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DULCE Y AMARGA EXISTENCIA

DULCE Y AMARGA EXISTENCIA

Michel Gondry es un creador de universos peculiares que giran en torno a la parte más melancólica y romántica de la existencia humana, así son sus anteriores creaciones, piezas de orfebrería cinematográfica con un toque de delicatessen, tales como Olvídate de mí, La Ciencia del sueño y Rebobine, por favor.

En La espuma de los días, Gondry vuelve al intimismo de una pequeña gran historia de amor, narrada con mimo y llena de fantasía e imaginación desbordante. Los dos seres, interpretados por unos creíbles Romain Duris y Audrey Tautou, pasan de la alegría del enamoramiento, inundando la pantalla de colorido y gran iluminación a la tristeza ante las dificultades de la vida (problemas laborales y económicos, enfermedad, etc), escenas en las cuáles el film se torna gris y en blanco y negro.

Los dos actores ya tienen experiencia en tramas románticas, ella siempre será la extraña y fascinante Amélie Poulain, mientras que él sólo hace unos meses que inundaba de amor y ñoñería nuestras carteleras con la deliciosa Populaire. Por lo tanto, la química entre ellos funciona y hace que el espectador más familiarizado con el cine Gondry, se implique en esta maravillosa historia.

La película, que bebe del propio cine de Gondry y también del de Jean-Pierre Jeunet (sobre todo de Delicatessen y de la romántica Amélie) es una melancólica sinfonía de claroscuros vitales, con el dulce y el amargo como sabores de los que se compone, inevitablemente toda relación de pareja en particular y toda vida humana, en general.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: La romántica pareja protagonista.

 

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61 ZINEMALDIA: LOS FILMS DE FIRTH DECEPCIONAN, MCCONAUGHEY SORPRENDE Y JIA ZHANGKE VUELVE A DEMOSTRAR SU MAESTRÍA

61 ZINEMALDIA: LOS FILMS DE FIRTH DECEPCIONAN, MCCONAUGHEY SORPRENDE Y JIA ZHANGKE VUELVE A DEMOSTRAR SU MAESTRÍA

¿Otra vez? La primera cinta de ayer miércoles no empezó con buen pie. Después del pase vespertino para la prensa el dia anterior, el público ha podido ver lo último de Johnatan Teplitzky con Colin Firth y Nicole Kidman: Un largo viaje. Uno de los films mas esperados (sobre todo por su reparto) que, por desgracia, ha vuelto a ser una decepción importante. Y ya llevamos unas cuantas, teniendo en cuenta lo bien que empezamos esta 61 edición del Zinemaldia.

Una buena historia que, si bien tiene una gran resolución final, deambula en la progresión tediosa, pomposa y artificial durante el resto de metraje. Sus buenos factores y reparto no sirven para rescatar esta historia del tedio. Después de una presentación de personajes que recuerda a una versión autoparódica de Corín Tellado, nos adentramos en los traumas bélicos de Lomax, donde la pretenciosidad y la impersonalidad se dan de la mano con el simulacro, cosa que un film de estas características nunca puede hacer.

Después de este viaje por el melodrama era el turno de otra ración de Perlas: la del film de Jia Zhangke. La cinta del director de Plattform o Naturaleza Muerta trata el tema de la violencia y su título es A Touch of Sin. Cuatro personajes, cuatro provincias  diferentes y una reflexión sobre la sociedad china contemporánea: Un universo con un espectacular incremento económico el cuál, sin embargo, va ligado a una violencia contenida. Y es la que estalla en la pantalla sin edulcorantes. Una propuesta que acaba siendo con toda probabilidad la apuesta mas impactante de su creador. Porque esta vez no valen los espectadores con estómagos sensibles en la sala. Es cruda como la violencia real.

Para saber más sobre este laureado realizador, hemos podido entrevistarle para saber algo más sobre él y su obra. Un director, que después de debutar con su homenaje a Robert Bresson, (Pickpocket) en 1998 se ha convertido en el realizador más reputado del cine asiático; siendo admirado por directores de la talla de Steven Spielberg o Quentin Tarantino.

Según su particular visión del cine, contenida en su película, A touch of Sin y, por extensión, a su filmografia, el director nacido en Fanyang nos ha dicho lo siguiente:"Me gusta muchar rodar mis películas en formato documental porque me gusta la originalidad y naturalidad de la vida". Respecto al Jia Zhangke de sus inicios y el actual, el cineasta nos dice que su cine ha evolucionado en diferentes aspectos. "Antes de 2008, me centraba mucho mas en los personajes, pero ahora me fijo mucho mas en sus historias". Sobre si la reacción de Spielberg en Cannes tras el visionado de su último trabajo y si este va a suponer un paso al cine de Hollywood, Jia Zhangke se muestra prudente y dice " No, no creo". Aunque tras esta modestia haya el director asiático mas vitoreado por la prensa cinematogràfica internacional.

Por su parte, Colin Firth ha presentado otra pelicula suya a concurso. Ni más ni menos que Devil’s Knot. El film, dirigido por Atom Egoyan y basado en una historia real, la de tres niños de 8 años, que son brutalmente asesinados en Memphis, mientras que las autoridades locales se ven sometidas a una gran presión popular para dar rápidamente con los culpables. Una serie de pruebas circunstanciales unidas a las habladurías de la gente dan pie a una caza de brujas contra tres muchachos satánicos. Reese Witherspoon, Colin Firth, Mireille Enos y Kevin Durand son los protagonistas de esta confusa y artificiosa historia, configurada como un telefilm de sobremesa maniqueo de forma exagerada. No se entiende que un producto de tal bajo calado esté compitiendo en Sección Oficial. Y mucho menos que lo firme Egoyan en la dirección.

Pero para quitarnos el mal sabor de boca estaba Dallas Buyer Club. ¿Qué mejor forma de despedir el día que este cruce entre Breaking Bad (aunque mas bien Breaking Good, en este caso), Californication tejano, Johnny Q y Philadelphia? ¿Qué mejor manera de irse a dormir recordando las espectaculares performances del protagonista de Mud y de Jared Leto? Quizás lo mas flojo de esta gran historia sea su final, un desenlace algo tosco y apresurado.Pero este relato está lleno de humor, crudeza y tristeza, a partes iguales. La cinta, basada en la vida real de Ron Woodroof, drogadicto y mujeriego, al que en 1986 le diagnosticaron el SIDA, es un estupendo film que le puede traer la primera nominación al Oscar a Matthew McConaughey. Le seguiremos la pista. Y nosotros mañana...seguiremos informando.

JOAN BOTER ARJONA.-

61 ZINEMALDIA: DE LAS RISAS AL AZOTE POLÍTICO DE OLIVER STONE

El martes por la mañana era la de las risas por partida doble: La sátira política de Quai d’Orsay, de Bertrand Tavernier, en sección oficial y en Perlas, About Time de Richard Curtis. La primera es una comedia francesa protagonizada por Alexandre Taillard de Vorms, Ministro de Asuntos Exteriores de Francia, siempre dispuesto a tratar con los poderosos y consolidar su candidatura para el Premio Nobel de la Paz. Una cinta que ha arrancado muchas carcajadas en su pase de prensa, pero es demasiado plana, reiterativa y lineal, amén de tener un humor excesivamente intelectualizado para mi gusto. No voy a negar que tiene momentos divertidos e inspirados, pero todo esta estirado a la extenuación del vacío.

Y esta vez sí seguimos con risas. Con risas que acaban en llanto. Y que emocionan. Y que hacen pensar. Estamos hablando de la última pelicula de Richard Curtis, About Time.Tras ayudar en el guion de War horse (Caballo de batalla) de Steven Spielberg, Curtis comenzó a trabajar en esta comedia romántica  sobre viajes en el tiempo al más puro estilo Atrapado en el Tiempo, donde el director de Love Actually deja su sello y su habilidad para dominar los recursos de la comedia dramática de forma envidiable. En ella, Domhnall Gleeson, tiene el don de viajar en el tiempo y usará esta habilidad para conquistar a la chica de sus sueños (angelical Rachel McAdams acostumbrada a las historias románticas en El Diario de Noa y a los viajes temporales, en Más allá del tiempo). Este es el punto de partida de una historia sobre la vida que va mucho mas allá de su premisa inicial. La mejor comedia del año con diferencia se titulará en nuestro país Una cuestión de tiempoy llegará en nuestros cines el 18 de octubre. No se la pierdan.

Cambiando de tercio, hoy se han emitido los dos últimos capítulos del documental drigido por Oliver Stone: The Untold Story of United States. Stone ha narrado y escrito este "martillo" contra la política de su país en colaboración con Peter Kuznick, profesor de Historia y director del Instituto de Estudios Nucleares de la American University. Esta serie de doce episodios de una hora de duración se centra en una serie de hechos de los que nunca se informó en su momento, pero que forjaron de manera crucial la singular y compleja historia de Estados Unidos en el siglo XX hasta nuestros días.

Al finalizar la serie, Oliver Stone ha respondido a las preguntas de los espectadores y de este redactor, que ha tenido la oportunidad de entrevistarlo. Le han preguntado sobre los dos últimos episodios que abarcan los 13 primeros años de este nuevo siglo. Stone es muy crítico con la política, no sólo del presidente George W. Bush, sinó también con el actual presidente Obama. Además hace hincapié en la política que ejerce USA frente a China "Estados Unidos tiene un miedo económico, pero China nunca va a pasar a Estados Unidos como número 1 económico del mundo". Y es que hay que recordar que en los últimos años se están mudando las grandes productoras de Hollywood al continente asiático, pero Stone aún cree que su país tiene cuerda para rato...muy a su pesar.

Y hoy se presenta otro día muy cargado de cine. Enemy parece que suena menos para la Concha, después de la llegada del film de Trueba. Pero faltan aún varias peliculas en Sección Oficial que aún pueden dar la sorpresa. Así que seguiremos informando.

JOAN BOTER ARJONA.-

61 ZINEMALDIA: GRAVITANDO EN LA TIERRA

Ayer asistimos a la rueda de prensa de Caníbal, donde su director, Manuel Martín Cuenca,presentó su film en el Kursaal después de convencer en su pase de prensa en el día anterior. Su director nos explicó que la sinfonía de silencios del que se compone el film se basa en la pintura, máxima fuente de inspiración de su cine. Sobre su personaje, Antonio de la Torre, aparte de bromear sobre si sigue "tomando carne" nos dijo que una de las cosas más importantes para poder crear su personaje era que "necesitaba sentirse sastre". Otra de las perlas que soltó el actor andaluz fue acerca de su forma de afrontar sus papeles" Yo trabajo desde el alma". Recordamos que la cinta es una de las candidatas a representar a nuestro país en los Oscar.

Pero lamentablemente no todas las "perlas" de este festival relucen como su nombre indica. Porque también tenemos que hablar de una notable decepción: la ganadora del Oso de Oro de Berlín, La Postura del Hijo. La historia de Cornelia, interpretada por Luminita Gheorghiu, una mujer rica de 61 años, que hará todo lo posible por librar de la cárcel de su hijo de 31 por un accidente de tráfico mortal. Sin embargo, la cinta alarga las secuencias hasta el tedio y las sumerge en la frialdad y la linealidad este film dirigido por Calin Peter Netzer. Sólo unos grandes 15 minutos finales "salvan" la película, pero aún así es demasiado coste para un film tan desaprovechado.

Más entusiasmo consiguió la otra Perla del día. Aunque más que entusiasmo fue un clamor general. La ovación más grande con diferencia que ha habido hasta ahora en un pase en esta edición. No es para menos. Estamos hablando de Gravity, la última cinta de Alfonso Cuarón. Hora y media en el espacio con Sandra Bullock y George Clooney. Literalmente. Una experiencia nacida para ser vivida en una sala de cine en 3D. La mejor película del año con diferencia, por lo menos. Gravity es uno de esos films que no se pueden contar con palabras. Hay que vivirlo.

La ovación siguió en la sala de prensa. Alfonso Cuarón contó que tardó cuatro años y medio a llevar este proyecto adelante y que nunca pensaron que sería tan complicado de hacer. La explicación de Cuarón al plano secuencia con el que se construye el film tiene que ver con los documentales de la Nasa. "Todo es un solo plano porque no se puede cortar por alrededor". Además, también hizo hincapié en el punto de vista que querían experimentar en la película, que es absolutamente objetivo a diferencia de la subjetividad de Y tu mamá también. "Es como si el espectador se convirtiera en un tercer astronauta", declaró el director más ovacionado del festival.

No obstante, y cuando nadie esperaba nada después de Gravity, otra cinta (esta vez de Sección Oficial) despertó los mayores vítores en la sala (dentro de concurso, eso sí). Se trata de la comedia dramática de David Trueba, Vivir es con los ojos cerrados. La historia ocurre en la España de 1966, un profesor de escuela va a Almería porque su sueño es conocer a John Lennon, que esta rodando una película y lo hace acompañado de dos jóvenes que se han fugado de casa. Un film que, sin embargo, este cronista tendrá que disentir de la opinión general. Aparte de momentos de humor inspirados y capitaneados con un gran Javier Cámara y del duende que desprende Natalia de Molina, estamos ante un correcto dramedia, de sentimentalismo maniqueo de manual y con un humor que también peca a veces de localista. Pero viendo la percepción de los críticos en general, diríamos que es "su ganadora". Veremos. Seguiremos informando.

JOAN BOTER ARJONA.-

61 ZINEMALDIA: DE UNA BRUJA MULTIPREMIADA A UN CANÍBAL EXQUISITO

En el tercer día en el certamen donostiarra empezamos la mañana con una película de Sección Oficial; la que era para muchos, a priori, una de los posibles favoritas para conseguir la Concha de Oro. Pero, lamentablemente, tenemos que hablar de una notable decepción por parte de este cronista ante el resultado final. Mon âme par toi guérie no me ha convencido. El argumento es el siguiente: Después de la trágica muerte de una curandera, esta traspasa su don a su hijo Freddy, un "bala perdida", que no quiere oír hablar de ella y que lo repudia todo, encerrado en su dolor. Hasta que otro terrible suceso hará que este sanador empiece a aceptar esa extraña cualidad y la use en beneficio de los demás y, a la vez, para consigo mismo. 

Y es que, a pesar de una buena premisa con potencial; de algunos momentos inspirados en su metraje, -sobre todo al inicio-, y un director, quien hace 14 años ganó la Concha de Oro como es François Dupeyron, poco se puede salvar del film. La dispersión de mil subtramas carentes de interés es el mayor talón de Aquiles de la cinta, que termina por hacer naufragar este barco. Durante el camino, el mensaje se hace tan "esquivo" y su metraje es tan innecesario, que se desperdician las bases de lo que podía haber sido un film interesante. La prensa también ha recibido con frialdad esta propuesta. Apenas unos pocos aplausos después de un largo silencio de perplejidad. Veremos si el jurado opina lo mismo.

Ayer domingo era el día en el que Carmen Maura recibió con todo merecimiento su primer Premio Donostia y el primero que recibe en este certamen una actriz española. Hemos tenido el placer de poder charlar con esta gran actriz, que nos ha confesado que creía que "este premio se lo daban a las extranjeras" y que se sorprendió muchísimo cuando le comunicaron que le iban a ofrecer tal distinción. Además, Carmen nos ha hablado de la dura experiencia que ha sido rodar un film como Las Brujas de Zugarramurdi. Las condiciones extremas que actores y figurantes tenían que sufrir, sobre todo en el clímax de la nueva película de Álex de la Iglesia y la rapidez con la que tuvo que ser filmada, hna sido alguno de los aspectos que más ha destacado de la filmación del film. "Yo es de esas veces que me confirmo, que doy gracias a Dios, porque ha sido una película muy dura para Álex". Carmen sólo tiene buenas palabras para el director vasco y le dice que "le encantaría encontrar buenos papeles vengan de donde vengan". "En este momento de mi vida me da igual que la persona sea muy famosa o no le conozca ni Dios, que tenga 50, que tenga 15 ó que tenga 20. Me da igual". Aunque a su edad confiesa "aspiro a trabajar menos". La actriz quiere que su vida profesional no interfiera en su vida personal, así como huir del ritmo de trabajo vertiginoso que lleva varios años arrastrando.

Por su parte, tanto Mario Casas como Hugo Silva nos han dicho que les encantaría trabajar en el extranjero, ya que ambos adoran su profesión. Según Hugo,"este trabajo me hace ser mejor persona". También han querido lanzar una lanza en favor de la comedia, muchas veces denostada por la critica. En palabras de Mario Casas "A mí me parece mucho más complicada la comedia. O te tiras a un pozo o te la juegas y construyes unos personajes que te pueden salir mal o te pueden salir bien". El actor gallego no huye de su imagen mediática, ya que no olvida como aterrizó en la primera plana del escaparate nacional: "Estoy enamorado de películas como A Tres metros Sobre el Cielo y tengo Ganas de ti  porque me han dado muchísimo. Ojalá pudiera hacer siempre ese tipo de personajes, aunque me resulte imposible por la edad, a lo largo de mi vida". 

Por último, ayer se presentó una de las candidatas que se han preseleccionado la Academia del Cine Español para representar a nuestro país a los Oscar. Esta cinta, dirigida por Manuel Martín Cuenca y protagonizada por Antonio de la Torre, es una de las firmas candidatas a día de hoy a llevarse la Concha de Oro, junto con Enemy, de Denis Villeneuve. Y si no lo hace es por el papel protagonista del citado Antonio de la Torre. Su personaje de Carlos , sastre granadino de dia y asesino psicópata en la sombra, tiene todas las papeletas para hacerle merecedor del galardón a mejor actor . Si tuviera que definir este Caníbal sería como un "Dexter" europeo, que también recuerda algo a Hannibal por sus gustos culinarios, con un enfoque minimalista, donde la imagen y el silencio juegan un papel fundamental con su exquisita sutileza, que nos recuerda a El Americano, de Anton Corbijn. Una coproducción de España, Rumanía, Rusia y Francia, que acaba resultando una  verdadera exquisitez. Si resulta nuestra representante en los Oscar, deberá superar los prejuicios de jugar una liga (la del pyschokiller) muy jugada en aquellos lares. Pero difícilmente encontraremos una representante mejor, de tan alto nivel cinematográfico. De lo mejor del festival. La crítica en general, ha salido convencida de la propuesta.

En definitiva, un día completo y una noche aún mas especial. Porque, como hemos comentado antes, ayer noche fue la velada de Carmen Maura: con una expectación afuera del Kursaal digna de las grandes ocasiones. Pero la locura festivalera aún no ha terminado. Sin ir mas lejos, en unas horas nos espera Gravity, una de las Perlas más esperadas del festival. Seguiremos informando.

JOAN BOTER ARJONA.-

61 ZINEMALDIA: DE LA TRANQUILIDAD AL SALVAJISMO

Hoy tocaba inagurar la jornada con otro menú infantil. En este caso con Zipi y Zape y el club de la canica, de Oskar Santos. Unos Harry Potter más Goonies y pulp que los de J. K Rowling, que reformula la mitología del tebeo de Escobar en un espéctaculo infantil, que sobre todo va destinado a los mas pequeños de la casa. Buena factura, ritmo vertiginoso, en especial en el último tercio y una falta de pretensiones acaban por hacer funcionar este más que solvente film que poco tiene que envidiar al mainstream USA.

Aunque quien ha hecho emocionado a la platea es el film del japonés Hirokazu Koreeda y su Like Father Like son. Es cierto que le sobran unos minutos de metraje, pero la delicadeza, la ternura, la inteligencia y, sobre todo, la humanidad es lo que desprende esta magnífica pelicula, que ya dejó a Cannes rendido. Los kleenex circularon en el Victoria Eugenia gracias a esta conmovedora historia. Ryoata, un arquitecto obsesionado por su trabajo, forma con su joven esposa y su hijo de 6 años una familia ideal. Su vida surge un revés cuando la maternidad del hospital, donde nació su hijo, les informa que dos bebes fueron cambiados: El niño que crió no es el suyo y su hijo biológico ha crecido en un medio más humilde. Una historia sobre los valores y la familia que se llevó el Premio del Jurado en Cannes con toda justicia. Hemos tenido el placer de hablar con su director y nos ha explicado el carácter autobiográfico de la cinta y cómo ha jugado en el rodaje para plasmar la espontaneidad que los niños reflejan en la pantalla. Asimismo, nos confiesa su creencia de que el cine asiático cada vez tiene menos repercusión en el mercado internacional. Bastante sorprendente, teniendo en cuento el éxito de Cannes de su última obra y A Touch of sin de Jia Zhangke. Pero la mejor noticia es que este hombre tranquilo tiene 5 proyectos en mente  y que su cine seguirá esa senda autobiográfica y familiar que ya empezó en Still Walking. Esperaremos con ansias sus propuestas.

Y si ayer, os comentamos The Zhero Theorem, hoy seguimos porque esta tarde tuvimos el honor de entrevistar a su director: Terry Gilliam. Además de hablarnos de su última obra, la cual nos ha explicado que se filmó muy deprisa y de forma analógica, nos ha contado que lo que mas le motiva en la vida es hacer peliculas "excepto cuando está haciendo una". Añade que le gusta la controversia que suscitan sus cintas porque eso es lo que pretende. Hacer algo mas que "peliculas majas," que es lo que Hollywood acostumbra a realizar. Gilliam define el film como" un vinilo", puesto que ha huido de la digitalización de la que hizo gala en sus últimos como el Imaginario del Dr Parnassus. Y sigue teniendo en mente su añorado proyecto de Don Quijote...

Después. fue el turno de las Brujas de Zugarramurdi. El Álex de la Iglesia mas grotesco vuelve para organizar un aquelarre dispuesto a conquistar la taquilla española. Despues de una fantástica primera hora, el film se acaba desinflando por sus propios excesos, pero estamos ante un gran divertimento marca de la casa que en sus mejores momentos combina salvajismo, humor atinado y frenesí con gran maestría. De la Iglesia ha hecho reirse la sala a carcajadas aunque cuando el aquelarre se pone en marcha ha acabado helando esas mismas sonrisas. Si es lo que pretendía, el director vasco lo ha vuelto a hacer. Una gran día de cine temina. Seguiremos informando.

JOAN BOTER ARJONA.-

61 ZINEMALDIA: FÚTBOL, DOBLES IDENTIDADES Y SURREALISMO

Empieza el festival. La lluvia torrencial no impide que la sala principal del Kursaal se llene para ver lo último de Juan José Campanella: Futbolín en 3D. La película narra la historia de rivalidad entre Grosso, esterotipado crack narcicista del balompié; y Amadeo, el humilde camarero, además de experto del futbolín y héroe de la función. Una magnífica cinta de animación, donde las referencias culturales made in Dreamworks (algunas mas acertadas que otros) o los guiños a Pixar no impiden que estemos ante el brainstorming animado mas inspirado del año con un final a lo Evasión y Victoria, que lleva el soccer a categoría de arte animado. Magnífico arranque de esta 61 edición que acabó con un merecido aplauso al acabar la proyección.

En la rueda de prensa, un solícito Juan José Campanella nos remarca que "no es una película sobre el fútbol si no que el deporte rey es el macguffin para explicar una historia para el público infantil". Respecto al 3D, el director de El Secreto de tus ojos confiesa su desconocimiento inicial del sistema, pero reconoce que, posteriormente, ha encontrado en esta nueva herramienta un modo muy particular de expresión "Me gusta el 3D porque es como estar viendo teatro encima del escenario." El prefiero dejar de un lado el efectismo de las tres dimensiones para acercar mas al espectador a la emoción en vivo del arte dramático".

Bastante menos le ha convencido a este crítico The Face of Love, una confusa réplica de Vértigo para amantes del romanticismo melancólico maduro al estilo los Puentes de Madison. Un film que, sin embargo, a pesar de tener a dos grandes actores como Anette Bening y Ed Harris, naufraga al no encontrar el tono. Arie Posin en su segundo largometraje parece no saber si el film es drama o comedia y cae en recursos fáciles y demasiado tediosos, a pesar de sus "golpes de efecto". Lástima.


Por su parte, el director de Incendies, Denis Villeneuve, también homenajea el hitchcockiano film de Novak y Stewart y nos trae una fascinante relato de doppelgängers,en el que es quizás sea el mejor film que he tenido el gusto de ver en este primer día en el Zinemaldia y la primera candidata a premio de la Sección Oficial. Se trata de Enemy, la adaptación de un texto de José Saramago, tan indescifrable como sugerente. Un film de dobles identidades, que coquetea con el surrealismo de Dalí, Buñuel o David Lynch con un final que no dejará a nadie indeferente y que la acerca a la abstracción de la que hizo gala la anterior triunfadora del festival de Sitges, Holy motors. Y con una gran perfomance por partida doble de Jake Gyllenhaal.

Por último, un retorno agradable y no exento de surrealismo (aunque mas "digerible"): El del personal regreso de Terry Gilliam. Pero mañana tendremos más sobre The Zhero Theorem, que ya adelanto que, sin ser ninguna obra magna, el ex Monthy Phyton recupera su fuerza y su crítica- filosófico-cómica que su ADN en esencia. En definitiva, en opinión de este cronista, en esta jornada inaugural, el buen cine ha ganado por goleada. Veremos los siguientes. Os seguiremos informando.

JOAN BOTER ARJONA.-

WWW.FACESONTHEBOX.COM

Queridos lectores! Desde este lunes, los del Facesonthebox, iniciamos una nueva etapa en una web con dominio propio, tras más de 6 años en blogia. 

Sólo nos queda decir adiós www.facesonthebox.blogiacom!! y hola WWW.FACESONTHEBOX.COM!!!!

Redacción Facesonthebox.-

HIT GIRL, LA REINA DE LA FUNCIÓN

HIT GIRL, LA REINA DE LA FUNCIÓN

Kick Ass 2, de Jeff Wadlow, recoge el testigo dejado por Matthew Vaughn, quien aquí sólo ejerce tareas de productor, para articular una secuela con el espíritu de la original, pero con menos humor (excepto algunos toques en la primera mitad del film) y eso sí, con mucha más violencia salvaje, sangre y desmembramientos gores (algunas de las muertes son realmente impactantes y desagradables, especialmente una referida a uno de los nuevos personajes de esta película). Aunque la violencia no sorprenderá a los seguidores del cómic de Mark Millar, sinó que les va a dejar satisfechos.

¿Qué echamos de menos en Kick Ass? En primer lugar, a Nicolas Cage y su gran Big Daddy, recordado con melancolía por su hija Mindy y por Marcus, su compañero y actual tutor de la joven. En segundo lugar, al mafioso Frank d´Amico, intrepretado por el siempre notable Mark Strong, eso sí que era un supervillano a la altura y no su ridículo hijo, Chris d´Amico, transformado en el esperpento del patetismo, Motherfucker, obsesionado con la venganza y el mal con ayuda de la notoriedad en las redes sociales.  

¿Quién nos alegra que haya regresado? Hit Girl, explorando dos caras de su personalidad y forjando una identidad más clara y rica, sigue "pateando culos", pero esta vez, el mejor personaje de este entrega (y también de la primera, porqué no admitirlo) tiene un leit-motiv más consistente. Además, nos encantó el homenaje paródico a pelis adolescentes, omo Crueless,Chicas malas o la más reciente Dando la Nota y su alusión los topicazos de las bobaliconas chicas populares, sus fantasías y sus ansias de notoriedad en el Instituto a toda costa. 

¿Quién nos ha sorpendido? El Coronel Barras y Estrellas, interpretado por un comedido Jim Carrey, quien se erige un muy buen secundario, que deja un buen gusto de boca, y no precisamente a los fans del cómico de La máscara o Ace Ventura. También nos ha extrañado el sentido de trascendencia explicando el auténtico papel de los superhéroes y la diferencia entre los reales y de cómic, queriendo emular a populares sagas homenajeadas, tales como Batman o Spiderman.

¿Qué lamentamos? Que el personaje de Kick Ass (Aaron Johnson), verdadedero motor de la trama, quede diluido por el ir y venir de tantos personajes secundarios y cafres superhéroes de medio pelo. Considero que tiene más interés hacer un spin-off de Hit Girl que continuar la vengativa relación entre Kick Ass y Motherfucker en una tercera entrega. 

Un consejo: Mejor que la veáis en versión original y que os esperéis a ver la escena post-créditos.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: Hit Girl y Kick Ass, una amistad a toda prueba. 

EL PODER DE LA NATURALEZA

EL PODER DE LA NATURALEZA

Epic, el mundo secreto, de Chris Wedge, responsable de la animación de la saga Ice Age y de Robots, es una propuesta entrañable, que satisfará tanto a grandes como a pequeños. La historia de Madry Katherine (doblada por Amanda Seyfried en la versión original), una hija adolescente y de su padre científico, el profesor Bomba (con la voz de Jason Sudeikis), obsesionado con descubrir el mundo secreto que se haya en el bosque. Pero las fuerzas del mal acechan secuestrando a un capullo y Mary Katherine será la primera en intervenir. 

Esta película, basada en el libro infantil The Leaf Men and the Brave Good Bugs, de William Joyce, sin llegar a las cotas de animación de las anteriormente citadas, es un dibujo entretenido, sin más pretensiones que realizar una historia donde grandes y pequeños se puedan sentir a gusto. Una cinta de aventuras que, en algunos momentos carece de la épica del título ni de las dimensiones de otras supreproducciones animadas, pero que se deja ver sin problemas.

Las eternas luchas entre el Bien y el Mal, el poder de la Naturaleza, la cooperación y el sentido de amistad y solidaridad, así como el mensaje ecologista de fondo se dan cita en esta película, destinada a ser degustada por un público familiar amplio. 

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Mary Katherine, inesperada aliada en el bosque.

ENSALADA DE CREPÚSCULO DE HOGWARTS

ENSALADA DE CREPÚSCULO DE HOGWARTS

El collage fílmico alcanza una de las cúspides más insólitas de los últimos años. La responsable de tal hito es la primera entrega de Cazadores de sombras (Los instrumentos Mortales en versión original), un cúmulo de referencias blockbusters tan excesiva que no duda sacrificar la coherencia desde el minuto 5 de metraje. Pero sin embargo su dinamismo la hace navegar en un mar de viñetas tan absurdas como divertidas. Aunque nada de lo que suceda ni tiene sentido ni para los espectadores ni tan siquiera para la guionista Jesica Postigo; la encargada de adaptar el texto de Cassandra Clare (autora de la saga literaria)

Hace mil años, el ángel Raziel mezcló su sangre con la de los humanos, creando la raza de los cazadores de sombras, que conviven con nosotros con la finalidad de protegernos de los demonios y otros seres sobrenaturales malignos. En este caso, los cazadores deberán proteger a Clary, una quinceañera pelirroja con los rasgos de Lily Collins que esconde más de un secreto en su interior.  En el camino, nuestra heroina será ayudada por Jace; papel encarnado por Jamie Campbell Bower que también ejercerá de principal interés romántico de la chica.

Y así podríamos resumir muy llanamente este batiburrillo. Porque el principal problema del film es que no queda claro su propio universo; tan complejo que no está ni definido y estructurado al menos en el film. 

Vampiros, hombres lobo que son hombres-rotweiller, ángeles, demonios, cazadores de sombras, brujos, poseídos...Si alguien se creía que True Blood era el caos iconográfico en persona esperen a ver este gazpacho en celuloide. Eso sí, sin sangre y con buenísimo; que va dirigida a un target adolescente.  Una mezcla con un buen reparto; a pesar de que este se encuentre al servicio del libreto (Jared Harris, Lena Headey  Rhys-Meyers y la propia Collins). Y que si a eso le sumamos la BSO de Atli Örvarsson y la dirección jocosa y dinámica de Harald Zwart, tenemos como resultado final un producto entretenido que cumple a pesar de su inconsistencia argumental.

Pero no se engañen: esta ensalada de Crepúsculo con salsa de Hogwarts, aceite de X-Men, vinagre de Stargate, remolacha de Blade y no sé cuantos ingredientes mas es una oda a la sobresaturación que si bien es propia de la era Wikipedia difícilmente casará con su público potencial. Al menos como obra de gran calado generacional. Ese testigo lo tienen ahora los Juegos del Hambre y no parece que esta saga que se nos presenta  le vaya a arrebatar el trono ( de hecho en USA ha sido un fracaso en taquilla). Ni teniendo a la Cersei de George R. R. Martin en sus filas...

JOAN BOTER ARJONA.-

Pie de foto: Jonathan Rhys-Meyers, villano oscuro de la función.

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INTROSPECCIÓN Y ROMANTICISMO

INTROSPECCIÓN Y ROMANTICISMO

Mud, es la nueva película del autor de Take Shelter, Jeff Nichols, un intenso drama y thriller ambientado en la América Profunda, que da la oportunidad de lucirse de nuevo -interpretativamente hablando- al cada vez más ascendente, Matthew McConaughey, en racha tras Killer Joe y Magic Mike, que rueda Interstellar y pendiente de estrenar Dallas Buyers Club y El lobo de Wall Street.

Mud (McConaughey) es un hombre solitario, huido del mundo y escondido de todos, a quienes descubren en un pantano dos niños, Ellis (el sorprendente hijo mayoy de Brad Pitt El árbol de la vida: Tye Sheridan) y Neckbone (Jacob Lofland). A partir de entonces, se entabla entre ellos un vínculo que va de la desconfianza mútua a la cooperación y amistad para que Mud pueda reunirse con la chica de sus sueños (una white-trash Reese Witherspoon), a pesar de los peligros que le acechan.

Con esta premisa argumental, la cinta, a caballo entre Shane y Cuenta conmigo, es el retrato de este ser, que no sabes si es un mentiroso o alguien en quien se puede confiar y de estos niños, que comienzan a profesarle una gran admiración e identificación con su "causa romántica".

El autor de Take Shelter prefiere explorar psicológicamente a sus personajes que hacer un thriller de acción convencional al uso (por ello, la acción trascurre sólo en su tramo final). Así pues, este triángulo protagonista, completado con otros personajes secundarios como el de Reese Witherspoon o Sam Shepard, como un huraño ex-militar, se verá abocado a toda una serie de aventuras y peligros más o menos inesperados.

La introspección del relato hace que la película vaya de menos a más, ganando intensidad e interés conforme avanza el metraje. Por lo tanto, sólo el espectador paciente se verá recompensado (o quizás se sienta algo defraudado) con esta historia de amistad entre perdedores, de búsqueda de un sueño, de paso de la infancia a la madurez, impregnada de amarga melancolía y de romanticismo añejo. A nosotros nos ha interesado. Un consejo: el film hay dejarlo madurar y reposar tras verlo, poco a poco. 

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: La unión hace la fuerza.

CUANDO LA VIDA REAL NO ES CÓMO LAS PELÍCULAS

CUANDO LA VIDA REAL NO ES CÓMO LAS PELÍCULAS

Dolor y dinero es la nueva película de Michael Bay, un thriller de acción y comedia, con Mark Walhberg y Dwayne Johnson como protagonistas. Si mezcláis en una coctelera el "colegueo" de las dos partes de Dos policias rebeldes, del mismísimo Bay, el patetismo tragicómico de Fargo, de los hermanos Coen y la estética y los escenarios de la serie CSI Miami, Spring Breakers, de Harmony Korine e incluso del Corrupción en Miami, de Michael Mann, nos saldría esta película, que bebe de todas estas fuentes para erigirse un producto que, partiendo de lo superficial, pretende dejar un mensaje más profundo.

La trama es sencilla: Dos culturistas con peores ideas que problemas económicos, interpretados por los citados Walhberg y Johnson secuestran a un rico empresario pero, las cosas no salen como parecen y creen que le han matado. No obstante, éste (Tony Shalhoub) con la ayuda de un detective privado (Ed Harris) planerá vengarse de ellos. 

A favor de la película es que, la intrascendencia de la propuesta, hace que las peripecias resulten entretenidas y se sigan con interés, aunque eso no quita que sus dos horas y diez resulten un poco largas en algunas escenas.

Bay hace gala de las cámaras en movimiento y de los planos rápidos para dar más sensación de modernidad y dinamismo a un relato ya visto mil veces, el de dos losers que quieren cumplir un sueño, se piensan que la realidad es como en las películas y resultan bastante cafres para llevar a cabo su misión. 

No obstante, se trata de un noir ágil, fresco y actual, con vocación de divertir y hacer pasar un buen rato en el cine, sirviéndose de una extraña pareja cómica que funciona a la perfección y que se completa con las apariciones divertidas de Anthony Mackie, Rebel Wilson (Dando la nota) o Ken Jeong (de la trilogía Resacón). 

JR PALOMAR.-

CÓCTEL DE ACCIÓN, SPAGHETTI WESTERN Y DIVERSIÓN

CÓCTEL DE ACCIÓN, SPAGHETTI WESTERN Y DIVERSIÓN

Si Piratas del Caribe fue la saga que encumbró en el Olimpo de los más comerciales y mejor pagados a Johnny Depp, no es de extrañar que este niño grande que dejó de contar con su otra pata del tándem, Gore Verbinski tras la tercera parte de Piratas, convenciese al director para embarcarse en una nueva aventura: la adaptación cinematográfica de El llanero solitario.

¿Es una adaptación fiel al cómic original? Según Esteve Poll dibujante actual de El llanero solitario para la edición americana, no, pues no refleja el carácter de sus personajes originales. Lo que no quita que, gracias a la repercusión de la película, la tira cómica del guardabosques convertido en Lone Ranger y del indio Toro, su salvador y cuidador, llegue a más personas, quien se sientan atraídos por el cómic tras ver el film. 

Armie Hammer y Johnny Depp dan vida a ambos protagonistas y lo hacen de manera poco carismática. El soso Hammer y un Depp que repite tics de Jack Sparrow pueden ser el reclamo, a priori, de esta montaña rusa que combina acción, spaghetti western y cartoon con la diversión propia de las películas de Verbinski.

No obstante, son sus espectaculares escenas de acción -en especial, la del ataque comanche- las que serán más recordadas y celebradas por un público ávido de distracción. Pero El llanero solitario no tiene el espíritu de la notable Rango -también del tándem Depp-Verbinski-, sinó que se acerca más a la saga de los bucaneros en muchos momentos. Cuando adquiere el espíritu del salvaje oeste es cuando el film alcanza mejores cotas.

Sus 149 minutos de metraje son algo excesivos, pues en varios momentos, la trama no resuelve con rapidez y se estanca. La presencia de Helena Bonham-Carter (en dos estelares apariciones) se convierte en otro de los alicientes de un blockbuster veraniego de pop-corn, sin más pretensión que ser degustado y digerido con facilidad por todos los públicos.

SONIA BARROSO.-

Pie de foto: El llanero solitario y el indio Toro, condenados a entenderse.

APOCALIPSIS ZOMBIE EN EL MAR: VISITA AL RODAJE DE REC 4

APOCALIPSIS ZOMBIE EN EL MAR: VISITA AL RODAJE DE REC 4

El autobús llega al Plató 4 del Parc Audiovisual de Catalunya, situado en Terrassa (Barcelona). Acabamos de llegar al lugar en donde se están recreando el laberinto de pasillos que conforman el escenario principal de Rec 4: Un claustrofóbico barco mercante. Al lado del set, el Hospital de Tórax: lugar lleno de leyendas sobrenaturales, que ayudan más, si cabe, a recrear la atmósfera que Jaume Balagueró necesita para cerrar la saga. Una terrorífica franquicia que se ha convertido en la más fructífera muestra de género no sólo en España, sinó en Europa.

La expectación es brutal. Medios nacionales e internacionales se acumulan en un estudio donde todo está cuidado al milímetro para intentar indagar que se está cociendo en la última entrega de Rec. ¿Qué va a suceder en este film? ¿La amenaza zombie va a finalizar o el Apocalipsis del título ya nos anticipa un final fatal? ¿Qué revelaciones vamos a encontrar en este capítulo final?

MANUELA VELASCO: LA RIPLEY DE BALAGUERÓ

Poco a poco, vamos descubriendo qué secretos ocultan esos pasadizos navieros. Hablamos con Manuela Velasco, quien nos confiesa que ha sido el rodaje más duro de su carrera. Según la actriz madrileña, la parte acontecida en Canarias, donde se han realizado los exteriores, ha sido de una intensidad extrema. Un buque de estas características no está acondicionado para rodar una producción y más de estas características con la que la integridad física de la actriz ha sufrido estragos en más de un momento. “Ha sido una pesadilla", recalca la actriz. Sin embargo, la filosofía con la que Manuela ha afrontado este desafío es de una entereza y profesionalidad intachable. La intérprete que vuelve a dar vida a Ángela Vidal transmite una vitalidad y optimismo que nos deja perplejos. Sin duda, se ha ganado los galones para ser la "Ripley" de este film de terror español.

Siguiendo con el paralelismo con Alien, Jaume Balagueró compara esta nuevo episodio con el mundo creado por Riddley Scott " Si Rec y Rec 2 serian mis Alien y Alien 2; este Rec 4 sería mi Prometheus". Las expectativas de los asistentes suben como la espuma. El film promete responder preguntas sobre el origen de esta infección, pero el director de Mientras Duermes también nos advierte que estas preguntas  puede que "generen otras, como todo en la vida." De todas formas, el realizador aclara que este largometraje tiene muy poco en común con los films citados. Tanto de envergadura como de temática. Y es que, a pesar del revuelo que despierta el film y las condiciones exhaustivas que han tenido que sufrir en el rodaje, se respira familiaridad en el set. La familiaridad que se crea cuando desde 2007 las mismas personas ha formado parte de este proyecto en común llamado REC.

Después de las entrevistas, volvemos al estudio. Es allí donde descubrimos realmente un poco más del misterio de este epitafio fílmico que tantas pasiones ha levantado entre el público amante del terror. Poco a poco cualquier dato que se nos proporciona con cuentagotas va tomando forma y las elucubraciones crecen en las mentes de los asistentes. 

EL ATAQUE CON EXTINTOR

Para terminar, los últimos miembros de la prensa asistimos a un momento de lo más especial: en un pasadizo de esta embarcación infernal, Jaume le da instrucciones a Manuela para usar un extintor como arma arrojadiza. Entonces, Manuela se acerca amenazante a nosotros corriendo por el pasillo como si nos quisiera golpear con el aparato contra incendios. Su imagen se congela para los objetivos de los reporteros gráficos y para nuestros ojos; dejando un recuerdo imborrable que huele a cine por los cuatro costados. Luego bromea con los periodistas diciendo que es más complicado de lo que parece dominar un objeto de tal envergadura. Pero Manuela está hecha de otra pasta. Como Jaume y todo el equipo. Salimos del plató con esa sensación: la de asistir a la creación de otra obra hecha por gente que ama este tipo de películas y se deja la vida haciéndolas. Y por eso no hay infección que les detenga. 

JOAN BOTER ARJONA.-

Pie de foto: Manuela Velasco, muy solícita con la prensa.

 


DIALÉCTICA ENTRE DOS MUNDOS OPUESTOS

DIALÉCTICA ENTRE DOS MUNDOS OPUESTOS

Empecemos aclarando un tema: Elysium no es District 9 y, a pesar de que  ambas sean obra del mismo director, Neil Blomkamp y tengan la sci-fi como género argumental, no debemos confundir aquella con ésta. En primer lugar, los medios son distintos, si aquella fue un hito en la ciencia-ficción de corte modesto e indie, Elysium es una notable película, orientada a un público más mainstream. Por ello, la elección de Matt Damon y Jodie Foster, como reclamos y cabezas visibles de un reparto en el que también destaca Sharlto Colpley, actor fetiche del director. 

La trama es la siguiente: Estamos en 2159. Viven dos tipos de personas: los muy ricos, que viven en una estación espacial artificial, denominada Elysium, y el resto, que vive en la Tierra, superpoblada y en ruinas. La Secretaria Delacourt (Jodie Foster) luchará para preservar la lujosa forma de vida de los habitantes de Elysium. Aunque su empeño no impedirá que la gente de la Tierra trate por todos los medios de entrar en la estación. Max (Matt Damon), es el héroe de una misión en la que se jugará la vida y que ha de servir para igualar estos dos mundos opuestos.

El tema de los mundos contrapuestos, ya recurrente en el cine de corte sci-fi, sin ir más lejos en la reciente y azucarada Entre dos mundos, de Javier Solanas, permite establecer una dialéctica recurrente de lucha de clases: entre opresores y oprimidos, entre Norte y Sur.

Además, también hallamos en el film otra dialéctica: la del hombre versus la máquina, como si de un Terminator o un Matrix se tratase, aunque quizás la carga filosófica se ve reducida para primar una cinta de acción muy bien facturada y realizada, pero que cojea en cuanto a guión, pues sus ideas son bastantes acertadas, pero no llegan a desarrollarse por completo como deberían. Asimimo, es más interesante el papel de la "malvada" secretaria Delacourt que el de Max, un héroe de acción más bien esquemático.

No obstante, la película funciona como entretenimiento veraniego por encima de la media, apuntando temas interesantes y resolviendo con solvencia una trama a caballo entre la ciencia ficción y la acción más contundente.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Max (Matt Damon), rebelde contra Elysium. 

LO QUE NUNCA LLEGÓ A EMPEZAR

LO QUE NUNCA LLEGÓ A EMPEZAR

Con sólo nueve años, Younes ve como su padre queda arruinado y hundido en la miseria y la frustación. Fruto de tal situación, decide confiar el niño a su hermano, un farmacéutico integrado en la comunidad occidental de Orán. Ahora, el nuevo nombre de Younes es Jonas, crece entre jóvenes colonos de los que se hace amigo inseparable. Hasta el día en que llega a la ciudad Émilie, un antiguo "amor" de infancia que le hará caer en errores similares a su progenitor.

Eso sería el resumen a la ligera de este culebrón, que bien podría ser la base argumental de una telenovela al estilo Topazio. Un film de argumento muy enrevesado y largo que no oculta la superficialidad de esta adaptación fílmica de la novela de Yasmina Khadra. La verdad es que no me ha convencido nada la propuesta dirigida Alexandre Arcady. Este " lo que el día debe a la noche" me ha aburrido con su planteamiento de melodrama hiperbólico e inverosímil a más no poder.

Gran culpa la tiene un libreto que quiero contar demasiadas cosas en su por otro lado, abultado metraje. Uno de ellos, es el trasfondo político del film que no se hace evidente hasta el último tercio de la cinta. Éste trata sobre el nacionalismo árabe en la segunda guerra mundial y cómo afecta a la sociedad burgesa francesa con el sol tostando las casas e iluminando los colores de la fotografía del film. Y luego, está la historia de amistad e enemistad de un grupo de amigos que, el paso del tiempo va separando a través tanto de los conflictos sociales como personales. Amén del que sería el dilema principal de la propuesta: un triángulo amoroso atípico, donde un acto de locura acaba sentenciando un amor por culpa de un honor que este crítico considera de gran estulticia.

Todo ese cóctel de melodrama y épica se resuelve con una atmósfera mencionada anteriormente que me parece, de largo, lo más conseguido del film. Dichos aires estivales recuerda mucho a la textura que se respiraba en la novela Crucero de Verano de Truman Capote pero cambiando la Quinta Avenida por la Costa Azul del país del Rochefort. Sin embargo, una vez analizado este aspecto poco queda. Interpretaciones planas, libreto que quiere abarcar mucho y pasa de puntillas por todo. Diálogos esquemáticos, subrayados risibles en su desarrollo...etc.

Es una lástima que no haya podido apreciar esta historia con un mensaje final interesante pero que queda tan diluido por el libreto y su ejecución (mas allá de su aspecto formal) que la convierten en uno de los films de los que más he aburrido este año en una sala de cine. Como dice uno de los personajes del film esto es "lo que nunca llegó a empezar".

JOAN BOTER ARJONA.-

Pie de foto: Una historia de amor, que dista mucho de ser redonda.

LA JUGUETERIA DE GUILLERMO

LA JUGUETERIA DE GUILLERMO

La personalidad fílmica de Guillermo del Toro es la de un niño grande. Uno que sigue disfrutando con jugar aún con muñecos, ya sean vampiros mutantes, demonios fumadores o, en esta ocasión, robots y godzillas del tamaño de un rascacielos. Pero lo mejor de todo, es que sabe filmar esta clase de historias como pocos. En Pacific Rim lo vuelve a hacer. Técnicamente el film es oro puro. Otra cosa es el libreto en el mejicano canaliza su visión cinematográfica...

Y es que, por si no había quedado claro, después de ver este film queda patente que Guillermo del Toro es tan bueno como el material que tiene entre manos. Si en El laberinto del fauno firmó su mejor obra con diferencia, gracias a su guión de hierro; en este anime superficial y autoconscientemente ridículo, no va ser sentar cátedra en el séptimo arte. Es un producto palomitero hueco, pero sin la única pretensión de entretener y divertir al espectador. Y al menos, este crítico disfrutó de lo lindo durante los 130 minutos de metraje. Pasaron en un suspiro.

Además, el director de Hellboy sabe usar los mecanismos narrativos con inteligencia y economía. La contextualización y la  compleja iconografía del mundo del film nos lo presentan en los primeros 5 minutos, antes de ver el título en pantalla. Todo empieza en el año 2020, cuando la Tierra es atacada por Kaijus, monstruos colosales que han surgido a partir de un portal inter-dimensional en el fondo del Oceano Pacífico. Para luchar contra los monstruos, la Humanidad colabora para crear a los Jaeger: unas gigantescas maquinas humanoides, cada una controlada por dos pilotos cuyas mentes están unidas por un puente neural. Después de un trágico incidente que marcan la vida de un piloto llamado Raleigh Becket (Charlie Hunman, de Sons of Anarchy), los Jaeger deberán a enfrentarse con la peor ofensiva de Kaijus hasta la fecha.

Los personajes son estereotipos, pero visto desde el prisma del humor autoconsciente. Desde el protagonista Raleigh, pasando por un Idris Elba fantástico, como Mariscal Stacker Pentecost, y el máximo motor emocional del film, Mako Mori, encarnada por Rinko Kikuchi. No faltan los secundarios roba-planos, como Ron Pelman, el actor fetiche de Guillermo del Toro u otras presencias "amiguetiles", que le dan al producto un aire familiar, de aquel que disfruta con lo que está contando. Además, las escenas de acción usan planos abiertos para no confundir al espectador como a veces nos tiene acostumbrados el cine de acción. Sin embargo, su condición de producto de manual también hace que, más allá de su ejecución, el film sea una "caipiriña" veraniega: aquella que se disfruta mucho mientras se saborea,  pero que al terminarla, no deja huella. Como los buenos cócteles refrescantes, eso sí.

JOAN BOTER ARJONA.-

Pie de foto: Raleigh y Mako, dos héroicos pilotos en combate. 

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VUELVE FRANK MOSES & CIA

VUELVE FRANK MOSES & CIA

Red 2, de Dean Parisot, vuelve sobre las premisas y los personajes de la primera parte (con la excepción de Morgan Freeman), reuniendo de nuevo para una nueva misión llena de acción, adrenalina y buen humor al equipo de Frank Moses, Bruce Willis, es decir, a John Malkovich, Helen Mirren y Mary Louise-Parker para enfrentarse a un enemigo común. Aparecen por allí, Anthony Hopkins, que quiere unirse a la fiesta de la senectud, la seductora Catherine Zeta-Jones, como espía rusa, y dos coreanos de turno.

La fórmula que tan buenos resultados dio en su primera parte vuelve a repetirse en esta nueva aventura que, aunque está un poco por debajo de su antecesora, cumple con creces como entretenimiento veraniego de acción y humor, como si fuese el nuevo Arma Letal de la tercera edad. Eso sí, se nota el aumento de su presupuesto, en las más eleboradas y plantadas secuencias de acción y vuelve la complicidad entre sus protagonistas, conscientes del producto de entretenimiento que tienen entre manos.

Así pues, poco misterio y bastantes dosis de diversión para una película que puede asegurar la continuidad de la saga, siempre que sus actores ni el público se cansen de ver calcados muchos guiños y situaciones anteriormente vistas. Aunque eso sí, he de admitir que es un más que correcto producto para pasar una tarde de verano de lo más entretenida.

JR PALOMAR.-

Pie de foto: Todo el equipo de Red 2, veteranos y nuevas incorporaciones, listos para la acción y la diversión.

LOS ARTISTAS Y LA MODELO

LOS ARTISTAS Y LA MODELO

Renoir, film de Gilles Bourdoes, basada en la novela "Les tableaux amoreux", de Jacques Renoir, comienza en 1915 y se encarga de abarcar la última etapa vital del famoso pintor impresionista August Renoir en su casa de la Costa Azul. Todo ello centrándose, concretamente, en sus problemas de salud, en la inspiración y creatividad de su póstuma obra y en la relación con su familia, especialmente con su hijo Jean Renoir, futuro cineasta y herido en el frente de Guerra y con la última de sus modelos, Andreé, por la cuál Jean se sentirá absolutamente enamorado. 

La película, para personas sensibles interesadas en el arte y la belleza, es una propuesta aún más estética que El artista y la modelo, de Fernando Trueba, con la que esta película podría formar una buena sesión doble de cine y arte. No en vano, la recreación de los lienzos, la búsqueda constante de la luz y de la belleza, acompañados de una deliciosa banda sonora obra del prolífico Alexander Desplat, constituyen un delicado  y evocador envoltorio para una película que relata, sin estridencias, cómo un artista se resiste a abandonar sus creaciones a pesar de los achaques de la enfermedad (en este caso la progresiva artritis que padece y le irá paralizando). 

Asimismo, la subtrama romántica entre el hijo del pintor y la modelo de su padre está también muy bien ensamblada en la trama, así como la relación entre padre e hijo y artista y modelo, creando una dialéctica entre la juventud y la vejez y las distintas maneras de enfrentarse tanto al arte como a la vida, en definitiva.

Es por ello, que la película, seas o no admirador de la obra de los Renoir, se deja ver con facilidad, gracias a sus tres actores principales, Michel Bouquet, Vincent Rottiers y Christa Theret y a la maravillosa recreación de los colores, las formas y la belleza pictórica y vitalista en general. 

JR PALOMAR.-

Pie de foto: La relación entre los dos Renoir y su modelo, centro de la trama.

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