Especial

60ª EDICIÓN DE SAN SEBASTIÁN: PASEN Y DISFRUTEN DE BUEN CINE

¿Qué tienen en común John Travolta, Oliver Stone, Ewan McGregor, Dustin Hoffmann y Tommy Lee Jones? Aparte de ser excelentes actores, tal y como os hemos venido comentando en Facesonthebox, desde hoy 21 hasta el 30 de septiembre irán desfilando por el Festival de San Sebastián, que se viste de gala para celebrar, por todo lo alto, su 60ª edición.

En total, 10 días de muy buen cine, es difícil destacar sin olvidarse algo de esta edición de lujo del certamen donostiarra, no obstante, os vamos a dar unas pautas para que vayáis algo más orientados. Éstas son sus principales secciones: Oficial, Zabaltegi, Nuevos Directores, Horizontes Latinos, Cine en Construcción, Made in Spain, Very funny things y retrospectiva George Franju.

Algunos de los títulos más esperados del momento estarán en San Sebastián. Es el caso de cinco películas españolas: la esperadísima segunda película de J.A,. Bayona, Lo imposible; El artista y la modelo, de Fernando Trueba; El muerto y ser feliz, de Javier Rebollo; la muy particular versión B/N muda de Blancanieves, de Pablo Berger y ¡Atraco!, de Eduard Cortés.

Habrá cine francés de calidad: Amour, de Michael Haneke (flamante Palma de Oro en Cannes); Dans la maison, de François Ozon; Après Mai, de Olivier Assayas (mejor guión en el festival de Veenzia) y Laurent Cantet con Foxfire, siendo uno de los directores de la episódica, 7 días en la Habana. Habrá cine americano interesante, como Arbitrage, que inaugura el certamen con la presencia de Richard Gere y Susan Sarandon; Argo, la tercera película de Ben Affleck y Salvajes, de Oliver Stone. La chilena No, de Pablo Larraín; la vasca Baztán, de Iñaki Elizalde; la italiana Venuto al Mundo, de Sergio Castellito -para la que cuenta, por segunda vez, con nuestra Penélope Cruz-; la argentina Días de pesca, de Carlos Sorín; las británicas El impostor y Angel´s share...

Os aconsejamos que déis un vistazo a la web del festival www.sansebastianfilmfestival.com y que disfrutéis pegados a la butaca, que se abra el telón, San Sebastián se viste de cine para su 60ª edición.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Ewan McGregor, uno de los Premios Donostia más jóvenes.

NEO-NOIR, UN GÉNERO RICO EN MATICES

Hay algunos géneros cinematográficos que han logrado sobrevivir al paso del tiempo. Y en este mundo donde nada es eterno ni inmóvil, el cine negro sigue brillando con más intensidad que nunca. El género que nació con la inolvidable El halcón maltés (John Huston, 1941) no parece agotarse, y a pesar de los malos momentos vividos siempre consigue volver con más fuerza y acaba cautivando y fascinando al público.No es disparatado pensar que se ha convertido en el mejor vehículo para transmitir el malestar y la sin razón que vive el mundo actual. Está claro que el cine negro sigue siendo tan válido como lo fue en el siglo pasado para desentrañar las miserias y las contradicciones de la sociedad.

El western o el musical, antaño tan queridos por el gran público, han dejado paso a las ambiciosas producciones de fantasía, de ciencia ficción y de superhéroes que están dirigidos principalmente a los jóvenes. Por paradójico que pueda parecer, el cine primitivo ha resucitado gracias a la tecnología más avanzada. No obstante, aunque Hollywood se haya decantado por el espectáculo de masas, todavía hay quienes están decididos a seguir contando historias que nos hagan estremecer. Además el cine negro americano nació con la intención de enterrar la moral maniquea de los grandes estudios y puso en cuestión el idealismo que caracterizaba al modelo clásico. El mundo es demasiado complejo para dividir la humanidad en buenos y malos y, por ello, el cine negro puede revelarse como un arma de doble filo; los grandes autores logran fusionar magistralmente la diversión y el espectáculo con la denuncia social más descarnada. La lucidez y la agudeza no están reñidas con la diversión.

El panorama del cine negro contemporáneo (neo-noir) es demasiado amplio y diverso para poder definir sus características rápidamente y, por ello, es difícil delimitar un género que no parece tener límites. Además, el cine negro siempre ha tomado prestadas las convenciones y motivos de otros géneros y la hibridación se ha convertido en una de las características más destacables del cine contemporáneo. Delimitar significa que hay que dejar bien definidas las fronteras, pero en un mundo tan globalizado, cambiante y diverso es imposible construir un único relato sobre el tema que nos interesa. Los diferentes relatos se solapan y se entrecruzan hasta el infinito y, por ello, nada es definitivo. Es imposible construir una única narración sobre el cine negro más reciente. Aunque, por desgracia ,hay que destacar que una de las características del género ha sido (y sigue siendo) la poca relevancia que se le ha dado a la mujer. Se puede considerar la exitosa saga de Harry el sucio el ejemplo más paradigmático del papel que se le asigna normalmente a la mujer en este tipo de películas. El arquetípico personaje de la femme fatale siempre ha dado mucho que hablar, pero los expertos nunca se han puesto de acuerdo. Pero eso es otro tema que vamos a analizar en otra ocasión.

UNA FIGURA PARADIGMÁTICA: QUENTIN TARANTINO

Aparte del cine negro comercial muchos autores como Lynch, los hermanos Coen, Soderbergh, Tarantino o Guy Ritchie y ahora Andrew Dominik, han querido deleitarnos con sus particulares homenajes al cine de temática criminal. A continuación ,voy a analizar a un gran cineasta que hizo una valiosísima aportación al universo noir en los años 90. A pesar del entusiasmo que suscitó en los años 80 el género no cumplió con las expectativas y no tardo mucho en decaer, pero en la siguiente década irrumpió con mucha fuerza gracias a jóvenes talentos como Quentin Tarantino. Según los autores Alain Silver y James Ursini en los primeros 5 años de la década de los noventa se produjeron tantos films como en el periodo comprendido entre los años 1967 y 1989. Es un dato que hay que tenerlo muy en cuenta. Tarantino irrumpió como un auténtico huracán en el panorama cinematográfico mundial con Reservoir Dogs (1992) y Pulp Fiction (1994). El fenómeno Tarantino trascendió el ámbito estrictamente cinematográfico para convertirse en un fenómeno cultural. Nicholas Winding Refn, autor de la aclamada Drive, sigue los mismos pasos de Tarantino. Y ha habido otros que han querido imitar su manera de hacer cine, pero sin éxito. El gran acierto del de Knoxville fue que fusionara con maestría e ingenio el cine de entretenimiento y el cine de autor. Para muchos eran dos maneras de entender el cine totalmente contrarias y se excluían mutuamente, pero Tarantino demostró que el cine no entiende de barreras ni de prejuicios.

Reservoir Dogs trataba sobre unos delincuentes que iban a robar un banco (hasta ahí todo bien), pero en vez de mostrar el atraco (que sería lo más lógico), prefirió centrarse en otras cosas. Tarantino sorprendió con su innovadora propuesta, ya que, él decidió lo que era importante y lo que no. Y para el asombro de muchos el gran momento del atraco no era tan interesante como podía ser una conversación cualquiera entre los mafiosos. Tarantino juega con las expectativas del espectador y como ha admitido muchas veces le encanta subvertir las convenciones del género. Y con Pulp Fiction fue mucho más allá. La estructura narrativa que ideó para la ocasión fue aún más compleja que la de su anterior obra. Pero su estilo no sufrió ningún cambio. Los ingeniosos diálogos y los tiempos muertos no habían perdido ni un ápice de protagonismo. Y la violencia podía estallar en cualquier instante, por ello, la tensión y el desconcierto aumentaban cada vez que nos hacía partícipes de más conversaciones “banales”. Tarantino como Godard pone a prueba la paciencia del espectador y, por ello, algunas de sus obras como la espléndida e incomprendida Death Proof (2007) no han tenido la aceptación que se esperaba. Jackie Brown (1997) su obra más clásica y la menos impactante, tampoco tuvo muy buena acogida cuando se estrenó. En aquella ocasión dejó de lado el cine negro para hacer un merecido homenaje al cine blaxploitation de los 70. 

BEÑAT EIZAGIRRE INDO.-

Pie de foto: Quentin Tarantino revolucionó el neo-noir con su ópera prima, Reservoir Dogs.

DE ALIEN A PROMETHEUS

Interesante y reveladora mesa redonda dentro del ciclo Ciencia y tecnología al servicio de Dioses y Titanes: de Alien a Prometheus. Con la participación de Daniel Fernández, autor del blog Ausente, así como del profesor de facultad Jordi Sánchez Navarro y del director del festival de Sitges, Ángel Sala, el debate, moderado por Jordi Ojeda, director del ciclo de lecturas sirvio para reflexionar sobre Alien, película que marcó un antes y un después en el género sci-fi de los 70 y también sobre Prometheus, que nos sigue recordando ese legado.

Nos encantó comprobar todas las aportaciones de Alien, de Ridley Scott, al género, tales como el uso de las cámaras de vídeo, la manera de filmar la persecución por conductos de aire (muy repetida en el cine posterior), las escenas estroboscópicas y la cuenta atrás del final. En los 70´s, el género aún no gozaba ni de popularidad en taquilla ni en crítica.

En el momento de su estreno, en el 1979, Alien fue bastante criticada, así como sus tres secuelas, que no fueron valoradas hasta muchos años después de su estreno. Además, el legado de Alien se ha manifestado de forma reveladora (aunque discutible en algunos puntos) en la fascinante Prometheus (cuya acción se sitúa 30 años antes del primer Alien y, por ello, se habla de "precuela").

Ángel Sala detalló que "esta película respira Lovecraft por los cuatro costados", en cuanto a la concepción de la criatura que se revela contra su Creador y el descubrimiento por parte de la protagonista de que Dios es malvado. En la película hay guiños constantes a Alien, en cuanto al personaje del androide David se refiere o en cuanto al parlamento de la escena final. Además, sigue el mismo essquema narrativo de Alien, con una primera parte de ciencia-ficción pura y dura y una segunda parte  de "monstruos en el espacio", casi cercana a la serie B.

Al final de la mesa redonda se lanzaron muchas cuestiones: que si Prometheus es digna o no sucesora de Alien, la confusión de géneros dentro de la sci-fi, etc. Tantas y tantos interrogantes sobre los que vale la pena reflexionar y que nos deja esta imprescindible saga para los amantes de la ciencia ficción con terror.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: De Alien a Prometheus, sólo 33 años las separan.

DESDE MÉLIÈS AL REMAKE DE TOTAL RECALL

Aprovechando que esta semana se estrena Total Recall, basada en el relato Podemos recordarlo todo por usted de Philip K.Dick, (remake de la película que protagonizaron Arnold Schwarzenegger y Sharon Stone allá por la década de los noventa Desafío total), voy a hacer un recorrido por el cine fantástico y de qué manera la industria no ha dejado de experimentar con este género mezclado con otros géneros cinematográficos (terror, ciencia-ficción, aventura…).

Aún me sorprendo al ver la modernidad de los trabajos del pionero de lo que denominamos cine George Méliès que desde su estudio de Montreuil (que fue el primero del séptimo arte) imaginó un mundo fantástico muy adelantado a su época, allí realizó Viaje a la luna (1902), un corto, por supuesto mudo, de catorce minutos que merece la pena verlo al menos una vez en la vida. En la etapa muda se hicieron algunos filmes fantásticos que han perdurado en el tiempo como Metrópolis (1927), de Fritz Lang, La brujería a través de los tiempos (1922), de Benjamin Christensen y La carreta fantasma (1921), de Víctor Sjöström, por citar algunas.

Cuando las películas comenzaron a ser habladas se perdió parte de la mímica en la gran pantalla y los trabajos del cine fantástico tuvieron que renacer otra vez poco a poco aunque hubo un aparente abandono no se perdió del todo este género : El mago de Oz (1939), de Víctor Fleming, Ultimátum a la Tierra (1951), de Robert Wise, Mary Poppins (1964), de Robert Stevenson o 2001, una odisea en el espacio (1968) de Stanley Kubrick pero no fue hasta la década de los años ochenta del siglo XX (cuando ya los efectos especiales no eran unos desconocidos para el gran público) que volvieron a tener un protagonismo especial.

DESDE STAR WARS

Cuando se realizó La guerra de las galaxias (1977) de George Lucas hubo en el mundo cinematográfico un reencuentro con el género fantástico haciendo proliferar otra vez este tipo de visiones futuristas y ensoñadoras, después aparecieron E.T el extraterrestre (1982), de Steven Spielberg y Willow (1988), de Ron Howard, que coincidió con una generación de directores más abierta y con temas muy distintos a los que se habían hecho hasta entonces; de esa cosecha de creadores, se encuentra Tim Burton que ha hecho del género fantástico su santo y seña en la industria con obras como: Mars Attacks! (1996), Batman (1989), Big Fish (2003) o la última que hemos podido ver en los cines, Dark Shadows (2012); pero para conocerle bien hay que viajar en el tiempo hasta encontrarnos con una de sus primeras películas, que es la que le dio el reconocimiento mundial: Beetlejuice (1988).

Después de los años ochenta el cine fantástico dio otro giro con argumentos más intelectuales; así se hicieron en la década de los noventa: Delicatessen (1991), de Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet, Drácula (1992), de Francis Ford Coppola y Pleasantville (1998), de Gary Ross. Ya en este siglo aparecieron las sagas de Harry Potter, El Señor de los anillos, Piratas del Caribe, etc, que han alcanzado una enorme popularidad. Aparte de estos trabajos se han hecho El laberinto del fauno, (2006) de Guillermo del Toro y El imaginario del Doctor Parnassus (2009),de Terry Gilliam.

Ahora se estrena en cartelera uno de los remakes más esperados del género que tratamos porque Desafío total (1990) de Paul Verhoeven es un recuerdo bonito para los amantes del cine fantástico. 

JORGE GIRBAU BUSTOS.-

Pie de foto: La mítica Desafío total, de Paul Verhoeven, tiene ya su remake.

CINE MILITANTE, CINE EN CONFLICTO

Con motivo del estreno de Una botella en el mar de Gaza, de Thierry Binisti, hemos decidido hacer un repaso de todas aquellas cintas y directores que han reflejado a la perfección cómo hacer cine sobre un conflicto -árabe, israelí, palestino, iraní, afgano...-, teniendo o no las libertades para decir aquello que uno piensa.

Si nos ceñimos a las películas que se ambientan en un conflicto tenemos en Incendies (2011), de Denis Villeneueve, una película dura y sin concesiones, basada en una obra de Wadjo Mouawada, que trata del periplo de dos hermanos en Oriente Medio tras las pistas de la muerte de su padre. Se trata de un cine descarnado, una tragedia universal, que le valió la nominación en 2011 como mejor película extranjera en los Oscar, así como el reconocimiento unánime de la crítica internacional.

También Ajami (2009), de Scandar Copti y Yaron Jami, parte de la cotidianidad de la ciudad de Tel Aviv para contarnos cinco historias que ponen en evidencia la frágil convivencia entre musulmanes y cristianos.

Un film con un enfoque mucho más espiritual que los dos anteriores sería De Dioses y de hombres (2010), de Xavier Beauvois, que explica cómo una comunidad de monjes cistercenses en la argelia de principios de los 90 tendrá que decidir qué hacer cuando trabajadores extranjeros en la región son asesinados por un grupo de fundamentalistas islámicos. 

DIRECTORES AMENAZADOS

Aunque si nos referimos a cine en conflicto cuando son sus mismos realizadores los que están amenazados y privados de libertad de expresión nos tenemos que desplazar hasta Irán. Allí dos de sus mayores exponentes en cuanto a la dirección se refiere, Jafar Panahi y Bahman Ghobadi, se han visto privados de sus derechos y de su libertad. 

Jafar Panahi fue encarcelado en 2009 tras asistir al entierro de una joven asesinada en las protestas en Irán. Tras un manifiesto de toda la comunidad internacional de cineastas, entre ellos Robert Redford, Steven Spielberg, los Coen, Olivier Assayas, etc, Panahi fue liberado, pero se le prohibió ejercer su profesión y salir del país. A pesar de ello, el año pasado, fruto de una grabación con su teléfono móbil desde su casa, donde permanece recluído, consiguió que se difundiese Esto no es una película, fuera de sus fronteras, a pesar de la cárcel y las amenazas continuamente recibidas por atentar contra el régimen y la seguridad en su país. 

Bahman Ghobadi, que consiguió mucha notoriedad con Las tortugas también vuelan (2006) y Nadie sabe nada sobre gatos persas (2009), también fue encarcelado por el régimen de los ayatolas por su crítica al presidente del país, Mahmud Ahmadineyad.

Afortunadamente, existe todavía mucha esperanza y se alzan muchas voces críticas que no han sido acalladas: las jóvenes hermanas Makhmalbaf, Samira y Hana, hijas del también cineasta Mohsen Makhmalbaf. Mientras que Samira ha alcanzado el reconocimiento internacional con El caballo de dos patas (2008), que habla de la relación de dominación desde la infancia, Hana sorprendió con Buda explotó por vergüenza (2007), una historia sobre la necesidad de la educación para cambiar el destino más vergonzoso del Afganistán de los talibanes, donde los niños, con sus juegos crueles pretenden reproducir lo que hicieron los talibanes al bombardear las estatuas de Buda.Todas ellas pertenecen a un cine realmente necesario.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Buda explotó por vergüenza, de Hana Makhmalbaf, desde la tierna mirada de la niña Baktay se nos revela esta película imprescindible.

IVÁN BARREDO: "Sólo es el principio es para quien quiera sentirse niño de nuevo"

Con motivo del estreno del documental Sólo es el principio, tenemos la ocasión de charlar con Iván Barredo, distribuidor de Good Films -que el año pasado se estrenaron en el sector de distribución con Stella, de Sylvie Verhayde y que pronto presentarán en el Festival de San Sebastián un documental sobre el dibujante de cómics alemán König-.

 Cinéfilo, periodista y responsable de prensa de Cines Verdi Madrid, en esta entrevista Iván Barredo nos cuenta cómo es el mundo de la distribución independiente y comparte su pasión por el cine.¿Lo comprobáis?

¿Cuándo y cómo surgió la idea de Good Films?

Siempre quise ser distribuidor de cine independiente, de un modo vocacional. A los 17 años no era solo una ilusión, sino también un objetivo vital. Todo ha llevado un proceso de paciencia, esfuerzo y aprendizaje. Continúa siendo así. Hace dos años, tras haber estado trabajando felizmente en Sherlock Films, pensé que podía ser el momento. El nombre de Good Films –sencillo, directo y connotativo en cuanto a intenciones- me vino a la mente una extraña noche. Me encontraba malito en urgencias. Solo escuchaba a la máquina haciendo bip, bip, bip… Aquello parecía la máquina que hace piii de la maravillosa El sentido de la vida de Terry Gilliam. Pensé: “Si salgo de esta, tengo que montar… ¡Good Films!”. Y así lo hice poco después. Me sorprendió que este nombre no estuviera registrado. Ahora, solo espero ser fiel a un proyecto en el que creo.

Hasta el momento habéis distribuido dos películas, Stella y el documental Sólo es el principio. Curiosamente las dos francesas, ¿es casualidad o es que eres un admirador del cine francés?

Ha sido una absoluta casualidad. También dicen que las casualidades no existen. En mi mente y objetivos, buscaba cine de calidad, europeo, con unos temas de interés… El cine francés siempre ha sido un referente -ahí quedan magníficas películas sobre la educación como Los 400 golpes, Hoy empieza todo, Ser y tener o La clase-; y, a su vez, es una de las pocas cinematografías mundiales que no solo no han perdido su entidad, sino que vive un momento dorado como industria. Como ejemplo, tienes los Oscar e infinitos premios del año pasado a The Artist de Michel Hazanavicius, o el extraordinario éxito comercial de este año, con Intocable de Olivier Nakache. ¿Simple casualidad? Más bien, fruto de sembrar y cuidar al bienvenido sector del Cine y a su público, a través de políticas coherentes y envidiables.

Stella es la historia cotidiana, pequeña y humana, del paso de la infancia a la edad adulta de una niña un tanto peculiar y Sólo es el principio habla de la importancia de la educación desde la infancia y de la reflexión de los más pequeños sobre los grandes temas de la vida. ¿Estas cuestiones te motivan especialmente?

La infancia y la educación me parecen primordiales y apasionantes. Son nuestros pilares como individuos y como sociedad. Hace 2.500 años, Pitágoras ya decía: “Educad a los niños y no tendréis que castigar a los hombres”. Por desgracia, no hemos aprendido nada. El ejemplo cercano más lamentable se llama Esperanza Aguirre. Una señora más preocupada en dejar como legado en Madrid una mini-ciudad de putas, lujo, vicio y juego, que en proteger y defender a ultranza una buena (y necesaria) educación pública. ¿Qué pensará de un film como Sólo es el principio, que defiende el cuidado de la enseñanza y el conocimiento, de los niños y docentes, y del pensamiento crítico y reflexivo desde la guardería y la escuela? Supongo que la verá como un desacato a la autoridad.

"La infancia y la educación me parecen primordiales y apasionantes. Son nuestros pilares como individuos y como sociedad. Hace 2.500 años, Pitágoras ya decía: “Educad a los niños y no tendréis que castigar a los hombres”. Por desgracia, no hemos aprendido nada"

¿Quién crees que el el público de Sólo es el principio?

Creo, honestamente, que es una película para todo el mundo. De interés general. No solo para madres, padres y educadores, sino para cualquier persona que desee divertirse aprendiendo con sus pequeños protagonistas, que desee soñar en que podemos construir –y mantener- una sociedad más equilibrada, multirracial, cívica y tolerante, a través de la enseñanza, las humanidades y la cultura. Para quien quiera sentirse niño de nuevo. Para quien quiera contemplar algo bello y humano, lejos de la panfletaria crisis (económica, ecológica y, principalmente, de valores) y de sus secuaces “hombres de gris” (como presagiaba Momo de Michael Ende).  

El documental no sólo es didáctico, sinó que es divertido, ¿crees que la diversión puede ayudar a una mayor reflexión?

Ambos conceptos son perfectamente compatibles. Quien piense que lo pedagógico y humano es aburrido… En fin, entiendo que guste tanto el fútbol. Y que las primeras planas las abarque un rico, joven y guapo señor, que simplemente dice: “Estoy triste”. Creo que el humor y la sensibilidad es un tesoro del ser humano. Y, desde luego, siempre que veo Cine, busco divertirme. ¿Qué es la obra maestra El verdugo, de Luís García Berlanga, con guión de Rafael Azcona? Una genialidad del humor negro, que ríes a placer con Pepe Isbert y su increíble reparto, así como con las rocambolescas situaciones y diálogos (salvo el escalofriante final). A través de la comedia, logra un reflexivo retrato, inigualable, punzante y comprometido sobre la España franquista y la nauseabunda pena de muerte.

La crítica bendijimos Stella como una gran joya, a descubrir ¿te preocupan las críticas que puedan haber de una película?

A diferencia de otros, quienes vanidosamente dicen no importarles, personalmente las valoro mucho. Me encanta leer críticas de cine, y admiro ese trabajo y labor cultural. Para un distribuidor de cine independiente, son vitales. Pueden ayudar a dar a conocer una película entre el público cinéfilo, destacarla, hacerla crecer. Esas opiniones y análisis críticos sirven menos para la mayoría del cine de las majors. La prueba es que da igual lo que digas, pienses, analices y expongas sobre Independence Day y otros subproductos. La publicidad masiva se encargará de fulminar el espíritu crítico.

El sueño de un distribuidor independiente

Para los neófitos en el tema. ¿Cómo es el trabajo de un distribuidor independiente?

Creo que es un trabajo duro, especialmente arriesgado y fascinante. Si no hay vocación, es difícilmente comprensible. Es fundamental el trato personal y profesional con los exhibidores, y también con los centros y asociaciones culturales, instituciones, cineclubs… Lo importante es la elección de películas, que te dan identidad. Luego hay vestirlas, cuidarlas, darlas a conocer. Para ello, entran en juego labores de prensa, laboratorio, relaciones públicas, diseño/marketing, administrativas, etc. Un trabajo similar al de cualquier otra industria cultural (música, libros, arte...). La diferencia entre distribuidoras es su infraestructura, su capacidad económica y sus películas. Un distribuidor independiente, por tanto, debe centrarse aún más en cuidar artesanalmente sus adquisiciones y catálogo. Lo que te puedo asegurar es que, más allá de un ordenador y un teléfono, no vivimos en la irreal, opulenta y fantasiosa imagen del lujo, el glamour, las alfombras rojas y las limusinas. Todo eso lo he visto, pero de lejos…  

Cuál es el sueño de todo distribuidor de cine...El tuyo, en particular.

Mi sueño es que la gente vea buen Cine. Que disfrute yendo a las salas: una manera muy diferente de vivir y compartir esta experiencia, que en la pequeña pantalla de una televisión, un ordenador o un móvil. Es compatible, pero sumamente diferente, en base a la naturaleza cinematográfica y/o audiovisual de cada film. Me encantaría poder transmitir mi pasión por el Cine a otros jóvenes.  

Como espectador, ¿qué tipo de cine te gusta?

Creo que va implícito en el nombre de Good Films. Me gustan las buenas películas, sean cine de autor o de género. Disfruto con todo lo que me emocione y/o sea un incentivo intelectual. Adoro revisitar magnas obras de clásicos como Fritz Lang o John Ford, engancharme de nuevo a Grupo salvaje de Sam Peckinpah, deleitar frikadas de culto como The Rocky Horror Picture Show de Richard O’Brien, sumirme en lo indie de Buscando un beso a medianoche de Alex Holdridge, reírme con el humor y ternura de Aki Kaurismäki, sentir profundamente la poesía de La doble vida de Verónica y Rojo de Krzysztof Kieslowski… ¡Hay tanto por ver y gozar! La película que más me gustó el año pasado –además de Stella, de Sylvie Verheyde, lógicamente- fue la oscura y fascinante Drive de Nicolas Winding Refn.

¿Cómo ves el futuro del sector cinematográfico en España?

No puedo adivinar qué ocurrirá en el futuro. Me gustaría desear, imaginar, exigir, una política de protección a la industria cinematográfica y de programas audiovisuales como en Francia. El Cine es Cultura. Y, además, una inversión, un negocio. Nuestros políticos, que poco –o nada- entienden de cultura ni de negocio, están fomentando un país ruinoso, tercermundista. El Cine seguirá existiendo, pero a este paso, en manos única y exclusivamente norteamericanas. Actualmente, importa más el sanguinolento, penoso y despreciable sufrimiento de los toros.

Estás preparando un nuevo documental con Good Films. Háblanos un poco...

En noviembre estrenaré otro documental, Ralf König, rey de los cómics, dirigido por Rosa von Praunheim, un director a (re)descubrir. Está seleccionado en Zabaltegi Especiales de la próxima 60ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Es un homenaje a la obra y vida de Ralf König, queridísimo dibujante de cómics alemán, muy conocido y admirado también en la comunidad gay. Cómics como El hombre deseado, Lisístrata, Superparadise, El condón asesino, la trilogía Antitipo, Prototipo y Arquetipo… son realmente recomendables. Huevos de Toro es mi favorito.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Iván Barredo junto al cartel de la primera cinta distribuida por Good Films, Stella.

EVOLUCIÓN DEL CINE INDEPENDIENTE AMERICANO

El termino “Cine Independiente” ha cambiado a lo largo del tiempo, pero ahora vayamos al origen de esta definición. Fue en la década de los veinte del siglo pasado cuando Thomas Alva Edison controlaba la industria, pero algunos productores se rebelaron contra las exigencias económicas que imponía el inventor, así que se unieron y crearon “Greater New York Film Company” y se denominaron Independientes. Entonces fue la primera vez en la que en el séptimo arte se oyó esta palabra. 

Algunos años después de dicha anécdota surgieron en Norteamérica una oleada de nuevos directores: Martin Ritt, Hud, el más salvaje entre mil (1963), Sidney Lumet El prestamista (1964), John Frankenheimer, El mensajero del miedo (1962), que pelearon contra las grandes productoras (qué eran las mismas que décadas antes se habían llamado “independientes”) para tener mayor control de sus trabajos. 

La película que marcó un antes y un después en los filmes yankees independientes fue Easy Rider (1969), dirigida por Dennis Hopper. Esta historia de dos moteros en su viaje al carnaval de Nueva Oleans cambió a toda una generación de creadores cinematográficos y, además, fue la primera película independiente que fue distribuida por una gran productora logrando un exitazo al instante de estrenarse. 

En los últimos veinte años el cine independiente americano ha evolucionado en trabajos con contenidos más juveniles, pero sin olvidar ese dueto que lo forman Pareja+Vida; quizás los personajes y las tramas sean un poco más mundanas: Richard Linklater, Antes del Amanecer (1995), Alex Holdridge, Buscando un beso a medianoche (2007), Marc Webb, 500 Días juntos (2009)… Pero no han olvidado el lema del cine independiente: “No queremos películas rosas, sino del color de la sangre”. No podemos ignorar que esa tendencia camina al mismo paso que los problemas del presente y que, dentro de otros veinte años, el cine independiente estará abordando otros temas con otras proposiciones que hagan del mundo un poco más comprometido.

JORGE GIRBAU BUSTOS.-

Pie de foto: La película que marcó un antes y un después en los filmes yankees independientes fue Easy Rider (1969), dirigida por Dennis Hopper.

EL PÍCARO DOMINIC COOPER

¿Quién es Dominic Cooper? Este ecléctico actor inglés de 34 años ha combinado cine indie con apuestas más comerciales. Se dio a conocer para el gran público en el musical Mamma Mía! como Sky, el novio de Amanda Seyfried. y yerno de Meryl Streep. Aparte de cantar y bailar, este actor procedente del teatro, quien en 2006 fue nominado por The History Boys en Broadway, ha destacado como amante de Keira Knightley en La Duquesa y como el crápula mejor amigo de Peter Saarsgard en An Education.

También ha intervenido en un blockbuster como El Capitán América y, recientemente, le hemos visto en Mi semana con Marilyn encarnando a un personaje real, el fotógrafo Milton Greene.

En esta ocasión interpreta a uno de los personajes con más jugo de Abraham Lincoln, cazador de vampiros, en la fría piel de Henry Sturges, mentor del joven Abraham en el arte de cazar chupasangres, un ser que esconde un terrible secreto fruto de una condena en su pasado. Su rol hace una función similar al del Robin de The Dark Knight Rises por su repercusión en la trama final de la película, ya que podría intuirse un posible spin-off del personaje, si esta película funciona en taquilla. Aunque en realidad no exista una continuación de la novela original.

A Cooper, que nos recuerda a un joven Robert Downey Jr, le espera un futuro más que activo y prometedor. Pronto le veremos en el thriller de Niels Arden Oplev, Dead Man Down junto a Colin Farrell y Noomi Rapace; el drama Summer in February y la biografía My dinner with Hervé. Además, protagonizará dos thrillers de Roger Donaldson: Cities, junto a Kirsten Dunst y Orlando Boom y November Man con Pierce Brosnan. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Henry Sturges, un personaje siniestro con varias caras.

CINE NEGRO NÓRDICO: PELÍCULAS Y ESTRELLAS GLACIALES

Sol de medianoche, temperaturas gélidas, primavera en verano, invierno crudo...estas características confieren a los habitantes de las altas latitudes del Viejo Continente, de las tierras nórdicas europeas unos rasgos que les hacen peculiares y que impregnan también toda su filmografía.

Desde que el sueco Stieg Larsson irrumpió con fuerza con su Millenium, que ha sido adaptado en televisión y cine, en doble versión: sueca y americana, como todos muy bien sabéis, el boom de la literatura negra y su translación al thriller nórdico, se ha hecho notar.

Los ejemplos más recientes son la islandesa Reykjavik Rotterdam, de Óscar Jónasson, que ha sido objeto de un reciente remake hollywoodiense a cargo del actor protagonista de la versión sueca, Baltasar Kórmakur, con Mark Walhberg de estrella.

También Snabba Cash (Easy Money), del sueco Daniel Espinosa, basado en una serie de novelas negras de su compatriota Jens Lapidus, que narran el ascenso de un chico ambicioso a un mundo de glamour sin escúpulos, aunque por ello tenga que pagar un alto peaje. 

Ahora de Noruega nos llega Hodejegerne (Headhunters), de Morten Tyldum, adaptando la novela homónima de Jo Nesbo, en forma de una interesante película que se inscribe en el thriller negrísimo, con toques de drama familiar y de comedia surrealista.

Además, algunos directores nórdicos, aparte del reputadísimo Lars Von Trier, están despuntando como grandes creadores de historias oscuras con un sello muy personal. El caso más paradigmático es el del danés Nicolas Winding Refn, que se ha convertido en director de culto fuera de sus fronteras gracias a Drive. Otro caso es el de Tomas Alfredson, director de la muy notable película de vampiros Let me in y, posteriormente, del thriller de espías El Topo. Así como Niels Arden Oplev -uno de los dierectores del Milleniuem sueco- que también dará el salto a Hollywood con Dead Man Down, un thriller frenético con Colin Farrell y Noomi Rapace -su Lisbeth Salander-, como protagonistas.

En cuanto a actores más destacados nos encontramos al consagrado actor danés Mads Mikkelsen, convertido en estrella internacional gracias a su villano Le Chiffre en la jamesbondiana Casino Royale y que recientemente ha ganado la Palma en Cannes al mejor actor por Jagten, de Thomas Vitenberg. Actualmente, despunta el también danés Nikolaj Coster-Waldau, el villano de Headhunters, que triunfa como Jamie Lannister en la exitosa serie Juego de Tronos. Así mismo, el noruego Aksel Hennie, protagonista de Headhunters, intervendrá en A Good Day to Die Hard, la quinta entrega de la saga Jungla de Cristal de John McClane (Bruce Willis).

Así pues, si son capaces de derretirnos o aterrarnos con sus miradas gélidas, su violencia extrema y su peculiar modo de enfrentarse a la vida, bienvenido sea esta nueva ola de cine nórdico.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: El danés Nikolaj Coster-Waldau, actor de gran proyección.

FESTIVAL OCHENTERO DE MAMPORROS Y EXPLOSIONES

Si bien hay géneros que nunca pasan de moda, tales como la comedia romántica o el fantástico, los hay que casi parecen circunscritos a una época muy determinada. Es por ello que, si bien el cine bélico y de acción llevaba una larga trayectoria, el subgénero que lideraron Chuck Norris y Sylvester Stallone eclosionó en los ’80 hasta que, a principios de los ’90, se dejaron de rodar los últimos títulos dignos de recordar.

Eran cintas que al principio tenían como telón de fondo la guerra de Vietnam y donde se describían los problemas sociales de quienes en ésta participaron. De estos primeros films destacan las sagas Desaparecido en Combate y Rambo, protagonizadas por los ya mencionados Chuck Norris y Sylvester Stallone. De modo complementario, Stallone creó otra saga son su afamado Rocky y Chuck contrapuso  al afamado Coronel Braddock con propuestas como Delta Force y McQuade.

Al dúo que lideró el género se le ha de sumar una persona más centrada en el cine de acción y fantástico que ha dejado profunda huella en el cine de acción.Estamos hablando de Arnold Schwarzenegger. Sorprendió en Conan e hizo temblar a la audiencia con en las dos partes de Terminator y Desafío total. Asimismo, lideró Commando, que bien podría haber estado protagonizada por Chuck o Sly. También se le ha de tener en cuenta por haber mezclado con éxito el cine de acción y la comedia tal como hizo en Mentiras arriesgadas o El último gran héroe.

Han habido otros actores quienes, con mayor o menor fortuna, llenaron la pantalla de explosiones y luchas cuerpo a cuerpo fueron. Uno de ellos Bruce Willis con su sufridísimo alter ego de McClane en la saga Jungla de Cristal y El último boy Scout, del recientemente fallecido Tony Scott. Jean Claude Van Damme y Dolph Lundgren coincidieron en Soldado Universal, siendo el primero quien gozara de mayor éxito.

A esta lista de viejas glorias del cine de acción hay que añadir una nueva cara que, a base de golpes y disparos se abre paso: Jason Statham se forjó a las órdenes de Guy Ritchie en Lock & Stock y Snatch: Cerdos y diamantes, así como ha protagonizado la trilogía de Transporter.

Todos ellos coiciden ahora en la gran pantalla en Los Mercenarios 2, un festival ochentero de mamporros, explosiones y mucho humor.

D.PALOMAR.-

Pie de foto: Rambo de Stallone, una imagen mítica del género.

JÉRÉMIE RÉNIÉR, NO CONFUNDIRLO CON JEREMY RENNER

Ahora que está de actualidad, Jeremy Renner con El legado de Bourne, conviene descubrirlo y no confundirlo -más que nada por su nombre y apellido- con otro actor también en cartelera: Jérémie Réniér, que interpreta a un cura muy lleno de dudas en Elefante Blanco, de Pablo Trapero, junto a Ricardo Darín.

Réniér es un actor belga de 31 años, proveniente del cine más indie. Actor fetiche de los hermanos Dardenne, ha protagonizado la durísima y multipremiada, El niño, como pareja de Déborah Françoise; y más recientemente, en El niño de la bicicleta, acompañando a Cécile de France.

Además, Réniér es una presencia habitual en el cine francés. Sus interpretaciones más destacadas serían en Las horas del verano, de Olivier Assayas y Potiche, donde encarnaba al hijo homosexual de Catherine Deneuve y en la comedia romántica coral, El Pastel de boda.

Aunque también ha dado el salto al cine más internacional, con sus interpretaciones en la comedia negra Escondidos en brujas, de Martin McDonagh, donde hacia de novio ladrón de Clemency Poésy; y en Expiación, de Joe Wright, junto a Keira Knightley y James McAvoy.

Aunque Réniér no va tan lanzado como Renner, es un actor muy a tener en cuenta por la intensidad de los papeles que interpreta, navegando con igual soltura entre el drama y la comedia.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Jeremie Réniér, un intenso actor belga. 

LOS M&M DE TED

Mark Walhberg y Mila Kunis son Johnny Bennet y Lori Collins, la pareja en carne y hueso, contrapunto del personaje del osito Ted, el mejor amigo de Johnny desde la infancia. Es la tercera vez en sus carreras en la que estos dos actores coinciden, después de Noche loca,de Shawn Levy y Max Payne, de John Moore. Ambos han transitado por todos los géneros: desde la comedia al drama. Pero vamos a hacer un repaso de sus papeles más memorables.

Mark Walhberg acertó al protagonizar el drama sexual Boogie Nights, de Paul Thomas Anderson y con Infiltrados, de Martin Scorsese, junto a su amigo Leonardo DiCaprio. Además, destacó en el intenso thriller, La noche es nuestra, de James Grey,haciendo de "hermano bueno" de Joaquin Phoenix. Además, acompañó a Christian Bale en el drama familiar y pugilístico,The Fighter, de David O.Russel y repitió en el cine de acción con Contraband -años después de su éxito en The italian Job-. Walhberg volverá a protagonizar un thriller, Broken City, junto a Russell Crowe y Catherine Zeta-Jones y producirá la comedia gamberra Thee Mississipi, con Adam Sandler y Will Ferrell como protagonistas.

Mila Kunis ha tenido una carrera más errática hasta el momento. Su mejor papel ha sido dando la réplica a Natalie Portman en la extrañamente perversa Cisne Negro, de Darren Aronofsky, cuya escena lésbica con la Portman dio mucho que hablar. En comedia, ha doblado al personaje de Meg Griffin en Padre de Familia y ha protagonizado junto a Justin Timberlake la simpática Con derecho a roce. Aunque sus proyectos en cartera son de lo más interesante: Oz, un mundo de fantasia, de Sam Raimi; Blood Ties, de Guillaume Canet junto a Marion Cotillard y Jupiter Ascending, la nueva de los hermanos Wachowski.

Así pues, este trío de comedia, junto al osito Ted, funciona y promete tantas sorpresas como si de una película de Judd Apatow, con unas gotas de Resacón en las Vegas y de South Park se tratase.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: M&M con Ted, un trío que promete mucho humor gamberro.

JEREMY RENNER: CONSTRUYENDO AL AGENTE PERFECTO

Jeremy Renner es el nuevo héroe de acción. Este rubio actor californiano de 41 años, de gesto rudo y expresiva mirada azul acero, heredero de la dureza de Daniel Craig y el canallismo de Colin Farrell, se ganó un hueco en el olimpo de Hollywood tras protagonizar la oscarizada En tierra hostil (Hurt Locker), de Katheryn Bigelow en 2008 por la que sumó varios premios de Asociaciones de Críticos y nominaciones, entre ellas al Oscar, al Independent Spirit Award -que había ganado en 2002 con su difícil e interesante rol de asesino en serie en Dahmer-.

En The Hurt Locker, Renner interpretaba con intensidad y convicción al obsesivo sargento de primera Will James siempre en misiones de desactivar explosivos en Oriente Medio, un papel que nos descolocó.

Dos años después, volvió a estar nominado al Oscar, esta vez como actor de reparto, en The town, ciudad de ladrones -la segunda película como director de Ben Affleck-. Renner volvía a un papel intenso y complejo y, de nuevo, salía airoso.

Después Tom Cruise se fijó en él como el agente de apoyo William Brandt, que sería el contrapunto cómico a su Ethan Hunt en Mission: Imposible Protocolo Fantasma, la cuarta parte de esta saga.

Curiosamente, ahora se encarga de la cuarta parte de la saga del agente Jason Bourne: El legado de Bourne, que es una reformulación de esta trilogía a partir de un nuevo personaje: Aaron Cross, un agente superdotado y con ansias de supervivencia, que vive totalmente enganchado a las pastillas para mejorar su rendimiento físico e intelectual. Un papel donde Renner vuelve a brillar, esta vez como protagonista absoluto -eso sí, muy bien arropado por Rachel Weisz- con una mezcla de rudeza y sensibilidad, marca de la casa.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Jeremy Renner, un actor rudo y sensible.

RIDLEY SCOTT, UN CLÁSICO CONTEMPORÁNEO

El director británico Ridley Scott (1937) es un viejo lobo del cine. El director ha construido una sólida carrera cuyos títulos se engloban en tres grandes apartados: la sci-fi de acción; la aventura épica y las historias contemporáneas.

Se inició en 1977 con Los duelistas, que se incluiría en la categoría de aventuras épicas. Aunque logró su mayor reconocimiento dos años después, en 1979, año en el que firmó una de sus grandes obras maestras: Alien, el octavo pasajero, una de las películas fundacionales del género del horror espacial que encumbró la carrera de Sigourney Weaver como la aguerrida teniente Ellen Ripley.

Tres años después firmaría otra obra maestra del género sci-fi futurista. Blade Runner, donde Scott daba otra lección magistral sobre cómo creía que iba a ser el mundo del mañana.

En el año 1991 cambió totalmente de orientación rodando una road-movie con dos mujeres como protagonistas, Thelma y Louise, que supuso el espaldarazo definitivo a las carreras de Geena Davis, Susan Sarandon y supuso el debut del entonces desconocido Brad Pitt. La década de los 90 estuvo llena de fiascos para Scott: 1492, la Conquista del Paraíso,Tormenta Blanca y G:I Jane resultaron tres fracasos,tanto de cara a la taquilla como por su poco reconocimiento crítico. 

Cuando creíamos que su carrera estaba en punto muerto y sin retorno, Scott fue capaz de reinventarse a sí mismo resucitando un género que todos consideraban muerto y enterrado: el péplum. Su Gladiator supuso una revolución cinematográfica que se vio recompensada con 5 Oscars de la Academia de Hollywood -entre ellos el de mejor película y mejor actor para Russell Crowe-, aunque ninguno para su director. Scott volvería años después al género épico de aventuras, aunque con peores resultados que en Gladiator, primero con El reino de los cielos y más tarde con una nueva revisitación del mito de Robin Hood, para el que contó de nuevo con su cómplice Russell Crowe.

En cuanto a películas contemporáneas, de 2003 a 2009, firmó tres títulos bastante dispares entre sí: el divertimento Un buen año; el thriller gangsteril, American Gangster y la intriga política Red de Mentiras, reservando en cada una de ellas un papel destacado a su amigo Crowe.

Este año vuelve a apostar fuerte con el estreno de Prometheus, donde asegura desvelarnos el origen de Alien y está preparando un proyecto sobre Blade Runner. Ya se sabe que los clásicos no pasan nunca de moda, sólo se reinventan o se plagian a sí mismos.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Con Prometheus, Ridley Scott ha rodado por primera vez en 3D.

ELISABETH SHAW, LA ANTECESORA DE LA TENIENTE RIPLEY

La arqueóloga Elisabeth Shaw es la antecesora de la teniente Ellen Ripley, en cuanto a tiempo en que se desarrolla la acción de Prometheus -o sucesora -si se tiene en cuenta que la película se ha rodado 33 años después de Alien: el Octavo Pasajero. Pero, mientras que Ripley era el alma máter de la nave Nostromo, Shaw es lo propio en la nave Prometheus. Este personaje es más naif, vulnerable y femenino que el de Ripley aunque, eso sí, es tan luchadora, valiente y decidida como el personaje que hizo famosa a Sogourney Weaver.

¿Quién es Noomi Rapace, la actriz que la interpreta? Noomi, de 32 años, se dio a conocer al mundo en el 2009 en la versión original sueca de la trilogía Millenium, del escritor Stieg Larsson, que después se trasladó también a la pequeña pantalla. Ella encarnaba a otro personaje fuerte y muy sufrido, el de la hacker hipertatuada y extremamente traumatizada, Lisbeth Salander, uno de los personajes icónicos de la nueva novela negra nórdica contemporánea.

Más recientemente, ha intervenido en Sherlock Holmes: Juego de Sombras, de Guy Ritchie y dentro de poco estrenará el nuevo e intenso thriller, Passion, de Brian De Palma, junto a Rachel McAdams -con la que ya coincidió en Sherlock Holmes-. Además, Niels Arden Oplev, el director que la dirigió en la primera parte de Milleniuem, la ha escogido como protagonista en su película debut en Hollywood: Dead Man Down, en la que compartirá andanzas con Colin Farrell. Además, en 2013 protagonizará Knockout, de Catherine Hardwicke (Crepúsculo), junto a su ex-marido en la vida real, Ole Rapace -con el que tiene un hijo-.

Así pues, Noomi es una actriz de carácter, de madre sueca y padre español -era cantaor flamenco-. Por ello, la joven resulta tan exótica y a la vez tan racial y temperamental. En definitiva, una más que digna sucesora de Ripley.

SONIA BARROSO.- 

Pie de foto: Noomi Rapace es Elisabeth Shaw, decidida arquóloga de Prometheus.

EL ÚLTIMO NOLAN

Hemos de reconocer que antes de la trilogía Batman, Christopher Nolan no era uno de nuestros directores favoritos. De hecho Memento nos parece una obra sobrevalorada, pues su guión es harto complicado y su desarrollo narrativo demasiado lento para atrapar a un espectador de cine convencional. Sí que es verdad que en su estructura narrativa ya se podía intuir el futuro sello Nolan, que le ha hecho un realizado personalísimo, original e indiscutible.

Origen es, desde nuestro punto de vista, su película de referencia sobre la que se ha apuntalado su contribución a la trilogía Batman. Sí que es cierto que cuando rodó Origen, Batman Begins y El Caballero Oscuro ya estaban estrenadas, no obstante Origen contiene todos los elementos que configuran su estilo narrativo: gran poder visual, enorme capacidad para absorber la atención del espectador en su alambricada trama, gusto por los personajes con recovecos y múltiples niveles de interpretación, etc.

Si bien la idea de un director puede ayudarle en la creación o destrucción de sus universos personales, en el caso de Nolan, esta idea perfeccionada le ha conducido a El Caballero Oscuro:La Leyenda Renace. En ésta, encontramos una perfecta simbiosis entre espectacularidad e intimismo, luz y sombra, continuidad y sorpresa. Con una cuidada puesta en escena y una no menos cuidada dirección de actores, cuyos personajes tienen, cada uno de ellos,  su momento: tanto de gloria como de caida a los infiernos.

Al igual que sus coetáneos de generación, tales como David Fincher o Tim Burton, Nolan, también ha sabido crear su sello, su marca personal que le hace reconocible y único en cada uno de sus trabajos. Y puesto que él mismo, cree que su obra no se puede superar, ha anunciado que seguramente deja la dirección a la par que clausura la trilogía del hombre murciélago.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Christopher Nolan contemplando su última creación.

JOSEPH GORDON-LEVITT, UN ALIADO EN GOTHAM CITY

Si un personaje sorprende en The Dark Knight Rises, el final de la trilogía Batman, es el de Joseph Gordon-Levitt. Él es el oficial de policía John Blake, quien comparte con Bruce Wayne unos orígenes familiares y personales muy parecidos. Él es el Moisés del relato, llamado a salvar a Gotham City, de la mano del hombre murciélago...y hasta ahí os podemos contar. Lo que si podemos avanzaros es que su papel dará mucho que hablar y es bastante decisivo en el tramo final de la película y en el cierre de la trilogía de Christopher Nolan.

El actor que lo interpreta no es un recién llegado. Despuntó hace unos años con una rareza indie y noir, Brick, donde interpretaba un personaje que no era lo que parecía. Más tarde, dio la vuelta a las rom-com indies con 500 días juntos junto a Zooey Deschanel. Christopher Nolan contó con él para Origen y ha vuelto a hacerlo en The Dark Knight Rises. Este actor californiano de 31 años, de rostro aniñado y angelical, se instalará como una presencia habitual del cine de acción, pues en agosto le veremos en la adrenalínica Sin frenos, de David Koepp y tiene pendiente de estreno de Looper, donde repite con Rian Johnson, director de Brick. Además, será el Lincoln de Steven Spielberg en la cinta del mismo nombre. Así pues, le auguramos una más que prometedora carrera cinematográfica.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Blake, policía íntegro de Gotham City.

TOM HARDY: EN LA PIEL DEL TEMIBLE BANE

Tom Hardy es el nuevo "chico Nolan". El actor británico de 34 años saltó a primer plano con sus espectacular interpretación en Origen, de Christopher Nolan, que le valió un Bafta en 2010 al descubrimiento del año. Más tarde sería Ricki Tarr, el espía enamorado y escondido de El Topo, de Tomas Alfredson.

Este año despuntará como el villano Bane en The Dark Knight Rises, el cierre de la trilogía del hombre murciélago de Nolan. Su mayor reto: hacernos olvidar la memorable y trágica performance de Joker de Heath Ledger en The Dark Knight. Su villano, a diferencia del desequilibrado Joker, es un enimigo más al uso, meticuloso y salvaje a partes iguales, aunque no por ello menos temible. Bane, encarcelado en su pasado, no sólo quiere acabar con Batman (Christian Bale), sinó destruir toda Gotham City para imponer su ley.

Así pues, nos encontramos ante un malo malísimo megalómano, con delirios de destrucción masiva y de una brutalidad impactante, su presencia es la de un luchador de pressing-catch con una máscara que recuerda a la del caníbal Hannibal Lecter.

El camaleónico y atractivo intérprete tiene en marcha varios proyectos, entre ellos el de Mad Max 4: Fury Road, junto a Charlize Theron.

Así pues, Tom Hardy, heredero de la atractiva ambigüedad de Jonathan Rhys-Meyers y de la insolente imponencia de Val Kilmer, va a ser una de las presencias a tener en cuenta para todo buen aficionado al cine. Que tiemblen Michael Fassbender y Ryan Gosling, pues Hardy pide guerra y viene pisando fuerte. Él es el descubrimiento del año y el nuevo Batman le va a poner en boca de todos.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Tom Hardy y Bane, su alter égo más oscuro.

ANDREW GARFIELD, CONOCIENDO AL NUEVO PETER PARKER

Hasta hace un par de años, Andrew Garfield era un completo desconocido para el gran público. Entonces llegó David Fincher con La red social y le dio uno de los roles protagonistas de la historia fundacional de Facebook. Él interpretaba a Eduardo Saverin, estudiante brasileño en Harvard y mano derecha de Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg) en el “invento” que revolucionó las redes sociales. Y, aunque fue Eisenberg quien se llevó los laureles, siendo nominado al Oscar, Garfield llamó la atención por su elegancia y por su saber estar en un rol que parecía tejido a su medida.

No obstante, este actor de 28 años nacido en Los Ángeles y criado en Sussex, Inglaterra, no era un recién llegado. Había intervenido en varias series de televisión, ganó el Bafta en 2008 por la serie de TV A Boy. Además de intervenir en películas como Leones por corderos, Nunca me abandones y El imaginario del Doctor Parnassus, eso sí, siempre en papeles secundarios.

La oportunidad de oro que le brindó La red social llamó la atención de Marc Webb, quien lo fichó para protagonizar la nueva versión del trepamuros más querido de Marvel Cómics. Tenía el difícil reto de hacernos olvidar el Peter Parker perfectamente creíble y sensible encarnado por un Tobey Maguire en estado de gracia.

Junto a Emma Stone (Criadas y señoras, Crazy stupid love y pronto en Gangster Squad), quien interpreta a Gwen Stacy en The Amazing Spiderman, forman una pareja dentro y también fuera de la pantalla de jóvenes, guapos y talentosos actores para una nueva generación de veinteañeros.

Sus armas para triunfar como Spiderman son una cara de niño bueno y la natural espontaneidad con la que asume un rol dramático y consigue darle la vuelta llevándolo a un terreno más cómico. Además de enfundarse en un traje de látex y no desmerecer en el intento, gracias a su espigada percha y a su porte.

Seguramente este Spiderman es el primero de una trilogía de nuevas películas, mientras esperamos su próximo estreno, que le unirá a otros jóvenes talentos que provienen del “mundo de los superhéroes” como Chris Hemsworth (Thor, Los Vengadores) y Tom Hardy (villano en The Dark Knight Rises).

SONIA BARROSO.-

EL CUERPO INAUGURARÁ LA 45ª EDICIÓN DEL FESTIVAL DE SITGES

La 45ª edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya se celebrará del 4 al 14 de octubre con la sombra de un imaginario Apocalipsis amenazando desde su imagen. El Cuerpo, del debutante Oriol Paulo, un thriller psicológico lleno de suspense protagonizado por Belén Rueda, José Coronado, Hugo Silva y Aura Garrido, será la encargada de inaugurar el certamen. 

Sitges continua su apuesta por el cine catalán, como viene siendo habitual en pasadas ediciones -recordemos el año pasado el éxito de Eva de Kike Maíllo y Mientras duermes, de Jaume Balagueró-. Este año será el turno de Insensibles, ópera prima de Juan Carlos Medina, y El bosc, lo último de Óscar Aibar.

SECCIÓN OFICIAL POTENTE

Asimismo, el certamen contará con el mejor cine fantástico de producción internacional. En sección oficial se esperan platos fuertes como la última de David Cronenberg, Cosmópolis, protagonizada por Robert Pattinson y basada en la novela de Don DeLillo;  la nueva de Léos Carax, Holy Motors y la epopeya en 3D de Tsui Hark, Flying Swords of Dragon Gate, uno de los grandes éxitos locales del año en China; y Jennifer Lynch, ganadora del Festival en 2008, vuelve con un aterrador relato sobre un serial killer, Chained. 

También destacan Sinister, de Scott Derrickson, en la que Ethan Hawke se enfrenta a un terrorífico caso paranormal, así como dos títulos renovadores del imaginario del Mal: la producción de Sam Raimi The Possesion, dirigida por Ole Bornedal; y Lovely Molly, la nueva película de Eduardo Sánchez (El proyecto de la bruja de Blair).

Pascal Laugier, responsable de la polémica Martyrs, presentará su impactante The Tall Man, protagonizada por Jessica Biel, mientras que Don Coscarelli traerá su esperada John Dies at the End, con Paul Giamatti. No se puede dejar de citar en este apartado dominado por el terror la presencia del remake del clásico slasher americano de 1981, Maniac, producida por Alexandre Aja y protagonizada por Elijah Wood.

LLEGA EL APOCALIPSIS

El Festival también acogerá la presencia obligada del Apocalipsis en este año marcado por el fin del los tiempos, con la violentísima The Day, de Douglas Aarniokoski, o el filme de segmentos coreano Doomsday Book, codirigido por Kim Jee-wong (Encontré al diablo) y Yim Pil-Sung (Hansel and Gretel). Esta última no será la única presencia del cine coreano en la programación, representado en la Sección Oficial también por Nameless Gangster, de Jong-bin Yun, una de las sensaciones del box-office de su país este año.

La cada vez más popular Sección Nuevas Visiones, dedicada a apuestas radicales, transgresoras o experimentales, tendrá de Love´s Sake Takashi Miike como una de sus apuestas seguras. En la parte documental cabe resaltar Room 237, de Rodney Ascher, obra que gira en torno al universo sugerido y generado por El resplandor, de Stanley Kubrick.

Para los amantes de las emociones más fuertes y noctámbulas, Sitges ha preparado un programa de maratones donde se podrán ver, entre muchas otras películas, Zombie Ass, de Noburo Iguchi Y la británica Cockneys vs. Zombies, de Matthias Hoene.

NOVEDADES

Una de las novedades de esta edición será que Filmin, el mejor portal de cine on line del Estado español, ofrecerá en su plataforma algunos de los estrenos programados en la edición de este año del certamen. Dichas premieres se podrán ver en Filmin desde el día siguiente a su proyección en el Festival y sólo durante un período de tiempo determinado.

Otro punto a destacar será que el certamen se alía en esta edición con 3XL, el canal juvenil de TV3, para explorar el mundo fantástico de la producción televisiva de la BBC de los últimos años, como la mítica serie Doctor Who o la exitosa y revolucionaria visión de Sherlock, el personatge de Conan Doyle, u otras producciones que se han convertido en culto instantáneo en todo el mundo, tales como Misfits, Psychoville y The Fades.

FACESONTHEBOX.-

Pie de foto: Cartel de la 45ª edición del Festival de Sitges dedicada al Apocalipsis.