, teniendo el mundo a sus pies, vive en un estado de angustia e infelicidad permanente, sin sentir nada, ni siquiera dolor. Sólo en un par de secuencias del film comprobamos que el joven multimillonario no es de piedra. 

Así pues, otra vez, como ya pasara en Mátalos suavemente, en Cosmópolis se vuelve a poner en jaque a la sociedad occidental actual, que sufre una degradación moral y una falta de valores cada vez más preocupante. Eric Packer, el personaje de Pattinson, vive como un ser condenado, sin alma y sin sangre en las venas, vampirizado en su mundo de dinero, cifras astronómicas, datos macroeconómicos, altas finanzas y furtivos encuentros sexuales, la mayor parte de su tiempo dentro su limousina, que le aisla de los peligros del mundo exterior, refugiado en este búnker con ruedas, nada puede pasarle, nada le perturba, se siente protegido.

Eric vivirá un frenético día de trabajo, placeres mundanos, turbas agitadas y con la sensación de peligro, de soledad y de muerte acechándole. ¿Conseguirá sobrevivir? ¿Cambiará de actitud frente a la vida? Hemos de reconocer que, a pesar de algunas escenas brillantes, la película no nos ha dejado muy buen sabor de boca. Quizás es lo que Cronenberg pretendía al filmalrla: que nos quedásemos en la nada existencial del individuo postmoderno.

SONIA BARROSO.- 

Pie de foto: Robert Pattinson es Eric Packer, un joven magnate alienado en su limousina.



EL VALOR DE LA UNIÓN FAMILIAR Y LA SOLIDARIDAD EN CIRCUNSTACIAS EXTREMAS

EL VALOR DE LA UNIÓN FAMILIAR Y LA SOLIDARIDAD EN CIRCUNSTACIAS EXTREMAS

Qué decir de Lo imposible, de J.A. Bayona, una de las películas españolas más esperadas del año que, tras su andadura con éxito en los festivales de Toronto, San Sebastián y Sitges, se estrena el próximo viernes.

La noticia del tsunami de Thailandia que en 2004 conmocionó a medio mundo se ve más real y más contundente al ponerle cara a la tragedia: la de la española María Belón y su familia, en la película María Bennet y su esposo Henry y tres hijos: Lucas, Simon y Thomas, cuya historia de supervivencia y de superación personal nos ha llegado y conmovido.

La película pasa de ser una hermosa y típica postal de vacaciones de la familia unida e ideal a mascarse la tragedia en cuestión de segundos, en lo que tarda en uracanarse una extraña brisa marina, la ola se cierne sobre miles de personas y, por ende, sobre todos los espectadores quienes, sobrecogidos, vamos asistiendo al deambular de esta familia, cuya ola, ha desunido y arrancado ferozmente. Así como de muchas otras familias en la misma situación que ellos.

En la cinta, hay muchos momentos de terror y de pánico, de drama personal y colectivo, por ello, es normal que la emotividad flote y salga a la superficie, que podamos conmovernos y llorar. Que sea emotiva no quiere decir que sea una película manipuladora de sentimientos. No encuentro mejor manera de explicar esta historia que ésta: con la complicidad de miradas entre una madre y su hijo mayor, con la solidaridad entre personas, con el desasosiego de unos padres en busca de sus hijos y de sus esposas. Es la celebración de la vida: la necesidad de volver a mantener a la familia unida en circunstacias tan extremas como imprevistas. 

Aparte de la narración vibrante, melodramática y bien cohesionada, lo que da entidad a la película, además de sus elaborados efectos especiales y su emotiva banda sonora de Fernando Velázquez, son sus actores. La familia formada por Naomi Watts (Maria Bennet), Ewan McGregor (Henry Bennet) y sus tres retoños: Tom Holland (Lucas), del debutante Samuel Joslin(Thomas) y de Oaklee Pendergast(Simon) están muy convincentes en sus roles. Aunque, la madurez interpretativa de Tom Holland nos ha dejado boquiabiertos, pensando el gran futuro que le espera por delante como actor. Un joven talento para ir siguiendo.

Así pues, conviene ir preparado para sufrir, conmoverse y tener el corazón en un puño, no obstante tanta carga sentimental merece mucho la pena vivirla. Os recomendamos que la veáis y la viváis.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: María y su hijo mayor Lucas, sangre, amor y lágrimas en su lucha por la supervivencia.

EL CUERPO, UN COMIENZO DISCRETO PARA UNA 45ª EDICIÓN DE SITGES POTENTE

EL CUERPO, UN COMIENZO DISCRETO PARA UNA 45ª EDICIÓN DE SITGES POTENTE

Como viene siendo habitual estos últimos años, el Festival de Sitges se ha inaugurado con una película de producción catalana, si hace dos años fue Los ojos de Julia, de Guillem Morales -también con Belén Rueda de protagonista- y el año pasado con Eva, de Kike Maíllo, este año ha sido el turno de otra ópera prima, en este caso de Oriol Paolo: El cuerpo.

Rodada en buena parte en el Hospital del Tórax de Terrassa, la película, a ritmo de thriller psicológico, proporciona algunos giros de guión interesantes, flashbacks que resultan muy prescindibles -incluso Belén Rueda está un tanto exagerada y ridícula en algunos momentos y un final sorpresa que no está mal. Las interpretaciones de Hugo Silva, Aura Garrido y José Coronado son otro de los alicientes de este film de suspense psicológico. Para ser una primera película se deja ver, pero nos esperábamos una apertura de mucha mayor volada.

Nameless Gangster, de Jong-bin Yun, es un thriller bien contado y narrado, con reminiscencias por lo que en su historia se refiere a Uno de los nuestros, de Martin Scorsese y El Padrino, de Francis Ford Coppola. Sin llegar a los niveles de estas dos notabilísimas cintas, esta película demuestra que Corea del Sur está en uno de sus mejores momentos en cuanto a cine de género se refiere, recordemos la laureada The Yellow Sea, de Jong Yin-Na, con la que ésta película, aparte de elementos comunes del género comparte actor protagonista, Jung-Woo Ha. 

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Belén Rueda, El Cuerpo del título.

LA DOBLE MORAL ACTUAL

LA DOBLE MORAL ACTUAL

Arbitrage, El fraude, ópera prima de Nicholas Jarecki, es la película que abría el festival de San Sebastián con la presencia de sus dos estrellas: Richard Gere, auténtico protagonista de la función y Susan Sarandon, relegada lamentablemente a un rol más secundario de engañada esposa.

La cinta, por su trama y sus personajes, puede parecer a simple vista un telefilme más de sobremesa de Antena 3, no obstante, la elegante y dinámica realización de su director y las interpretaciones de sus protagonistas, la elevan por encima de este tipo de subproductos.

La trama gira alrededor de Robert Miller, multimillonario empresario interpretado por Richard Gere. Éste es el auténtico fraude de la película, pues se revela como mal marido, mal padre, mal amante y business man sin escrúpulos. En la cinta descubrimos su doble juego en todos los aspectos de su vida, tanto el personal como el profesional y, la verdad, es que el personaje da bastante rabia. En un plano secundario, quedan todos los demás: la sufrida esposa que interpreta con su brío habitual Susan Sarandon y la hija, heredera de su imperio empresarial, pieza incocente de un entramado financiero fraudulento, que se dispone a destapar.

La película, juega con los elementos del thriller convencional y los lleva a la esfera de hoy en día, con una subtrama de la crisis financiera actual que, por ende, es una crisis de valores humanos y morales en toda regla. El personaje, de doble moral y con pocos escrúpulos, no consigue, a pesar de los esfuerzos de Richard Gere, meterse en el bolsillo al público, sinó que éste se pone en el lugar de todos sus damnificados: la joven amante marchante de arte, la abnegada y engañada esposa, la hija traicionada, el joven negro de Harlem damnificado...

En definitiva, un thriller correcto y entretenido, de buena factura y esforzadas interpretaciones e intenciones. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Susan Sarandon  y Richard Gere tensan la cuerda de su relación en El fraude.

DECADENTE, SEDUCTOR Y AMORAL ROBERT PATTINSON

DECADENTE, SEDUCTOR Y AMORAL ROBERT PATTINSON

Bel Ami, de Declan Donnellan y Nick Ormerod, es una película de época muy bien ambientada y recreada, basada en una novela del escritor decimonónico Guy de Maupassant. Uno de sus principales reclamos es ver cómo Robert Pattinson se va quitando de encima el estigma del crepuscular vampiro teen Edward Cullen y va tomando entidad como actor adulta. A su lado, un trío de actrices muy interesante: Cristina Ricci, como Clotilde, su amante casada; Uma Thurman como Madaleine Forestier, su amiga y posteriormente ambiciosa y liberal esposa y Kristine Scott-Thomas, como Virginie, fiel esposa de su jefe y madre.

La película cuenta la historia de Georges Duroy, un joven hijo de campesionos, que ha estado de soldado en la guerra de Argelia. Tras volver a París, su deseo de ser escritor y periodista le pone en contacto con influyentes hombres de negocios y, sobre todo, con sus esposas. A partir de allí, el joven, utilizará todos sus encantos con las féminas para influir con sus maridos y hacerse un hombre respetable y considerado por todos, saliendo de la miseria en la que vive.

La cinta se centra en el periplo de este ser amoral, ávido de amor y sexo, que no duda en seducir, como si de un vampiro se tratase, a sus víctimas, con distintos fines, aparte de la satisfacción de sus bajos instintos, para conseguir poder, prestigio y notoriedad en la sociedad parisina de finales del s.XIX. Además, hay una subtrama política, como es la invasión de Francia de Marruecos para prolongar su imperialismo muy relacionada con el personaje de Uma Thurman.

La ambientación de la época, de las reuniones, las casas, los salones es muy correcta, así como la fotografía, aunque la banda sonora de Rachel Portman consta de un tema muy conseguido, pero demasiado reiterativo a oídos del espectador. La trama, a pesar de ser bastante interesante, se hace un poco larga en algunos momentos, parece que le cuesta avanzar un poco.

El trabajo de sus tres actrices anteriormente citadas, es soberbio y están un paso por encima de su joven protagonista, al que auguramos un mejor futuro más allá de la saga Crepúsculo, ya que está a punto de estrenar Cosmópolis de David Cronenberg. Aquí, Pattinson aún es un personaje más decadente, seductor y amoral, más vampiro que su Cullen, la fuerza es su mirada, entre ambigua y torturada, su semblante pálido, sus modales refinados...Poro claro, a años luz de lo que hubiese hecho con este rol Michael Fassbender.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Pattinson y Thurman, ¿amor por interés?

VENGANZA 2: MÁS DE LO MISMO, SIN PARECERSE A BOURNE

VENGANZA 2: MÁS DE LO MISMO, SIN PARECERSE A BOURNE

Venganza: Conexión Estambul (Taken 2), de Olivier Megaton, es la segunda parte, cuatro años después de un thriller del mismo título protagonizado también por Liam Neeson, Maggie Grace y Famke Janssen, su familia. 

La trama tiene continuidad pues, si en la primera parte, el ex-espía intrepretado por Neeson remueve cielo y tierra cuál padre coraje en busca de su hija adolescente, quien ha sido captada por mafias de prostitución internacionales y consigue sacarla del pozo. En este caso, son los villanos quienes quieren vengarse de Neeson por haberles estropeado el negocio.

En la cinta se nota el sello Luc Besson: factura técnica impecable, grandes persecuciones y escenas de acción, en las que el guión y la verosimilitud de la historia no importa si se ven lastradas ni disminuidas.Tampoco se preocupan demasiado de la verosímil actuación de sus actores. Estas carencias se suplen con mucha adrenalina y escenas espectacularmente bien resueltas. Así pues, quien vaya a buscar una hora y media de diversión al cine la tendrá. Venganza 2 cumple lo que promete, no hay que darle más vueltas.

El que, en cambio, busque un tipo de thriller más similar a la "saga Bourne", quizás salga algo más decepcionado, pues no engancha tanto al espectador como la mítica trilogía de Matt Damon y ahora "legada" a Jeremy Renner.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Liam Neeson, de nuevo, sufrido padre coraje.